Design

Since it is now clear that in the future many raw materials will only be available to us in limited quantities, scientists have for some time been conducting intensive research into possible alternatives. Sustainability is the order of the day and the magic word for a better future in politics and industry. Moreover, environmental consciousness and a penchant for thinking in terms of material cycles have caught on with consumers: the use of environmentally compatible materials and production methods is desired, even taken for granted by the client.
Designers and architects thus have a special role and responsibility. For they are the ones who decide what materials will be used on their projects and thus wield enormous influence on the sustainability of our product world. At the same time, we are dealing with a flood of new materials, which calls for specialized knowledge of their properties, their possible use, and their handling. Material Revolution bridges the gap between research and industry on the one hand and designers and architects on the other by offering a systematic overview of the currently available sustainable materials and providing the reader with all the information he or she needs to assess a new material’s suitability and potential for a given project. Along the way, it examines natural and biodegradable materials, while also presenting materials with multifunctional properties and the potential for diminishing energy requirements.

Der Sog der Veränderung nimmt uns mit – doch anstatt ihn zu fürchten, können wir lernen, ihn zu gestalten. Heraklits Weisheit – Panta rhei – ist heute aktueller denn je: Sicherheit, Ernährung, Digitalisierung, Macht – all diese Grundpfeiler unseres Lebens sind im Umbruch. Doch Wandel muss keine Bedrohung sein, sondern kann eine Chance werden!

In diesem Band kommen 15 kreative Köpfe zu Wort, die zeigen, wie sie den Veränderungen unserer Zeit begegnen – mit Kunst, neuen Erzählweisen und innovativen Wirtschaftsmodellen. Ihre Ideen inspirieren dazu, den Wandel nicht nur zu akzeptieren, sondern ihn aktiv mitzugestalten.

• 15 kreative Köpfe zeigen, wie Wandel als Chance genutzt werden kann
• Inspiration für den Umbruch
• Einblick in kreative Strategien, um Veränderungen selbst zu formen

(English / German)
New social challenges and innovative forms of work influence the design of objects just as much as new production techniques, marketing opportunities and distribution channels. The catalog presents 100 selected objects – furniture, household appliances, tools, lighting, consumer electronics and accessories as well as designs for personal care, health and mobility – the diversity and innovative power of Austrian product design from 2000 to 2025. These objects are role models for the quality of design in terms of functionality, technological innovation, resource conservation and ergonomics. They also demonstrate wit, charisma and emotional appeal. Even in familiar objects, there are surprising and exciting things to discover.

• Austrian design of the 21st century
• Divided into 25 thematic categories such as health, work, living, entertainment and mobility
• Exhibition at the MAK Vienna, 18.9.2024-18.5.2025
  

Neue gesellschaftliche Herausforderungen und innovative Arbeitsformen beeinflussen das Design von Gegenständen ebenso wie neue Produktionstechniken, Marketingmöglichkeiten und Vertriebskanäle. Der Katalog präsentiert 100 ausgewählte Objekte – Möbel, Haushaltsgeräte, Werkzeuge, Beleuchtung, Unterhaltungselektronik und Accessoires sowie Designs für Körperpflege, Gesundheit und Mobilität – die Vielfalt und Innovationskraft des österreichischen Produktdesigns von 2000 bis 2025. Diese Objekte sind Vorbilder für die Qualität von Design in Bezug auf Funktionalität, technologische Innovation, Ressourcenschonung und Ergonomie. Sie zeigen auch Witz, Charisma und emotionale Anziehungskraft. Selbst in vertrauten Objekten gibt es Überraschendes und Spannendes zu entdecken.

• Große Ausstellung zum österreichischen Design des 21. Jahrhunderts
• Gegliedert in 25 thematische Kategorien wie Gesundheit, Arbeit, Wohnen, Unterhaltung und Mobilität
• Ausstellung im MAK Wien, 18.9.2024–18.5.2024

(English / German edition)
The iconic design classics that are still handcrafted today by the Auböck workshop, now in its fourth generation in Vienna, were ahead of their time from the very beginning and shaped Austrian design across generations.

The book and exhibition focus on the style-defining era of the interwar and post-war period and also refer to the experimental 1980s. The works are viewed through the lens of surrealism. For the first time, works by the sculptor and textile artist Mara Uckunowa-Auböck (1895-1987), who met Carl Auböck II (1900-1957) at the Bauhaus in Weimar, are also presented.

The book contains, among other things, newly produced photographs of the essential, original works shown in the exhibition, as well as a foreword by Lilli Hollein, texts by Kimberly Bradley on the workshop in the international design context, Nina Schedlmayer on the history of the workshop and Bärbel Vischer on the surrealist perspective on the comprehensive oeuvre of the Auböck workshop.

