Music

With appeal to more than just punk history obsessives, Orstralia offers an unprecedented snapshot of an underacknowledged segment of Australian life and history.

Far from punk’s more modish North Atlantic core in the late 1970s, discontented youth in Australia were enacting similar musical and cultural reckonings. Yet in spite of the Australia's purported “laid-back” national demeanour, punks there were routinely met with insult, fist, or the police baton.

More subterranean than the national scandal that was punk back in “homeland” Britain, Australia’s own bands nonetheless came to be heralded internationally. Orstralia represents the first definitive account of the country’s initial years, from progenitors the Saints and Radio Birdman in the mid-70s, through the emergence of hardcore in the 1980s, to the stylistic diffusion that accompanied transition to the 1990s.

Based on over 130 interviews, Orstralia documents the most renowned to the most fleeting and obscure acts the nation produced. Included are equally engrossing and shocking personal narratives befitting such a passionate and intemperate cultural form, as well as punk’s placement within broader Australian society at the time.

A Stanford University Press classic.

A Stanford University Press classic.

A Stanford University Press classic.

"I'm proof that things absolutely can happen." - Pink

Dubbed the next "Queen of Pop" for her distinctive voice and live acrobatic stage performances, Pink unapologetically smashed her way through the music industry at the mere age of 14. The incredible success of her masterpiece Missundaztood showcased the reality of Pink to the world; a strong, rebellious yet vulnerable woman who was here to conquer the music industry. With over 135 million albums and singles sold worldwide, nine studio albums and a long list of accolades, she is one of the world's best-selling music artists.

Moving Mountains: The Little Guide to Pink is bursting with quotes taken from the mouth of the "toothless tiger" herself across interviews from all eras of her continuing career. From relatable quips to fascinating facts from her wild teenage days, this tiny tome will get you ready to paint the world pink.

K-POP cannot be stopped!

Since its large-scale assault on the world stage a decade ago, K-POP has defied a cynical musical industry and defined a generation of musical talent, creating a soundtrack to the 21st century in the process. Today, more than 80 million K-POP albums are sold each year, with tens of billions of streams and MVs to boot, uniting the millions of K-POP fandoms together into one demilitarized, and friendly, army.

Much like K-POP blends together the genres of electronic, pop, hip-hop, rock, and R&B, The Little Guide to K-POP fuses together all the facts, stats, quotes, quips, wisdom and trivia you'll need to keep up to speed with this lightning bolt of an evolving genre.

From BTS to BlackPink, Seventeen to EXO, Red Velvet to SuperM, and everyone else inbetween, The Little Guide to K-POP celebrates ten years of musical revolution, throwing a bite-size spotlight on the viral dance moves, songs, groups, agencies, MVs and the heart-throbbing idols at the center of this global cultural phenomenon.

'No matter who you are, where you're from, your skin color, your gender identity; just speak yourself. Find your name and find your voice by speaking yourself.' RM, BTS, at the United Nations, September 20, 2021.

Giving Satan Tinnitus Since 1973.

Jacked up to the max with plenty of juice left to squeeze, AC/DC can still ignite their excitable audiences with their supercharged, power-cord hungry rock, even in 2023.

This Little Guide to AC/DC is the ultimate, greatest hits compilation of the band's best bits in quick-fix shots, amped up to 11 with high voltage facts, shocking stats, killer quips and quotes, heavy-duty historic dates and thunderstruck trivia, a compact compendium of wit and wisdom that will keep every AC/DC fan as hard as a rock all night long.

For those about to read, we salute you!

'I'm sick to death of people saying we've made 11 albums that sound exactly the same. In fact, we've made 12 albums that sound exactly the same.' Angus Young

The world's biggest star squeezed down to a miniature pocket-size.

Harry Styles is the hero we all deserve right now. And judging by the deafening noise he received on his sell-out world tour to support his acclaimed record, Harry's House, he is the defining icon of our age, no doubt.

With more than 80 million record sales (combined with One Direction), Harry is one of the very few modern superstars worthy of all the fuss. According to many, he is set to become the next Bowie. This tiny tome celebrates the star in the only way we know how – in his own words, and more than 185 bitesize quotes. From his earliest pre-fame interviews right through to his most recent world tour, there's no part of his life left unturned.

As he turns 30 in 2024, and with a career-defining album and world tour about to be put to bed, whatever Harry does next will have the eyes of the world on him. While you wait for his return, The Little Guide to Harry Styles will keep you company in bed – and wherever else you need a little Harry-shaped pick-me-up.

'I just don't think you need to be a dick to be a good artist. But then, there are also a lot of good artists who are dicks. So, hmmm, maybe I need to start scaring babies in supermarkets?' Harry Styles

Formed in Wiltshire, England, in 1980, the Subhumans are rightly held in high regard as one of the best punk rock bands to ever hail from the UK.

Over the course of five timeless studio albums and just as many classic EPs, not to mention well over 1,000 gigs around the world, they have blended serious anarcho punk with a demented sense of humour and genuinely memorable tunes to create something quite unique and utterly compelling. For the first time ever, their whole story is told, straight from the recollections of every band member past and present, as well as a dizzying array of their closest friends and peers, with not a single stone left unturned. Bolstered with hundreds of flyers and exclusive photos, it’s the definitive account of the much-loved band.

The connection of Judaism to music has been a lively discourse topic in recent years, and the musical awakening in religious circles is one expression of it. This book is the first comprehensive research project on the encounter of music and Judaism in the theological and philosophical realms, tracing the historical evolution of the music motif in Jewish thought. It describes the course of music as a tool serving religious, psychological, and instrumental goals until it developed into an independent aesthetic experience. Discussions also encompass various assessments of music in Jewish thought and the special connection of the Jewish people to music.

This is the first comprehensive history of goth music and culture. John Robb explores the origins and legacy of this enduring scene, which has its roots in the post-punk era.

Drawing on his own experience as a musician and journalist, Robb covers the style, the music and the clubs that spawned goth culture, alongside political and social conditions. Reaching back further into history, he examines key events and movements that frame the ideas of goth, from the fall of Rome to Lord Byron and the Romantic poets, European folk tales, Gothic art and the occult. Finally, he considers the current mainstream goth of Instagram influencers, film, literature and music.

The art of darkness features interviews with Andrew Eldritch, Killing Joke, Bauhaus, The Cult, The Banshees, The Damned, Einstürzende Neubauten, Johnny Marr, Trent Reznor, Adam Ant, Laibach, The Cure, Nick Cave and many more. It offers a first-hand account of being there at the gigs and clubs that made the scene happen.

America's Original Gangsta.


Snoop Doggy Dogg fired up the burgeoning U.S. rap scene in 1993 with his outstanding debut, Doggystyle. It not only revolutionised a genre, it also put West Coast ganstas at the top of the charts for the first time ever. With producer Dr Dre, Snoop lit the spark for many other famous rappers to find fame and built a global apparel empire and brand that now branches out into multiple bestselling products, all available on his online 'Snoopermarket'.

This little guide is the pick-me-up every Snoop fan deserves. With more than 175 whip smart wisecracks from America's highest pop culture power, The Little Guide to Snoop Dogg is the best way to celebrate 30 years of Doggystyle without putting your back out.

'I felt like I was out of pocket. I apologised to him, and let him know and I'm just bettering myself. I make mistakes. I ain't perfect. I'm Snoop Dogg.'

One of the late twentieth century’s most celebrated and influential public intellectuals, Edward W. Said was also a critic of astonishing range. This book presents his insightful and elegant analyses of four major operas—originally delivered as the Empson Lectures at Cambridge University in 1997—showcasing the power of Said’s critical acumen to unsettle canonical interpretations.

In close readings of Mozart’s Così fan tutte, Beethoven’s Fidelio, Berlioz’s Les Troyens, and Wagner’s Die Meistersinger von Nürnberg, Said explores how each opera engages with the social and political questions of their own eras—and how they might speak to the present. He pays careful attention to the works’ historical context as well as the possibilities they open for contemporary reinterpretations, examining the tension between opera’s cultural prestige and its potential for subversion. Said considers the representation of national identity, class, and exoticism, and he shows how cultural and literary studies can enrich understandings of operatic texts and performance. Lucid and gracefully written, Said on Opera enlivens well-known works with fresh insights and demonstrates the breadth of Said’s contributions to cultural criticism.

This book features an introduction by the editor, Wouter Capitain, who situates these essays in the context of Said’s career, and a foreword by the acclaimed opera director Peter Sellars, who offers a masterful appreciation of Said’s achievements.

One of the late twentieth century’s most celebrated and influential public intellectuals, Edward W. Said was also a critic of astonishing range. This book presents his insightful and elegant analyses of four major operas—originally delivered as the Empson Lectures at Cambridge University in 1997—showcasing the power of Said’s critical acumen to unsettle canonical interpretations.

In close readings of Mozart’s Così fan tutte, Beethoven’s Fidelio, Berlioz’s Les Troyens, and Wagner’s Die Meistersinger von Nürnberg, Said explores how each opera engages with the social and political questions of their own eras—and how they might speak to the present. He pays careful attention to the works’ historical context as well as the possibilities they open for contemporary reinterpretations, examining the tension between opera’s cultural prestige and its potential for subversion. Said considers the representation of national identity, class, and exoticism, and he shows how cultural and literary studies can enrich understandings of operatic texts and performance. Lucid and gracefully written, Said on Opera enlivens well-known works with fresh insights and demonstrates the breadth of Said’s contributions to cultural criticism.

This book features an introduction by the editor, Wouter Capitain, who situates these essays in the context of Said’s career, and a foreword by the acclaimed opera director Peter Sellars, who offers a masterful appreciation of Said’s achievements.

‘Remembering Popular Music’s Past’ capitalises on the growing interest, globally, in the preservation of popular music’s material past and on scholarly explorations of the ways in which popular music, as heritage, is produced, legitimised and conferred cultural and historical significance. The chapters in this collection consider the spaces, practices and representations that constitute popular music heritage in order to elucidate how popular music’s past is lived in the present. Thus the focus is on the transformation of popular music into heritage, and the role of history and memory in this transformation. The collection is particularly interested in the ways in which popular music’s past becomes enacted in the present.

The chapters discuss a diverse array of topics but are unified by inquiry into the construction, curation, display, negotiation and perception of popular music’s past. The collection presents a critical perspective on academics’ involvement in ‘historian’s’ work of ‘reconstruction’ of the past through archival and analytical research. The cultural studies framework adopted in the collection encompasses unique approaches to popular music historiography, sociology, film analysis, and archival and museal work. Broadly ‘Remembering Popular Music’s Past’ deals with issues of precarity in popular music heritage, history and memory. The collection is a timely addition to a subfield of popular music studies and critical heritage studies that has grown exponentially in the past ten years.

This book is about the presence of music in novels. More specifically, it is about music in the early modern novel, with an emphasis on seventeenth-century musical prose from The Netherlands. The essay provides a concise and an accessible introduction into the subject and presents an overview of this compelling and fascinating new research area.

In recent years the interest in this subject has substantially increased both among literary critics―who coined a special term for the phenomenon and speak of ‘music novels’―and academics, who started doing systematic and in-depth musico-literary research. Initially, the research was focused mainly on the influence of music in novels from the period around 1900, the works by modernist writers like Thomas Mann, James Joyce and Virginia Woolf. Later, also the novelistic oeuvre of twentieth- and twenty-first-century ‘musical’ authors like Milan Kundera, Simon Vestdijk and Toni Morrison became subject of study. It is remarkable that up until now the presence of musical elements in prose works from earlier centuries received almost no attention from academic researchers. This essay wants to contribute to filling this lacuna.

The book offers the reader an impression and overview of this intriguing interdisciplinary field. First, it presents an exploration of the role and function of musical elements in seventeenth-century Dutch prose fiction. Many examples from primary literature are discussed and are consistently considered in the light of contemporary European developments. Secondly, the publication serves as an introduction to a fascinating new research area, that is at an international level, too, virtually unexplored. This makes it the first transnational study devoted to musical practices in the Golden Age novel. Accordingly, the text investigates several options for future research.

The ‘IB Music Revision Guide 2nd Edition’ includes analyses of all the prescribed works of the International Baccalaureate Diploma Programme music course through 2019. It also includes a comprehensive overview of all the musical styles and cultures that are examined during the course, practice questions and answers that allow students to check their knowledge, as well as a glossary to help ensure key terms are understood. There are also revision tips and advice on exam technique that will help students prepare for the IB listening exam with confidence. Suitable for Standard and Higher Level.

Christian Lehmann brings his experience as a musicologist, singer and academic to this fascinating journey through the origins of music and its role in human development, culture and society. The opening section examines the first stirrings of music in animals, birds and fish before moving on to humans in prehistoric times, and how musical sounds are an integral part of family bonding and social gatherings.

The second section follows the evolution of musical culture from ancient Greece and the educational theories of Pythagoras and Plato, as well as first great musical landmark in 1000 AD, when Guido di Arezzo devised the stave and music could now be written down instead of just being passed on verbally. The author examines the relationship between ‘art’ and folk music, and goes on to explore the flowering of secular music, the development of conservatoires and the democratisation of music with the rise of the middle classes and salon music. In 1877 came the second great landmark: Edison’s invention of the phonograph. Now for the first time music could be repeated and preserved, listened to anywhere, alone or in company.

The third section provides a critique of the decline of singing in our society and explores how we have become a race of listeners rather than music-makers. It considers our personal reactions to music – emotional, intellectual, subconscious and therapeutic – and the effects of the present-day ubiquitous ‘muzak’, which has made music a part of everyday life and has made it independent not just of the performer but of the listener as well.

Few books on music are as rewarding as this one. Technical terms are clearly described in a way that appeals to both the musically well-informed and the musically inexperienced. Well-chosen examples and amusing asides help to make this a highly informative and extremely readable book – a must for anyone interested in the development of music and how integral it is to the human condition.

The ‘IB Music Revision Guide 3rd Edition’ includes analyses of all the prescribed works of the International Baccalaureate Diploma Programme music course through to 2021. It also includes a comprehensive overview of all the musical styles and cultures that are examined during the course, practice questions and answers that allow students to check their knowledge, as well as a glossary to help ensure key terms are understood. There are also revision tips and advice on exam technique that will help students prepare for the IB listening exam with confidence. Suitable for Standard and Higher Level.