• The work of the celebrated workshop for mid-century home decor
• Furniture, cutlery, key rings, smoking utensils, and much more
• His pieces can be found in the permanent collection of MoMA
  

Die ikonischen, bis heute handgefertigten Designklassiker der in vierter Generation in Wien geführten Werkstätte Auböck waren von Anfang an ihrer Zeit voraus und prägten österreichisches Design generationenübergreifend.

Buch und Ausstellung konzentrieren sich auf die stilprägende Ära der Zwischen- und Nachkriegszeit und verweisen ebenso auf die experimentellen 1980er Jahre. Dabei werden die Werke durch die Linse des Surrealismus betrachtet. Erstmals werden auch Arbeiten der Bildhauerin und Textilkünstlerin Mara Uckunowa-Auböck (1895–1987) präsentiert, die Carl Auböck II (1900–1957) am Bauhaus in Weimar kennenlernte.

Das Buch enthält unter anderem neu angefertigte Fotos der wesentlichen, originalen Werke, die in der Ausstellung gezeigt werden, sowie ein Vorwort von Lilli Hollein, Texte von Kimberly Bradley über die Werkstätte im internationalen Design-Kontext, Nina Schedlmayer zur Geschichte der Werkstätte und Bärbel Vischer über die surrealistische Perspektive auf das umfassende Œuvre der Werkstätte Auböck.

• Das Werk der gefeierten Werkstätte für Mid-Century Wohnkultur
• Möbel, Besteck, Schlüsselanhänger, Raucherutensilien, u.v.m.
• Ausstellung im MAK, Wien, 15.5.2024–13.10.2024

Strategies for the design process considering emotions.

How does design make the indestructible character of a drill tangible? Why does a brand become a trusted friend? And what emotions should intelligent gardening tools actually radiate?

The accurate communication and design of emotional worlds remain one of the greatest challenges for companies and professional design. Designing Emotion offers practical support here. Based on current research from neuroscience and psychology, the book presents tools for systematically analysing emotions and controlling them through precise use of form, colour and material.

In addition to case studies and interviews, this expanded edition offers insights into the design practice of successful companies.

• Basic knowledge of emotions and psychological models for the design process.
• Still unrivaled publication on strategic design and emotion
• Expanded third edition with exclusive interviews, practical examples and analyses
• Available in German and English (Designing Emotion, ISBN 9783035623857)

Erweiterte Gestaltung mit intelligenten Anwendungen

Maschinell intelligente Systeme und sind keine Science-Fiction mehr. Maschinelles Lernen ist weit verbreitet: So werden Designaufgaben von Algorithmen übernommen und das User:innenerlebnis durch intelligente Systeme modifiziert. Diesen Anwendungen für künstliche Intelligenz (KI) steht eine Lücke in der theoretischen Reflexion von intelligentem Design gegenüber.

Das Buch zeigt, wie sich Aufgabe, Rolle und Verständnis von Gestaltenden erweitern, wenn die Maschine Gestaltungsentscheidungen übernimmt, wenn der Begriff und die Praxis dessen, was man Kreativität nennt, grundlegend moduliert wird. Somit liefert es das Wissen darum, wie Gestalter:innen maschinelles Lernen produktiv nutzen können.

• Einschlägige Modelle und Verfahren von künstlicher Intelligenz im Design
• Systematische Betrachtung intelligenter Gestaltungswerkzeuge im Designprozess
• Prinzipien der guten und ethisch korrekten Gestaltung mit maschinellem Lernen
• Sechs Fallbeispiele mit speziellem Disziplinfokus und einem Kapitel für praktische Anwendungen

Designing with intelligent applications

Intelligent machines are no longer merely the stuff of science fiction; we are already surrounded by a multitude of intelligent applications. For example, the information feeds of large social media platforms are compiled and designed for individual users by means of algorithms. This often-unnoticed process in design practice contrasts conspicuously with a glaring gap in terms of the design-centered practice of application-oriented, AI-based design.

This book shows how designers’ tasks, roles, and understanding expand when machines take on design decisions and when the concept and practice of what we call creativity fundamentally shifts. Thus, this book adds to our knowledge of how designers can apply machine learning productively.

• Relevant models and current applications of artificial intelligence in design
• Principles of good and ethical practice in designing with machine learning
• Seven discipline-specific case studies plus a chapter on practical applications

What do the work processes of a neurosurgeon and a painter have in common? Applying the notions of Design, Gestaltung, and Formatività, this book sheds new light on processes of formation and transformation in the material world we live in.

Scholars from the fields of history, philosophy, psychology, media, and cultural studies question established processes of giving form, while artists, designers, engineers, and scientists describe their creative processes. This book provides its readers with an overview of the spectrum of "philosophies of making" and invites them to refl ect on their own creative process, its possibilities and associated responsibilities to the environment, and ultimately to express these in action. There has never been a more urgent need to develop a new relationship between matter and form.

• Discussing and expanding the definitions of Design, Gestaltung und Formatività
• Leading international theorists write about the relationship between matter and form
• A collection of new texts and first English translation of key texts

"This text here might be rendered on a screen. It could appear on paper as well. I have　written it on a computer. As you are reading it, something　is functioning as an　interface. Although I do not know exactly what this　thing　is, I know for certain that there is　something　here, slipping your mind as you read this text." This knowledge and slipping　away questions the sustaining　support of digital objects:　It aimed to challenge the habitualisation towards digital devices, the forgetting of the physical　interface that leads to the supposition of digital immateriality, by making the computer　apparent as an absurd thing that escapes language. The author positions himself among these strange and aloof digital things　and their effects.　

• Inspiring research approach to the analog - digital interface
• Individual intervention in each copy: A page crumpled by the artist author is included in each book.
• Award-winning artist author

Vom Druckknopf bis zur Weltraumsonde: So weit erstreckt sich der Horizont von Produktdesign. Weil Design viel mehr ist als „Linienführung", geht diese Designgeschichte der Frage nach, wie sich die Ansprüche an die Gestaltung von Gebrauchsobjekten im Lauf der Zeit fortentwickelt haben.

Die Frage des Wozu (Gebrauchsfunktion) verbindet sich mit der des Woraus und Womit (Materialien und Produktionsmethode) und der nach dem Wie (der konstitutiven Beschaffenheit des Gegenstandes). Darunter zeigen sich die Schichten geschichtlich bedingter kultureller Mentalitäten, und darüber erhebt sich die Frage nach den Wirkungen von Design in Gesellschaft und Umwelt.

Die Schwerkraft von Ideen entfaltet diese vieldimensionale Matrix in zwei Bänden und schafft so Orientierung im Kosmos der Ideen und ihrer gestalterischen Umsetzung.

Die Komplexität der gestalteten Welt erfordert eine kritische Analyse gesellschaftlicher und wirtschaftlicher Zusammenhänge. Dringend notwendig, weil kaum existent, ist deshalb eine Designkritik, die ihren Namen verdient.

Der Designtheoretiker Michael Erlhoff kritisiert radikal und nimmt deshalb verborgene Alltäglichkeiten, versteckte Grausamkeiten, verdunkelte Offensichtlichkeiten, verheimlichte Motive und andere verdrängte Verwicklungen von Gestaltung in den Blick. Konkret: die Gestaltung von Waffen, Design im Nationalsozialismus, das Design „elektrischer Stühle", die Brutalität von Branding, die Ambivalenz von Service-Design, die Gewalt von Zeichen oder die Ornamentalisierung von Menschen als Massen. Dieses Buch ist die nötige Selbstkritik, damit Design endlich selbstbewusst wird.

Wien verlor im Jahr 1938 seine kreativsten und besten Köpfe: Ein Riss in der Zeit, der sich quer durch alle Wissenschaften und Künste manifestierte und bis heute spürbar bleibt – auch im Möbeldesign.

Mit ihrer unerschöpflichen Kreativität wirkten die vertriebenen jüdischen Möbeldesignerinnen und -designer aus Wien im Exil weiter. Sie unterrichteten an den besten Universitäten und verbreiteten ihre Ideen und Visionen auf der gesamten Welt. Ihre Möbel wurden zu Designklassikern des 20. Jahrhunderts, zum Inbegriff des Mid-Century Modern Style.

Dieser Überblick ruft das Möbeldesign der vertriebenen Designerinnen und Designer in Erinnerung: Er vergegenwärtigt ihre Lebensgeschichten und ihre visionären Entwürfe, die heute aktueller sind denn je, und fördert neue Aspekte der Geschichte des Möbeldesigns aus Wien zutage.

Margarete Schütte-Lihotzky (1897-2000) gilt weithin als erste Architektin Österreichs, als Pionierin der sozialen Architektur, als Erfinderin der Frankfurter Küche, als Aktivistin der Frauenbewegung und nicht zuletzt als Heldin des Widerstands gegen die Nazi-Diktatur.

Neueste Forschungen aus dem Feld der Kunst- und Zeitgeschichte, der Pädagogik und Gender Studies differenzieren in diesem Buch das Bild der Architektin, deren Nachlass sich an der Universität für angewandte Kunst Wien befindet. Beleuchtet werden ihr reiches architektonisches Œuvre, ihre transnationalen Erfahrungen und beruflichen Netzwerke, ihr wenig beachteter politischer Werdegang als Kommunistin und nicht zuletzt ihre aktuelle Rezeption:

Margarete Schütte-Lihotzky – ein Mythos der Architekturgeschichte im spannenden Dialog.

Timber is one of the most elementary and oldest building materials used by mankind, and has still not lost any of its attractiveness and topicality. In many cultural spheres and climate zones, the primary construction methods of domestic architecture include both masonry construction and timber construction. However, this living, lightweight, and easy-to-work material has specific characteristics that impact on the way it is used in construction in different ways compared to other building materials. In order to develop high-quality designs that suit the material, architects need to be familiar with the specific characteristics of this building material and with the rules governing timber construction.