Dieser Titel aus dem De Gruyter-Verlagsarchiv ist digitalisiert worden, um ihn der wissenschaftlichen Forschung zugänglich zu machen. Da der Titel erstmals im Nationalsozialismus publiziert wurde, ist er in besonderem Maße in seinem historischen Kontext zu betrachten. Mehr erfahren Sie .

Dieser Titel aus dem De Gruyter-Verlagsarchiv ist digitalisiert worden, um ihn der wissenschaftlichen Forschung zugänglich zu machen. Da der Titel erstmals im Nationalsozialismus publiziert wurde, ist er in besonderem Maße in seinem historischen Kontext zu betrachten. Mehr erfahren Sie .

Durch die zunehmende Digitalisierung und kommunikative Vernetzung gesellschaftlicher Prozesse werden auch Fragen nach Überwachungstechnologien und Abhörszenarien akut. Intelligente Systeme, wie Smartdevices oder virtuelle Sprachassistenten, erzeugen riesige Datenmengen und erlauben somit hermeneutische Kurzschlüsse zwischen Big Brother und Big Data. Für den Sammelband ist daher der Begriff Acoustic Intelligence leitgebend, der einen Bedeutungshorizont von militärischem Informationsgewinn und überwachendem Hören im Zusammenhang von Kunst und Gesellschaft eröffnet. Hieraus folgen zum einen Perspektivierungen, die das Ohrenmerk auf die Herausbildung akustischer Überwachungs- und Reglementierungsprozesse legen. Zum anderen rücken bei einem weiteren Verständnis von Acoustic Intelligence auch maschinelle agencies in den Fokus, beispielsweise in Form selbstlernender Algorithmen und künstlicher Intelligenzen. Für den Band stellen sich somit Fragen nach Hörregimen, -techniken und Dispositiven, wie auch nach der Autonomie von Kompositions- und Hörgeräten im Kontext elektronischer und digitaler Medien. Dabei bewegen sich die Untersuchungsfelder und akustischen Phänomene stets in einem semantischen Spannungsfeld zwischen Hören und Gehorchen.

Walther Lipphardt hat bei der Entdeckung (1965) der Augsburger Handschrift von Adam Reißners schwenckfeldischem Gesangbuch den außerordentlichen Wert dieses ältesten und autornächsten Überlieferungszeugen (1554) für die Hymnologie erkannt. Um diese melodie- und textgeschichtliche Zimelie allgemein zugänglich zu machen, entschloß sich die UB Augsburg zu einer Faksimilierung. Im Kommentar zu den 64 Liedern werden erstmals die Melodien dieses Gesangbuchs ediert und in die Liedtradition (u.a. Mittelalter, Tenorlied, Böhmische Brüder) eingeordnet. Damit wird die Erforschung des einstimmigen geistlichen Liedes im 16. Jahrhundert (und darüber hinaus) auf eine neue Materialgrundlage gestellt. Anhand von Parallelkorpora und Einzelüberlieferungen verfolgt der Kommentar zudem die Text- und Melodierezeption der 64 Lieder bis ins 18. Jahrhundert. Neben einer Typologie der Liedtexte und Liedquellen bemüht sich die Kommentierung um eine Verortung der geistlichen Lieder im zeitgenössischen und theologischen Kontext. Dazu dienen einleitende Kapitel zu Adam Reißner und zur schwenckfeldischen Theologie.

Beethoven cast a looming shadow over the nineteenth century. For composers he was a model both to emulate and to overcome. "You have no idea how it feels," Brahms confided, "when one always hears such a giant marching behind one." Exploring the response of five composers--Berlioz, Mendelssohn, Schumann, Brahms, and Mahler--to what each clearly saw as the challenge of Beethoven's symphonies, Evan Bonds richly enhances our understanding of the evolution of the symphony and Beethoven's legacy.

Overt borrowings from Beethoven--for example, the lyrical theme in the Finale of Brahms' First Symphony, so like the "Ode to Joy" theme in Beethoven's Ninth--have often been the subject of criticism. Bonds now shows us how composers imitate or allude to a Beethoven theme or compositional strategy precisely in order to turn away from it, creating a new musical solution. Berlioz's Harold en Italie, Mendelssohn's Lobgesang, Schumann's Fourth Symphony, Brahms' First, and Mahler's Fourth serve as illuminating examples. Discussion focuses on such core issues as Beethoven's innovations in formal design, the role of text and voice, fusion of diverse genres, cyclical coherence of movements, and the function of the symphonic finale.

Bonds lucidly argues that the great symphonists of the nineteenth century cleared creative space for themselves by both confronting and deviating from the practices of their potentially overpowering precursor. His analysis places familiar masterpieces in a new light.

Die Studie widmet sich dem Musiktheater, welches mit seiner Formenvielfalt das Theater im deutschen Sprachraum zwischen 1680 und 1740 beherrschte. Den Schwerpunkt der Untersuchung bilden dabei die Bühnen in Hamburg, Braunschweig, Weißenfels und Leipzig, die in den europäischen Kontext des Musiktheaters gestellt werden. Zunächst wird am Beispiel früher Rezensionen und musiktheoretischer Schriften sowie der pietistischen und der rationalistischen Opernkritik die Art des Sprechens über das Musiktheater dargestellt. In den zeitgenössischen Diskursen ergaben sich im Zusammenhang mit der auf die Sinne ausgerichteten Wirkungsabsicht des Musiktheaters Probleme, die im Mittelpunkt der Untersuchung stehen. Das Zusammen- und Gegeneinanderwirken der Künste und der durch sie angesprochenen Sinne wird vor allem an Prologen untersucht, die den Wettstreit der Künste thematisieren, sowie an »Antiochus und Stratonica«-Opern, die die Differenzen verbaler und nonverbaler Zeichensysteme einsetzen. Der Funktionswandel des Geschmackssinns wird anhand der Essensthematik verfolgt, die Wandlungen des Tastsinnes an den verschiedenen Liebeskonzeptionen in den Opern. Die politische Dimension von Sinnlichkeit zeigt sich in der Verbindung zwischen Oper und Zeremoniell, wobei das Musiktheater, wie am Beispiel Weißenfels' erkennbar, als Zeremoniellsimulator fungiert.

This volume includes all of the Latin Easter ceremonies transmitted from the Middle Ages and the Early Modern era together with melodies that are currently known to researchers. The compendium offers a unified approach to both melody and text. It includes a total of 375 ceremonies from the 10th through the 17th centuries (and a few more recent offshoots) that originate from many parts of Europe. Each ceremony is individually edited together with a systematic commentary. Frequently, the editing has involved extensive corrections to the findings from earlier research. The findings in the individual commentaries are summarized in extensive surveys on both melody and text tradition. While the editorial research confirms the accepted typology of the ceremonies (Lange, Young, de Boor), the diversity of the findings demonstrates the need to make extensive differentiations within this basic typology. This work is sure to become a fundamental resource for research on Latin Easter ceremonies as well as the melodies from vernacular Easter and Passion plays.