The new edition of the successful Basics Timber Construction volume lists the most common solid timber construction systems, including that using solid timber wall elements, as well as the rules, applications, and the relevant details.

• Important artist of the Wiener Werkstätte and beyond
• Fabric patterns, wallpapers, fashion and home accessories, commercial graphics and wall paintings
• Large exhibition MAK Vienna, 22.11.2023-21.4.2024

Wiener Werkstätte: Textiles and their design

This book presents new research and archival findings on the textile and fashion designs of the Wiener Werkstätte movement (1903–1932). Textile specialists, art and design historians offer insights into the most important collections and archives in Austria, Switzerland, and the US.

The publication explores works by lesser-known female textile artists; the influence of Eastern European folk art, Japanese patterns, and ornamentation textbooks on textile designs; applications in fashion, interior design, film, theater; and marketing strategies used to enter new markets in the US.

It includes numerous illustrations of textile samples, many drawn from the Cotsen Textile Traces Study Collection (George Washington University Museum / Textile Museum), one of the largest collections of Wiener Werkstätte fabrics in the US.

• New research and archival findings on the Wiener Werkstätte textile design
• International project by the University of Neuchâtel, the George Washington University Museum / Textile Museum (exhibition from July 8 to November 5, 2023), and the University of Applied Arts Vienna
• Contributions by Susan Brown / Caitlin Condell, Rebecca Houze, Janis Staggs, and others

Kritisches Design basiert vielfach auf Ironie, Störung oder Verfremdung und schafft Distanz. Die Autorin forscht im Neuen Materialismus und in Theorien über den Animismus nach Alternativen. Wie könnten Kritik und Reflexion funktionieren, wenn man begreift, dass der Mensch mit seiner Umwelt verwoben ist?

In dem Buch werden vier animistische Praktiken identifiziert und für das Design diskutiert. Kritische Distanz entsteht hier paradoxerweise durch Nähe. Die Praktiken spielen mit einem Wechsel zwischen dem Eigenen und dem Anderen und sind (selbst)reflexiv. Sie eignen sich insbesondere für das Erforschen und Gestalten vernetzter oder anthropomorpher Artefakte (etwa IoT-Devices, Voice Assistants), deren Grenzen zueinander und zum Menschen verschwimmen.

How does design make the indestructible character of a drill tangible? Why does a brand become a trusted friend? And what emotions should intelligent gardening tools actually radiate?

The accurate communication and design of emotional worlds remain one of the greatest challenges for companies and professional design. Designing Emotion offers practical support here. Based on current research from neuroscience and psychology, the book presents tools for systematically analysing emotions and controlling them through precise use of form, colour and material.

In addition to case studies and interviews, this edition offers insights into the design practice of successful companies.

• Provides professional design instruments for influencing emotions
• Includes a folding poster for the use of “emotion grid”
• With illustrative product analyses

• BIRD, das „Board of International Research in Design“, versteht sich als Forum für Publikationen zu jeglicher kluger Design-Forschung.
  
• BIRD ist davon überzeugt, dass eine höchst qualifizierte Design-Forschung relevant ist: sowohl für das Design in dessen ganzer Komplexität als auch für soziale, kulturelle, wirtschaftliche und auch wissenschaftliche Entwicklungen in unseren Gesellschaften.
  
• BIRD publiziert im Birkhäuser Verlag, der sich nicht nur im Bereich von Architektur und Design einen Namen gemacht hat, sondern im Kontext des unabhängigen Wissenschaftsverlags De Gruyter auch ein exzellenter Vertriebspartner ist.
  
• BIRD schlägt publikationswürdige Projekte und Texte aus der Design-Forschung zur Veröffentlichung vor und betreut diese.
  
• BIRD ist ebenfalls ständig auf der Suche nach hervorragenden Präsentationen von bedeutsamer Design-Forschung.

How can you turn dry statistics into attractive and informative graphs? How can you present complex data sets in an easily understandable way? How can you create narrative diagrams from unstructured data? This handbook of information design answers these questions.

Nicole Lachenmeier and Darjan Hil condense their extensive professional experience into an illustrated guide that offers a modular design system comprised of 80 elements. Their systematic design methodology makes it possible for anyone to visualize complex data attractively and using different perspectives.

At the intersection of design, journalism, communication and data science, Visualizing Complexity opens up new ways of working with abstract data and invites readers to try their hands at information design

Design is inextricably interwoven with all aspects of life and has even produced its own astonishing genre of research. Design research opens up new perspectives of interdisciplinary empiricism, joining with economics, sociology, technology, and philosophy to produce analyses and syntheses that get to the heart of daily life.

The twelve contributions from international authors that comprise this book vividly make this case. They cover the relationship between subject and object, animation, all forms of representation, design activism, and many other themes. This book is intended to inspire discussion. Its target reader is anyone seeking to expand their understanding of design, to fundamentally improve their praxis, and to more deeply appreciate life in all of its aspects.

The Handbook Research Video is an introduction to a new type of software and publication based on annotated videos. Practitioners and researchers who work with motion data, for example in the fields of performative art, film, behavioral research or sports science, are supported in their work process and have the opportunity to publish content via video that a printed book cannot convey.

The handbook not only presents the findings of the Research Video project at Zurich University of the Arts, but also offers a manual for using the software tool. Low-threshold "hands-on" access and the absence of a theoretical superstructure allow users to quickly become familiar with and use the software tool.

Visionary furniture design from Vienna

• A new history of Viennese furniture design, with 27 detailed biographies
• Numerous previously unpublished photographs and sketches
• Including works by F. Dicker-Brandeis, M. Eisler, J. Frank, F. Kiesler, R. Neutra, M. Schütte-Lihotzky, E. Schwadron

Wie sollen Designer in ihrer Akquisition rechtlich vorgehen? Wie können sie ihre Entwürfe im Rahmen von Präsentationen schützen? Was tun, wenn ein Interessent Vorlagen ohne Zustimmung des Urhebers verwendet? Wie verhandelt der Designer Aufträge und Lizenzen? Die Kreativität dieser Berufsgruppe ist ihr Kapital: Die Sicherung ihrer Rechtsansprüche führt sie zum wirtschaftlichen Erfolg.
Dieses Thema wird von Kobuss und Bretz erstmals umfassend und praxisbezogen bearbeitet - mit spannenden Strategien und nachvollziehbaren Vorgehensweisen. Aus der Sicht alltäglicher Rechtsfragen werden unkonventionelle, aber wirkungsvolle Lösungen und Ansätze für die eigene Nutzung, Gestaltung und Formulierung vermittelt. Ein besonderes Gewicht liegt auf den Fragestellungen in internationaler Hinsicht, die durch die Globalisierung auch im Design immer relevanter werden. Die Darbietung gliedert sich in drei Hauptteile: Rechtliche Rahmenbedingungen und Nutzung von Designrechten (NUTZEN); Designrechte (GESTALTEN); Vertragsrecht (FORMULIEREN).

Limited Edition is the new buzzword in furniture design. The demand for unique pieces is steadily increasing. With prototypes, one-offs and limited product lines, designers are celebrating a cult of individuality for all price classes. Furniture prototypes have always been an element of the industrial design process, but now they are being brought from the workshops and presented to the public as embodiments of one of the most exciting creative fields of our age. In the global village with its standardized commodities, exclusive one-offs with an artisanal flavor are turning into coveted objects. Limited furniture series satisfy the collector’s thirst for objects that dissolve the boundary between art and design.
Limited Edition pursues this new phenomenon and uncovers its background in meticulous investigative essays based on the author’s ongoing interchange with key designers, gallery owners, auctioneers and manufacturers. With a rich selection of magnificent images and an attractive layout, it presents the best and most breathtaking pieces by the leading designers.

Limited Edition ist das neue Schlagwort im Möbeldesign. Die Nachfrage nach Einzelstücken steigt mehr und mehr. Designer zelebrieren mit Prototypen, Unikaten und limitierten Produktserien einen Individualitätskult für alle Preisklassen: Möbel-Prototypen, schon immer Bestandteil des industriellen Enwurfsprozesses, werden jetzt aus der Werkstatt geholt und als Verkörperung eines allerneuesten Trends der Öffentlichkeit vorgeführt. Unikate, exklusiv und mit handwerklicher Note, lassen sich im Global Village mit standardisierten Waren zu begehrten Objekten deklarieren. Limitierte Möbelserien befriedigen den Sammlerhunger nach Objekten, die als Möbelskulpturen die Grenze zwischen Design und Kunst auflösen und so auch eine neue Elite von Design-Galeristen hervorgebracht haben.
Limited Edition spürt diesem neuen Trend im Möbeldesign nach und deckt dessen Hintergründe auf: in sorgfältigen Recherchen, entstanden auf der Grundlage eines kontinuierlichen Austauschs der Autorin mit Designern, Galeristen und Herstellern. Anhand großartiger Abbildungen und in einem reizvollen Layout präsentiert es die besten und atemberaubendsten Stücke der führenden Designer.

Computer and video games are leaving the PC and conquering the arena of everyday life in the form of mobile applications (such as GPS cell phones, etc.) – the result is new types of cities and architecture. How do these games alter our perception of real and virtual space? What can the designers of physical and digital worlds learn from one another? Space Time Play presents the following themes: the superimposition of computer games on real spaces and convergences of real and imaginary playspaces; computer and video games as practical planning instruments. With articles by Espen Aarseth, Ernest Adams, Richard A. Bartle, Ian Bogost, Gerhard M. Buurman, Edward Castranova, Kees Christiaanse, Drew Davidson, James Der Derian, Noah Falstein, Stephen Graham, Ludger Hovestadt, Henry Jenkins, Heather Kelley, James Korris, Julian Kücklich, Frank Lantz, Lev Manovich, Jane McGonigal, William J. Mitchell, Kas Oosterhuis, Katie Salen, Mark Wigley, and others.