Die im musikbezogenen Schrifttum des Mittelalters immer wieder begegnenden Gemeinschaftsbegriffe mit regionaler Komponente sind bislang nie einer eingehenderen Forschung unterzogen worden. Dabei vermögen sie nicht nur das Bild von der mittelalterlichen Musik um geografische, politische und kulturgeschichtliche Facetten zu bereichern, sondern erschließen auch der geschichtswissenschaftlichen Forschung ein bislang nicht ausgewertetes Quellenkorpus für die Interpretation mittelalterlicher Gemeinschaftsbegriffe. Der vorliegende Band versammelt die Beiträge einer interdisziplinären Tagung, die sich darum bemühte, diese Lücke in einer ersten Annäherung zu schließen. Sie konzentrieren sich auf drei zentrale Begriffsfelder: Franci und Galli, Alemanni, Germani und Teutonici sowie Itali, Langobardi und Lombardi. Die Beiträge gehen in einer interdisziplinären Diskussion zwischen Musik-, Geschichts- und Sprachwissenschaft der Funktion dieser Begriffe nach, ihrem Zusammenhang mit regionalen Strukturen sowie gemeinschaftsbezogenen Identitäten. Die auf musiktheoretische Quellen gerichteten Beiträge werden durch Beiträge ergänzt, die auf übergeordnete historische Fragen gerichtet sind.

Die Jahre um 1700 sind durch einen bedeutenden Aufschwung der Kantatenproduktion insbesondere im deutschsprachigen Raum gekennzeichnet. Innerhalb weniger Jahre setzt sich die Kantate italienischen Stils mit ihrem typischen Wechsel von Da-capo-Arie und Rezitativ nicht nur als musikalische Form durch. Sie beherrscht auch einen Teil der Poetik und findet Aufnahme in eine Reihe sozialer Handlungsfelder, vom höfischen Zeremoniell bis zum protestantischen Gottesdienst. Offenbar war die Kantate gerade durch ihre kombinatorische Struktur, ihre musikalische Variationsbreite sowie ihre Affektsättigung geeignet, in unterschiedlichsten Kontexten und Funktionen als Katalysator zu wirken: als ein musikalisch-literarisches Modell, das bei gleichbleibender Grundstruktur und variabler Anwendbarkeit funktionale und semantische Wandlungen in besonderem Maße befördern und beschleunigen konnte. Die Kantatenform erweist sich so als wesentliches Dynamisierungsmoment bei den ästhetischen wie kulturellen Transformationen in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, die wir heute unter der Signatur „Frühaufklärung" zusammenfassen.

Das Libretto ist die vielleicht letzte terra incognita der Literaturwissenschaft. Doch einmal vom Status einer randständigen Gattung entkleidet, offenbart es seine ästhetischen Qualitäten, intertextuellen Bezüge und weitreichende Bedeutung innerhalb der deutschen und europäischen Literatur und ihrer Debatten.
Die ,Librettologie‘ präsentiert das Libretto als eigenständiges Kunstwerk und verdeutlicht zugleich seine Ausrichtung auf die transmediale Gattung Oper.
Als Musik- und Lesetext schließt der ‚Alceste‘-Stoff mit sieben deutschen, französischen und italienischen Libretto-Bearbeitungen (u. a. von v. König, Quinault, Calzabigi/du Roullet) die großen Barockromane ‚Aramena‘, ,Römische Octavia‘ und ‚Asiatische Banise‘ mit der französischen ‚Querelle‘ zusammen und leitet mit seinen Vertonungen (u. a. durch Schürmann, Lully, Gluck) hin auf eine ausführliche Analyse von C. M. Wieland und Anton Schweitzers ‚Alceste‘, in der sich die Tendenzen des 17. und 18. Jahrhunderts exemplarisch bündeln lassen.
Die Studie liefert eine ausführliche historische wie methodische Einführung, die sie als Einstieg für den musikologisch nicht vorgebildeten Leser nutzbar macht und zugleich an den aktuellen Stand der Forschung anschließt.

Dieser Titel aus dem De Gruyter-Verlagsarchiv ist digitalisiert worden, um ihn der wissenschaftlichen Forschung zugänglich zu machen. Da der Titel erstmals im Nationalsozialismus publiziert wurde, ist er in besonderem Maße in seinem historischen Kontext zu betrachten. Mehr erfahren Sie hier.

Franz Lehár (1870-1948), der innerhalb seiner Lebensgrenzen am meistenaufgeführte Komponist aller Zeiten, stellt als scheinbarer Anachronismusnoch immer ein unbewältigtes Kapitel der Musikgeschichte dar. Als Komponistan der Schwelle zur Massenkultur gewinnt er gerade im Kontrast zurradikalen Moderne Bedeutung. Zerfällt Musik bereits zu Beginn seinerLaufbahn in zwei Sphären (U- und E-Musik), versucht Lehár zwischen beidenzu vermitteln. Noch im berüchtigten Spätwerk der zwanziger Jahre behaupteter jene Mitte, deren Verlust die Geschichte des Jahrhunderts so nachhaltigprägte. Die kultursoziologische Dimension der Operette Lehárs als negativesPhänomen der Moderne erschließt sich bei näherer Analyse des Oeuvres.Anhand exemplarischer Werke der früheren Salon- (z.B. "Die Lustige Witwe")sowie der späteren Lyrischen Operette (z.B. "Das Land des Lächelns"), vorallem aber des "Graf von Luxemburg", läßt sich die Entwicklung vonMusikdramaturgie, Rezeption und Sujet und ihre gegenseitige Durchdringungnachvollziehen. Nicht ihre ästhetische Bewertung steht zur Debatte, sondernihr historischer Gehalt. Ist, nach Adorno, "die leichte Kunst dasgesellschaftlich schlechte Gewissen der ernsten", so wäre Lehárs Operetteals ästhetisch schlechtes Gewissen der leichten Musik ernstgenommen, fürWissenschaft und Bühne neu zu entdecken.

Der vorliegende Band bildet den vierteiligen Apparat zu dem in den Bänden I/1 und I/2 edierten Text des Geist=reichen Gesang=Buches (Halle, vierte Ausgabe 1708) von Johann Anastasius Freylinghausen. Den weitaus meisten Raum nimmt darin der Teil II ein, der zu jedem der 758 Lieder der Sammlung einen Artikel bietet, in dem jeweils Autor und Quelle von Text und ggf. Melodie angegeben sowie ggf. editorische Eingriffe und Varianten des musikalischen Satzes verzeichnet sind. Teil I ist der Titelei und den Registern gewidmet, und ein Text- und ein Notenanhang erscheinen als Teil III und IV. Am Anfang des Bandes steht eine Bibliographie, die erstmals alle Ausgaben des Freylinghausenschen Gesangbuches erfasst und so einen Überblick über das vielschichtige Gesamtwerk gewährt, gefolgt von einem Siglenverzeichnis und dem Editorischen Bericht.