Friedrich von Borries (b. 1974) is an architect. He has taught at the College of Fine Arts in Nürnberg and elsewhere.

Matthias Böttger (b. 1974) is an architect. He is codirector with Friedrich von Borries of space tactics, Agency for Spatial Enlightenment and Intervention in Berlin.

Steffen P. Walz (b. 1973) works at the ETH Zürich in the Department of Computer Aided Architectural Design. At the School of Art and Design Zurich Walz is cofounder of the BA program in Game Design.

Nanotechnologie gilt als eine der Schlüsseltechnologien des 21. Jahrhunderts mit stark wachsender wirtschaftlicher Bedeutung. In Architektur und Bauwesen liegen ihre heute nutzbaren Potenziale besonders in der Beschichtung von Oberflächen, die diesen funktionale Eigenschaften wie erhöhte Bruchfestigkeit, Fähigkeit zur Selbstreinigung, Feuerresistenz etc. verleiht. Auf Nanomaterialien basierende Zusatzstoffe machen gängige Materialien leichter, durchlässiger oder verschleißfester. Nicht nur für Fassaden und Dächer sind Nanomaterialien von großem Interesse, sondern sie bereichern auch die Gestaltungsmöglichkeiten von Innen- und Außenräumen. Nano-Dämmmaterialien eröffnen ökologisch ausgerichteten Architekten neue Potenziale.
Architekten, Innenarchitekten und Designer finden in diesem Buch eine auf ihre Belange zugeschnittene Einführung in den naturwissenschaftlichen Hintergrund, eine kritische Diskussion der Vorzüge und Grenzen dieser Technologie und vor allem eine umfassende, mit zahlreichen internationalen Projektbeispielen belegte Darstellung von 16 bau- und designrelevanten Eigenschaften und Funktionen von Nanomaterialien. Nobelpreisträger Harold Kroto trug ein Vorwort bei.


Dipl.-Ing. Innenarchitektin BDIA Sylvia Leydecker ist praktizierende Innenarchitektin mit dem eigenen Büro "100% interior" in Köln. Sie vertritt den BDIA in der Architektenkammer NRW, ist Dozentin bei mehreren Architektenkammer-Akademien, Mitglied im Kompetenzzentrum Nanotechnologie CC-NanoChem und im Institute of Nantechnology IoN, Schottland. Zahlreiche Vorträge und Zeitschriftenpublikationen über das Thema Nanotechnologie in Architektur, Innenarchitektur und Design.

Mit ihren Projekten, Beobachtungen, Beschreibungen und Kommentaren erkunden die Autoren die Möglichkeiten und Chancen, die Notwendigkeit oder auch Unfähigkeit von Design im pulsierenden Lebensraum unseres Alltags.

Auf welche Art wirkt und überzeugt Design? Was wissen GestalterInnen von den Regeln, die sie, teilweise unbewusst, anwenden? Die zeitgenössische Designforschung entwickelt zunehmend ein Interesse an den rhetorischen Mechanismen der Design-Praxis.

Der vorliegende Sammelband stellt die klassische Kommunikationslehre der Rhetorik als eine neue und umfassende Metatheorie des Designs vor. Sie betrifft prinzipiell alle Bereiche heutigen Designs – vom Grafik-Design über die Architektur bis zur Interfacegestaltung.

"Design als Rhetorik" führt drei Bereiche zusammen: Das Buch stellt die historisch relevanten Texte vor und bildet als Positionsbestimmung die kontroverse zeitgenössische Diskussion ab. Zudem versammelt es in Fallstudien Beiträge zu den wichtigsten Forschungsfeldern wie etwa „Interaktive Rhetorik", „Rhetorik Design und Gender", „Rhetorik des World Wide Web".

This dictionary provides a stimulating and categorical foundation for a serious international discourse on design. It is a handbook for everyone concerned with design in career or education, who is interested in it, enjoys it, and wishes to understand it.
110 authors from Japan, Austria, England, Germany, Australia, Switzerland, the Netherlands, the United States, and elsewhere have written original articles for this design dictionary. Their cultural differences provide perspectives for a shared understanding of central design categories and communicating about design. The volume includes both the terms in use in current discussions, some of which are still relatively new, as well as classics of design discourse. A practical book, both scholarly and ideal for browsing and reading at leisure.

A comprehensive guide to successful multimedia communication concepts today.

An den Hochschulen für Design und Kunst im deutschen Sprachraum entwickelt sich das Designstudium zur wissenschaftlichen Disziplin. Der wohl wichtigste Akteur in diesem Umfeld ist Tomás Maldonado.