Elvis, David Bowie, Alice Cooper, Marilyn Manson, Frank Zappa, Madonna: Die Geschichte der Popmusik ist immer auch eine Geschichte der Bühnenshows. Das Pop-Konzert als para-theatrale Form erarbeitet als erste Veröffentlichung eine Grundlage zum Verständnis dieser lang vernachlässigten Form des Theatralen. Grundlegend untersucht werden die verschiedenen Bühnenräume des Pop, Gestik und Proxemik, der performative Gehalt der Stimme und die Formen der Interaktion mit dem Publikum. Anhand der Analyse ausgewählter Bühnenshows wird eine Typologie der wichtigsten Figuren der Pop-Bühne erstellt. Hierbei werden nicht nur historische Entwicklungen deutlich, sondern auch ästhetisch singuläre, für die Pop-Geschichte wichtige Künstler vorgestellt. Ein eigenes Kapitel beschäftigt sich mit Pop-Künstlerinnen und spezifischen Entwürfen weiblicher Rollen. Am Beispiel der Rock-Oper wird deutlich, wie die Umsetzung dramatischer Makrostrukturen im Rahmen eines Pop-Konzertes funktioniert. Fachpublikum wird ein systematischer Einblick in einen wissenschaftlich kaum erschlossenen Bereich gegeben. Kulturjournalisten finden hier Orientierungshilfen und Inspiration für die tägliche Rezensionsarbeit.

Touch is a fundamental element of dance. The (time) forms and contact zones of touch are means of expression both of self-reflexivity and the interaction of the dancers. Liberties and limits, creative possibilities and taboos of touch convey insights into the ‘aisthesis’ of the different forms of dance: into their dynamics and communicative structure, as well as into the production and regulation of affects.
Touching and Being Touched assembles seventeen interdisciplinary papers focusing on the question of how forms and practices of touch are connected with the evocation of feelings. Are these feelings evoked in different ways in tango, Contact improvisation, European and Japanese contemporary dance? The contributors to this volume (dance, literature, and film scholars as well as philosophers and neuroscientists) provide in-depth discussions of the modes of transfer between touch and being touched. Drawing on the assumptions of various theories of body, emotion, and senses, how can we interpret the processes of tactile touch and of being touched emotionally? Is there a specific spectrum of emotions activated during these processes (within both the spectator and the dancer)? How can the relationship of movement, touch, and emotion be analyzed in relation to kinesthesia and empathy?

1778 berichtete Mozart in Briefen aus Paris, dass er eine Sinfonie-Concertante für vier solistische Blasinstrumente und Orchester komponiert habe, deren Aufführung durch eine Intrige nicht stattfinden konnte. Dieses Werk galt als verschollen, bis im Nachlass des bedeutenden Mozart-Biografen Otto Jahn die Partiturabschrift einer anonymen Sinfonie-Concertante gefunden wurde. Bis heute wird dieses Werk als Mozarts verschollene Pariser Komposition aufgeführt, ohne dass dessen Herkunft und Authentizität je aufgeklärt werden konnten.

Die vorliegende Untersuchung greift die Frage nach der Urheberschaft neu auf. Bereits zuvor wurden Zweifel an Mozarts Autorschaft erkennbar, ohne dass sie jedoch belegt werden konnten. Staehelin gelingt es diese Forschungslücke zu füllen und damit ein Geheimnis der Musikgeschichte zu lüften. Er zieht bisher unbekannte quellenkundliche Dokumente heran und analysiert die erheblichen stilistischen Seltsamkeiten des Stückes. Das Ergebnis dieser in Breite durchgeführten Untersuchungen stellt die Echtheit des Werkes grundlegend in Frage.

The volume focuses on music during the process of European integration since the Second World War. Often music in Europe is defined by its relation to the concept of Occidentalism (Musik im Abendland; western music). The emphasis here turns rather to recent manifestations of its evolvement in ensembles, events, musical organisations and ideas; questions of unity and diversity from Bergen to Tel Aviv, from Lisbon to Baku; and deals with the tension between local, regional and national music within the larger confluence of European music. The status of classical and avante-garde music, and to a degree rock and pop, during Europe's development the past sixty years are also reviewed within the context of eurocentrism – the domination of European music within world music, a term propagated by anthropologists and ethnomusicologists several decades ago and based on multiculturalism. Conversely, the search for a musical European identity and the ways in which this search has in turn been influenced by multiculturalism is an ongoing, dynamic process.

This book considers the story of Nero and Octavia, as told in the pseudo-Senecan Octavia and the works of ancient historiographers, and its reception in (early) modern opera and some related examples of other performative genres. In total the study assembles more than 30 performative texts (including 22 librettos), ranging chronologically from L'incoronazione di Poppea in 1642/43 until the early 20th century, and provides detailed information on all of them. In a close examination of the libretto (and dramatic) texts, the study shows the impact and development of this fascinating story from the beginnings of historical opera onwards. The volume demonstrates the various transformations of the characters of Nero and his wives and of the depiction of their relationship over the centuries, and it looks at the tension between “historical” elements and genre conventions. The book is therefore of relevance to literary scholars as well as to readers interested in the evolution of Nero’s image in present-day media.

Perfect Harmony and Melting Strains assembles interdisciplinary essays investigating concepts of harmony during a transitional period, in which the Pythagorean notion of a harmoniously ordered cosmos competed with and was transformed by new theories about sound - and new ways of conceptualizing the world. From the perspectives of philosophy, literary scholarship, and musicology, the contributions consider music's ambivalent position between mathematical abstraction and sensibility, between the metaphysics of harmony and the physics of sound. Essays examine the late medieval and early modern history of ideas concerning the nature of music and cosmic harmony, and trace their transformations in early modern musico-literary discourses. Within this framework, essays further offer original readings of important philosophical, literary, and musicological works. This interdisciplinary volume brings into focus the transformation of a predominant Renaissance worldview and of music's scientific, theological, literary, as well as cultural conceptions and functions in the early modern period, and will be of interest to scholars of the classics, philosophy, musicology, as well as literary and cultural studies.

In diesem Band wird erstmals das reichhaltige musikwissenschaftliche Editionswesen in historisch-systematischer Perspektive vorgestellt, das in Deutschland vor allem von den renommierten Musiker-Gesamtausgaben geprägt wird. Der Band vereint in chronologischer Folge geschichtliche Abrisse der editorischen Entwicklung zahlreicher Komponisten-Ausgaben von Notre-Dame bis Hanns Eisler und bietet damit nicht nur Einblicke in die jeweiligen Editionsprinzipien, sondern arbeitet darüber hinaus auch allgemein die Geschichte der Musikedition im jeweiligen historischen Kontext auf. Damit erfüllt der Band ein vielfach beklagtes Desiderat sowohl in der musik-, als auch in der editionswissenschaftlichen Forschungslandschaft. Als Autoren konnten führende Persönlichkeiten aus den einschlägigen Editionsinstituten gewonnen werden.

Das Musikschrifttum des Mittelalters ist reich an Begriffen, die sich auf ‚gentes‘ oder ‚nationes‘ wie Itali, Suevi oder Angli beziehen und die Musik bestimmter kultureller Kontexte kritisieren, loben oder einfach beschreiben. Solche Textstellen sind zum einen aufschlussreich für die Tiefen- oder Vorgeschichte des musikalischen Nationalismus, zum anderen liefern sie wertvolle Hinweise auf die geografisch-politische Binnenstruktur der mittelalterlichen Musik, deren regionale Komponenten häufig unterbelichtet blieben. Doch die jeweilige Bedeutung der Nationes- und Gentes-Begriffe ist wegen der starken Interdisziplinarität der Fragestellung bislang nie systematisch untersucht worden. Das vorliegende Buch, das die Ergebnisse eines von der DFG geförderten Forschungsprojektes zusammenfasst, hat sich zum Ziel gesetzt, diese Bedeutung für sämtliche Belege des Musikschrifttums zwischen 800 und 1400, soweit möglich, freizulegen und dabei auch jeweils der Frage nachzugehen, ob, und wenn ja welche, konkrete realhistorische - musikalische oder politische - Anbindung die Verwendung der Gemeinschaftsbegriffe besaß. Dass eine solche Anbindung besteht, ließ sich sogar in mehr Fällen plausibel machen, als zunächst vermutet wurde.

Durch den musikhistorischen Umbruch der zweieinhalb Jahrzehnte nach 1760 ist eine 'Epoche' bezeichnet, die gewissermaßen einen Januskopf der musikwissenschaftlichen Forschung darstellt. Einerseits ist sie oft diskutiert, andererseits aber im Blickwinkel einer idealistischen Teleologie autonomer Musikgeschichtsschreibung gern als 'Durchgangsstadium' marginalisiert und mit einer wenig hilfreichen Nomenklatur belegt worden (Sturm und Drang, Vorklassik). Vor diesem Hintergrund stellt das Buch den (auch methodisch ungewöhnlichen) Versuch einer grundlegenden Konzeptualisierung unter dem Begriff des 'Monologischen', also jenseits geläufiger terminologischer Raster dar. Dabei sollen vor allem Ergebnisse der literar- und ästhetikgeschichtlichen Forschung unmittelbar musikhistorisch nutzbar gemacht werden, um umgekehrt den musikhistorischen Wandel dezidiert in ein kulturgeschichtliches Panorama der Epoche einbinden zu können. In dem auf die nord- und mitteldeutsche Situation konzentrierten Aufriß geht es darum, die veränderten sozialhistorischen Bedingungen zu beschreiben sowie die zentralen neuen ästhetischen Paradigmen zu definieren. Ausgehend davon wird, dies ist eines der wichtigsten Anliegen des Buches, in einzelnen gattungsbezogenen Analysen (etwa von Werken G.Ph. Telemanns, C.P.E. Bachs, J.H. Rolles oder Chr.W. Glucks) eine direkte Verbindung zur Kompositionsgeschichte gezogen. Eine Vielzahl bisher unbekannter Quellen konnte erstmals ausgewertet werden.

Die Edition musiktheatraler Texte gehört zweifellos zu den schwierigeren Aufgaben im Bereich des musikalischen Editionswesens. Dass heute immer noch Grundsatzfragen verhandelt werden, ist ein deutliches Indiz für ein fortbestehendes Forschungsdesiderat, das bereits in den 1980er Jahren von der neuen Disziplin der „Librettologia“ formuliert wurde und die das Bewusstsein für diese Textsorte geschärft hat. Vor diesem Hintergrund versuchte das interdisziplinäre Symposium (2012), dessen Bericht hier vorliegt, eine Art Bestandsaufnahme der verschiedenen methodologischen Ansätze in Literatur- und Musikwissenschaft, aber auch angesichts nationaler Prägungen des editorischen Umgangs mit musiktheatralen Texten. Entsprechend breit ist das Spektrum der behandelten Operntexte vom 17. bis ins 20. Jahrhundert. Besonderes Augenmerk liegt einerseits auf dem Ineinandergreifen von Dialog, Gesang, Tanz und Bühne, andererseits auf dem Nebeneinander editorischer Darstellungsmedien von der konventionellen Buchform über hybride bis hin zu rein digitalen Präsentationsformen. Insofern ist das Buch sowohl für traditionell operierende Editionsphilologen wie auch für Vertreter der Digital Humanities von Interesse.

Das deutsche "Barocklied" unterscheidet sich vom "Volkslied" durch den unverzichtbaren Generalbaß und durch die speziellen Ansprüche von Text- und Melodieverfassern, die den ungeregelten Gebrauch ihrer Arbeiten verabscheuten. Außerdem verlief das neue weltliche und geistliche Lied keineswegs immer einstimmig. Das ad libitum-Verfahren erlaubte wechselnde Satzdichten. Die "Canzonette" steht als Strophenmadrigal gewissermaßen "rechts" am Rande des Liedbereichs, der "Thon" oder die anonyme Modellweise "links". Dazwischen erstreckte sich eine Fülle von Formen und Stilen. Der derbe Lebensvollzug, dem die Volkskunde nachgeht, wird durch subtilere Aufgaben in Romanen, Dramen und Festspielen ergänzt. Martin Opitz schuf die literarischen Muster. Doch die kompositorische Umsetzung erwies sich als schwierig, denn die eine Musikstrophe kann den gedanklichen Fortgang der Textstrophen nicht mitvollziehen. Das italienische Verfahren der "Durchkomposition" mittels beibehaltenem Baßmodell widersprach der deutschen Liedtradition und den neueren westlichen Einflüssen. Aus den ungezählten Autoren der Gelegenheitskunst ragen die Organisatoren und Poeten Johann Rist und Philipp von Zesen heraus. Aber überall stößt die Systematik angesichts der deklamatorischen Möglichkeiten der "Monodie", der begleitenden oder gliedernden Melodieinstrumente und der Gebote des Kontrapunkts an Barrieren. Der Ausweg heißt: "Eingrenzung und Einzelanalyse".

Obwohl die Forschung Jacques Offenbach (1819-1880) für sich neu entdeckt hat, wird sein Theater primär durch die Soziologenbrille Siegfried Kracauers wahrgenommen, wenn nicht gar indoktriniert. Die Vorstellung von Gesellschaftskritik in Form von "Parodie" und "Satire" dominiert seither die Rezeption, die in der deutschsprachigen Theaterpraxis zudem durch die Übersetzungsproblematik wie durch die gängige Überzeugung belastet ist, Offenbachs Stücke bearbeiten zu müssen. Dabei sind viele Texte besser als ihr Ruf. Um sie angemessener verstehen und historisch gewichten zu lernen, waren Ort und Zeit ihrer Entstehung neu zu befragen - eine Zeit, welche ein jahrhundertumspannender, Politik, Kirche, literarisches Leben und Öffentlichkeit permanent erregender Moraldiskurs prägt. Die in ein veritables Moral(isierungs)theater mündende Sittenkomödie ist ihr theatraler Beitrag, der in Alexandre Dumas fils, dem Propagandisten eines "nützlichen Theaters", seinen hervorragensten Repräsentanten gefunden hat. Daß Dumas fils und Offenbach nicht nur auf privater, sondern auch auf ideeller Ebene mehr verband als bisher vermutet, soll mit paradigmatischen Stücken belegt werden. Fünf frühe Einakter sind ausgewählt, auf die moralische Disposition im Offenbachschen Schaffen aufmerksam zu machen. Den Kern der Untersuchung bildet jedoch die Zusammenschau von fünf großen Werken, opéras bouffes von »Orphée« bis »Barbe-Bleue«, mit denen auf seiten einer fortschrittlichen Moral und konzeptionell progredierend in den Moraldiskurs eingegriffen wird.