Bevor er zum Rektor der HfG Ulm (Hochschule für Gestaltung) gewählt wurde, trat er mit einer Neuausrichtung der Grundlehre hervor. Er setzte an die Stelle der Orientierung auf Begabungen und die handwerkliche Entfaltung von Talenten - wie Max Bill sie vom Bauhaus her mitbrachte - eine Konzeption, die auf wissenschaftlichem Problembewusstsein und Problemlösungsverhalten basierte. Damit hat er die Designausbildungen weltweit maßgeblich beeinflusst.

Dieser Band enthält eine Auswahl seiner wichtigsten Essays und Aufsätze zu Problemen von Umwelt und Gestaltung, moderner Zivilisation, Technologie und Kultur, die bisher nicht in deutscher Sprache vorlagen.

Dieses Wörterbuch bietet die interessante und kategoriale Grundlage für einen ernsthaften internationalen Diskurs über Design. Es ist das Handbuch für alle, die mit Design beruflich und in der Ausbildung zu tun haben, sich dafür interessieren, sich daran vergnügen und Design begreifen wollen.
Über 100 Autorinnen und Autoren u.a. aus Japan, Österreich, England, Deutschland, Australien, aus der Schweiz, den Niederlanden und aus den USA haben für dieses Design-Wörterbuch Originalbeiträge geschrieben und bieten so bei aller kulturellen Differenz mögliche Erörterungen an, sich über wesentliche Kategorien des Design und somit über Design grundlegend zu verständigen. Es umfasst sowohl die teilweise noch jungen Begriffe aktueller Diskussionen als auch Klassiker der Design-Diskurse. – Ein praktisches Buch, das sowohl Wissenschaftscharakter hat als auch ein Buch zum Blättern und Lesen ist.

Jan Tschichold (1902-1974) kann als einer der herausragendsten und einflussreichsten Grafiker und Typografen des 20. Jahrhunderts bezeichnet werden. Zeit seines Lebens stand er im Dienst der Schrift, sowohl als junger talentierter Kalligraph und Gestalter von rund 70 Plakaten, als auch später als selbstkritischer Typograf und Entwerfer von Druckschriften. In seinen Plakaten setzte er die stark durch das Bauhaus geprägten avantgardistischen Ideen der Neuen Typografie um. Tschichold erhielt für sein Wirken zahlreiche Preise, so ernannte ihn die Société Typographique de France 1960 zum Ehrenmitglied und die Royal Society of Arts 1965 ehrenhalber zum Royal Designer of Industry.

Das vorliegende Buch setzt sich analytisch mit dem Plakat-Werk Tschicholds auseinander. Dabei werden sowohl seine eigene Plakat-Sammlung, die u.a. Werke von Hans Arp, El Lissitzky, László Moholy-Nagy und Oskar Schlemmer beinhaltet, als auch die ca. 70 von ihm gestalteten Plakate in Farbe gezeigt.

Design reflects social developments in those issues which are also embraced by design researchers. A key concept for how designers position themselves in the future, according to the editor’s thesis, may well be "integrative design". This term denotes design’s potential for the integrative development of a society, a potential imperatively linked with economic and political positions.

Integrative Design collects basic essays on aspects of Integrative Design, including design after ownership, inclusion, design as an interface with society, the integration of design and technology, and the political agenda of design. The associated website documents current and recently completed research projects that expand on these aspects.

Ein konziser Überblick, nun in zweiter, korrigierter Auflage, der ebenso anschaulich wie kritisch alle wichtigen Aspekte des Produkt- und Grafikdesigns auf den Nenner bringt.

Bei der Komplexität der heutigen Gesellschaft ist auch das Design gefordert: wie kann es seinen Beitrag zur Orientierung, Klärung und nützlichen Gestaltung leisten? Im Teil I des Buches (Designgeschichte) schildert der Autor die Hauptepochen des Designs seit seinen Anfängen mit der Industrialisierung bis heute. Dabei wird der ästhetische Selbstanspruch der jeweiligen Designgeneration kritisch hinterfragt, und die sozialen, kulturellen und wirtschaftlichen Bedingungen werden aufgezeigt. Der Teil II (Designdebatte) greift in die aktuelle Diskussion ein: Die grundlegenden Begriffe werden definiert, die Stellung des Designs in Bezug auf Kunst, Geschmack, Dritte Welt, Gender, Theorie sowie Wissenschaft und Forschung wird geklärt. Im Anhang finden sich nützliche Hinweise auf Organisationen, Museen und wichtige Zeitschriften.

Beat Schneider ist emeritierter Professor für Kultur- und Designgeschichte und Designtheorie an der Hochschule der Künste Bern HKB sowie Gründungspräsident des Swiss Design Network (Nationales Forschungsnetz der Designhochschulen der Schweiz). Von ihm stammt "Penthesilea. Die andere Kultur- und Kunstgeschichte. Sozialgeschichtlich und patriarchatskritisch."

Jimmy Schmid ist Professor für Kommunikationsdesign und Leiter des Kompetenzzentrums für Visualisierungen im Bereich Wissensmanagement an der Hochschule der Künste Bern HKB und führt eine Agentur für visuelle Kommunikation in Luzern.