Walter Felsenstein (1901-1975) war neben Wieland Wagner der bedeutendste Opernregisseur der frühen Nachkriegszeit. Die dramaturgische Vorbereitung seiner Inszenierungen an der Berliner Komischen Oper ist bis heute vorbildhaft geblieben. Das Ideal einer Einheit der Handlung und ihrer strenge Kausalität, die Suche nach einer Vorgeschichte und die realistische Beglaubigung der Musik innerhalb der Bühnenhandlung ist seinen Regiearbeiten ebenso gemeinsam wie ein Verständnis der dramatischen Charaktere als frei handelnde, autonome Individuen. Der Regisseur mobilisierte alle Wirkungsmittel der Bühne, um das Opernrepertoire dem vom Bildungsbürgertum und den Ideologen des sozialistischen Realismus gleichermaßen verabsolutierten "Drama der geschlossenen Form" anzunähern. Felsensteins Inszenierungen verzichteten auf Experimente und Kritik an dem "kulturellen Erbe", an das der Sozialismus in der DDR anzuknüpfen gedachte. Felsensteins Sarastro ("Die Zauberflöte") ist wie die Titelfigur seiner Inszenierung von Offenbachs "Hoffmanns Erzählungen" ein aktiv handelndes Individuum, das analog zum "positiven Helden" seine historische Mission erkennt. Felsenstein machte ein künstlerisch perfektioniertes Theater, das indirekt eine politische Funktion wahrnahm und so zum Aushängeschild der DDR-Kulturpolitik werden konnte. Anhand exemplarischer Inszenierungen und mit Hilfe erhaltener Regiebücher, Bearbeitungen, Notate oder Szenarien rekonstruiert dieses Buch Felsensteins von inneren Widersprüchen nicht freies Theaterkonzept seines "realistischen Musiktheaters".

Die Opern-Diskographie von Karsten Steiger ist das Standardwerk im Bereich der Audio- und Video-Gesamtaufnahmen. Die zweite Ausgabe – mit mehr als verdoppeltem Umfang – verzeichnet alle Operneinspielungen, die seit den ersten Gesamtaufnahmen zu Anfang des 20. Jahrhunderts bis heute unter einem Label erschienen sind. Geordnet nach Komponisten und dem Datum der Uraufführung werden über 12.500 Gesamtaufnahmen mit weiteren diskographischen Angaben erschlossen. Register zu Opern, Dirigenten und Sängern bieten Zugang zu mehr als 2.100 Werken und beinahe 20.000 Personen.

Pluspunkte:

• umfangreichstes Verzeichnis von Opern-Gesamtaufnahmen
• 12.500 Gesamtaufnahmen von über 2.100 Werken
• Opern-, Dirigenten- und Sängerregister bieten Zugang zu mehr als 2100 Werken und beinahe 20.000 Personen
• mehr als verdoppelter Umfang gegenüber der Ausgabe von 1999

The music reviews of Robert Schumann and Richard Wagner are central documents of 19th-century German musical culture. This book takes a closer look at the way these texts were written and explores the significant contributions Schumann and Wagner made to the discourse of musical appraisal. To that effect, the author raises fundamental questions that have thus far remained unaddressed: What textual features characterize the critical writings? How do Schumann and Wagner understand their roles as critics of music? And in what way do they reach out to the reader?

Rather than understanding these critical writings exclusively as a gateway to the compositions and musical aesthetics of Schumann and Wagner, this book analyzes the texts through the lens of pragmatics, narratology and discourse analysis. Using this interdisciplinary perspective, the author proposes to understand Schumann and Wagner within the broader medial and discursive context of German ‘Kritik’. He challenges the dominant narrative that brands Schumann and Wagner as elitist Romantic critics, demonstrating instead that they actively encourage their readers to form their own judgements. This volume is an indispensable resource for scholars of German literature, periodicals and music alike.

Nostalgiefilter aus, Forschungsbrille auf: Wenn Fans zu Forschenden werden, sind Grenzüberschreitungen inklusive. Citizen Science ermöglicht diesen Seiten- und Perspektivwechsel, der sowohl in der Wissenschaft als auch in der Bürger:innenschaft zu einem produktiven Wissens- und Erfahrungsaustausch führt.

Unter dem Titel #KultOrtDUS arbeiten Medien- und Kulturwissenschaftler der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf gemeinsam mit Bürger:innen an dem Aufbau eines Archivs der Medienkulturgeschichte Düsseldorfs. Düsseldorf als Zentrum von Punkmusik, New Wave und Aktionskunst fungiert dabei als urbanen Forschungsfeld, auf dem die Disziplin der „Citizen Science" wissenschaftspraktisch ausprobiert wird.

Die Publikation fasst erste Ergebnisse dieses Forschungsprojekts zusammen, indem sie sich auf die Spurensuche zwischen Fans, Prosumer:innen, Bürger:innen und Urban Legends begibt und Perspektiven der Citizen Science- an die Fanforschung anknüpft. Den wissenschaftlichen Meta-Diskurs begleitet ein illustrativ-experimenteller Ansatz, der das kreative Potenzial aus der Forschung im Umfeld von Citizen Science sichtbar macht.

Nachdem das aus dem Musikfernsehen bekannte Musikvideo inzwischen eine fast vierzig Jahre dauernde Geschichte vorweist, ist eine zentrale Frage, ob es immer noch gewinnbringend als Produkt einer "Kulturindustrie" lesbar ist. Dieser Band erprobt einen neuen interpretativen Ansatz, der Musikvideos als Produkte eines hybridisierenden, intermedialen und Genregrenzen überschreitenden Diskurses begreift.

Während das Musikvideo eine spezifische audiovisuelle Form darstellt, die im Kontext des Musikfernsehens der 1980er erprobt, raffiniert und kommerzialisiert wurde, liegen seine Wurzeln in den audiovisuellen Experimenten von Avantgarde-Künstler*innen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts und transportierte damit immer auch ein ästhetisch subversives Moment.

Dieses Moment kommt in seiner Fähigkeit zum Ausdruck, sich in bestehende Diskurse einzuklinken, diese zu ästhetisieren und umzudeuten. Das Musikvideo ist zum einen an einer popkulturellen Umdeutung des Alltags beteiligt, zum anderen kommen in ihm häufig wieder Bezüge zu künstlerischen und avantgardistischen Produktionsweisen zum Vorschein, die dadurch popularisiert werden. Diese bisher wenig erforschte Perspektive auf das Musikvideo soll in diesem Band untersucht werden.     

Musikfilme und die Präsentation von Musik im bewegten Bild haben eine lange Tradition in der Filmgeschichte. Sie reichen zurück bis in die Frühzeit des (Stumm-)Films, der bereits musikalische Darbietungen und Auftritte bebilderte und in Narrationen einwebte. Etwa in Filmmusicals, Soundies oder avantgardistischen Klang-Bildspielen werden spätere Entwicklungen für populäre Musikfilme und Musikvideos vorweggenommen. Ob, inwieweit und in welcher Form in diesen frühen Film- und Bewegtbildern mit und über Musik Jugendlichkeit und Jungsein bereits als Bezugsrahmen auftaucht, ist eine zu klärende Frage des vorliegenden Sammelbandes. Musikfilme weisen inhaltlich wie ästhetisch eine große Bandbreite auf, die sich im historischen Verlauf parallel zur Entwicklung von Jugend- und Musikkulturen ausdifferenziert hat. Der Sammelband möchte vor dem Hintergrund dieser und anderer Entwicklungen in der audiovisuellen Darstellung und Erzählung im Spannungsfeld von Musik, Film und Jugend eine Bestandsaufnahme aktueller Forschungsfragen aufarbeiten.

Innerhalb einer akustisch konfigurierten Architektur sind Audiotechnologien im Tonstudio zu einem komplexen Medienverbund verschaltet und bilden die apparative Struktur eines sound-ästhetischen Dispositivs. Maßgeblich in der Popkultur hat sich hier eine Fetischisierung des Soundmaterials und damit gleichzeitig auch der Apparate selbst entwickelt. Ästhetische Idealvorstellungen richten sich so auf ein (sonisches) Objektbegehren, das in Verbindung mit der Raumlogik der Produktionsorte oft eine eigene Semantik erzeugt. Ziel dieser Untersuchung ist es daher, das Tonstudio als einen durch die Struktur des Mediendispositivs bedingten Aktionsraum und Repräsentation einer klangkulturellen Ordnung zu verstehen. Dabei wird speziell nach Räumen gefragt, die das Studio als Tonfabrik und damit auch etablierte Machtarchitektur zu überwinden versuchen. Daran lässt sich eine zunehmende Demokratisierung erkennen, die mit der Eroberung des Produktionsraums und der Selbstermächtigung über den Sound des eigenen Werkes durch den Musiker zusammenfällt. Dementsprechend löst sich die Architektur des Tonstudios von einer Ästhetik der Industriegesellschaft ab und erscheint nunmehr im Zeichen einer durch Flexibilität markierten neoliberalen Ökonomisierung.

Dieser Titel aus dem De Gruyter-Verlagsarchiv ist digitalisiert worden, um ihn der wissenschaftlichen Forschung zugänglich zu machen. Da der Titel erstmals im Nationalsozialismus publiziert wurde, ist er in besonderem Maße in seinem historischen Kontext zu betrachten. Mehr erfahren Sie hier.

Dieser Titel aus dem De Gruyter-Verlagsarchiv ist digitalisiert worden, um ihn der wissenschaftlichen Forschung zugänglich zu machen. Da der Titel erstmals im Nationalsozialismus publiziert wurde, ist er in besonderem Maße in seinem historischen Kontext zu betrachten. Mehr erfahren Sie hier.

Kirchen-, musik- und literaturgeschichtlich sind die »Hallischen« Lieder bzw. Melodien des »Geist=reichen Gesang=Buches« (erstmals Halle 1704) noch heute ein Begriff. Nach dem Herausgeber das »Freylinghausensche Gesangbuch« oder kurz der »Freylinghausen« genannt, wurde diese zweiteilige Anthologie mit ihren zahlreichen Einzelausgaben sowie ihrem oft aufgelegten »Auszug« aus beiden Teilen (zuerst 1718) und ihren beiden Gesamtausgaben (1741 und 1771) zur einflussreichsten Liedsammlung des Pietismus, auf die noch eine ganze Reihe von Texten und Melodien in Gesangbüchern unserer Zeit zurückgeht. Dieses heute schwer zugängliche Schlüsselwerk frühneuzeitlicher evangelischer Gesangbuchliteratur soll mit der geplanten, hier mit dem ersten Band vorgelegten Edition sowohl der hymnologisch-kirchengeschichtlichen wie der musikwissenschaftlich-philologischen Forschung und Lehre als auch der kirchenmusikalischen Ausbildung und Praxis verfügbar gemacht werden.

Our modern narratives of science and technology can only go so far in teaching us about the death that we must all finally face. Can an act of the imagination, in the form of opera, take us the rest of the way? Might opera, an art form steeped in death, teach us how to die, as this provocative work suggests? In Opera: The Art of Dying a physician and a literary theorist bring together scientific and humanistic perspectives on the lessons on living and dying that this extravagant and seemingly artificial art imparts.

Contrasting the experience of mortality in opera to that in tragedy, the Hutcheons find a more apt analogy in the medieval custom of contemplatio mortis--a dramatized exercise in imagining one's own death that prepared one for the inevitable end and helped one enjoy the life that remained. From the perspective of a contemporary audience, they explore concepts of mortality embodied in both the common and the more obscure operatic repertoire: the terror of death (in Poulenc's Dialogues of the Carmelites); the longing for death (in Wagner's Tristan and Isolde); preparation for the good death (in Wagner's Ring of the Nibelung); and suicide (in Puccini's Madama Butterfly). In works by Janacek, Ullmann, Berg, and Britten, among others, the Hutcheons examine how death is made to feel logical and even right morally, psychologically, and artistically--how, in the art of opera, we rehearse death in order to give life meaning.

Obwohl es „die Zeit" nicht gibt, ordnet sich doch alles, was wir erleben, zeitlich. Auch die großen Schlagworte unserer Tage betreffen allesamt von zeitlichen Herausforderungen: Nachhaltigkeit, Resilienz, Transformation, Zeitenwende.

Dieses Buch handelt davon, was Zeitliches ausmacht, warum sich die Wirklichkeit zeitlich ordnet und was das mit der wechselseitigen Taktung von Ereignissen und Autonomieerfahrungen zu tun hat. Es werden Missverständnisse aufgelöst, indem aufgezeigt wird, inwiefern es „die Zeit" nicht gibt, es oftmals sogar leidvolle bis hin zu pathologischen Konsequenzen mit sich bringt, wenn Zeit als Gegenstand oder Ressource betrachtet wird. Es ist ein Buch über den Vergleich von Abläufen und darüber, was es bedeutet, wenn Ereignisse miteinander im Takt sind, und wie sie durch Wiederholung und Variation Bedeutung gewinnen und damit „intakt" wirken.

Musik und vor allem das Hören dienen als Modelle, um diese allgemeinen zeitlichen Struktureigenschaften der Wirklichkeit begrifflich anklingen zu lassen. Darüber hinaus regen Hyperlinks zu konkreten Hörbeispielen dazu an, sich direkt auch auf besondere Erfahrungen von Zeit einzulassen. – Ein Buch für all diejenigen, die Grundlegendes über Zeit nicht nur lesen wollen, sondern sich im Idealfall auch für einen taktvollen Umgang mit Zeit motivieren lassen möchten.

Die im Band besprochenen Hörbeispiele können Sie der folgenden Playlist entnehmen: https://www.youtube.com/playlist?list=PLl3KYcmP425_xCx0eqWj-E696QqcKDKqK.

Die Analyse von Klangphänomenen und ihrer (inter)kulturellen Funktion ist inzwischen zu einem wichtigen Forschungsfeld avanciert. Grundlage der Aufsätze dieses Bandes ist eine anthropologische Perspektive, die darauf abzielt, auch den naturwissenschaftlich-empirischen Diskurs produktiv einzubeziehen. Die Beiträge gehen dem Verhältnis von Klang und Kognition, Kulturtheorie, Literaturästhetik, Medialität, Kunstpraxis sowie Transzendenz nach.