Following the huge success of Material Revolution, this second volume addresses the rapid development of material research and presents materials new to the market since 2010.
The significance of sustainable and intelligent materials in design and architecture has increased enormously over the last two years. Numerous new products have been introduced to the market and designers’ thirst for knowledge about the sustainability of new material is as strong as ever, making a sequel to Material Revolution necessary. The new volume contains a similar system of classification but covers a completely different range of materials. There is a chapter dedicated solely to the criteria and factors of sustainable product design, as well as to innovative projects by designers and architects that work with new materials and technologies.

Nach dem großen Erfolg von Material Revolution hat der Autor einen zweiten Band verfasst, der die rasante Entwicklung der Materialforschung berücksichtigt und neue Werkstoffe vorstellt, die seit Erscheinen des ersten Bandes auf den Markt gekommen sind.
In den letzten beiden Jahren hat sich gerade die Bedeutung nachhaltiger und intelligenter Werkstoffe für Design und Architektur enorm vergrößert. Zahlreiche neue Angebote sind auf den Markt gekommen, die eine zweite Edition des Buchs Material Revolution mit ähnlicher Gliederung, aber gänzlich neuen Materialangeboten notwendig werden lassen. Ist doch das Interesse der Designer am Wissen um die Nachhaltigkeit der neuen Materialien nach wie vor ungebrochen. Ein eigenes Kapitel informiert deshalb über Kriterien und Faktoren für nachhaltiges Produktdesign sowie über innovative Projekte, in denen Designer und Architekten mit neuen Werkstoffen und Technologien gearbeitet haben.

Wie wir Dinge gestalten, hat einen maßgeblichen Einfluss darauf, was oder wen wir als "normal" oder "normabweichend" empfinden. Design markiert somit die Grenzbereiche zwischen In- und Exklusion, indem es implizit Rollen- und Wertebilder konfiguriert und dabei gleichermaßen in den Herstellungs- und Deutungsprozess von Normalität involviert ist.

Wenn solche Normvorstellungen durch Design mitkonstruiert werden, bedeutet das im Umkehrschluss jedoch auch, dass sie sich durch Design dekonstruieren, also kritisch hinterfragen und verändern lassen: Design kann auch Gegenmodelle entwickeln.

In Inklusion als Entwurf deckt Tom Bieling auf zahlreichen Ebenen Verbindungen von Design und Inklusion auf und leitet daraus nicht nur neue Operationsbereiche für Designer ab, sondern liefert auch Anknüpfungspunkte für andere Praxis- und Wissensfelder.

Ein Fachbuch der eigenen Art: Die Verbindung von Inspirationsquelle, Handbuch und Notizheft. Thematisiert werden grundlegende Aspekte der Innenraumgestaltung (Decken, Fußböden, Wänden, Türen, Treppen etc.) und die einschlägig dort verwendeten Materialien (Teppichen, Wandanstriche, Glas, Holzwerkstoffe, Stein, Beton usw.). Ein weiterer Schwerpunkt ist dem Entwerfen, Aufzeichnen und Kommunizieren gewidmet; mit Darstellungsmethoden, praktischen Tabellen, Faustformeln und Ratschlägen aus der Praxis. In dieser aktualisierten 2. Auflage werden weitere Themen aus dem Gestaltungsalltag aufgegriffen: Begrünungsvarianten von Fassaden, raumbildende Gehölze, Inszenierungspotenziale von Licht, eine mehrsprachige Tabelle von Schlüsselbegriffen u.v.a.. Mit Statements äußern sich renommierte Architekten, Innenarchitekten und Designer (Manuel Schupp, Uwe Fischer, Axel Kufus, Ruedi Baur u.a.) zu entwurfsrelevanten Aspekten. Für persönliche Ergänzungen und Beobachtungen liegt separat ein Notizheft bei.

Offene und kooperative Vorgänge von Gestaltung gelten zurecht als ein Garant für zukunftsfähige Erzeugnisse und Dienstleistungen. Welchen Beitrag leisten dabei Designer und Designerinnen?

Helge Oders Studie thematisiert die Akteure solch offener, kooperativer Prozesse, indem sie ihr sinnlich-ästhetisches Vermögen in den Blick nimmt. Sie versöhnt die lange als unvereinbar geltenden Pole der diversen disziplinären Kompetenzen des Entwerfens und des ganzheitlich-konzeptionellen Zugangs für die Gestaltung zukunftsfähiger kultureller Kontexte. Und sie beantwortet die zentrale Frage: Was sind angesichts überbordender Komplexität die Gegenstände, denen unser Erkenntnisbemühen gelten muss? aus dem Möglichkeitsraum des Sinnlich-Ästhetischen heraus – mit seinen "dunklen Phasen" und "entwerferischen Dingen".

Der Katalog zur Ausstellung bietet einen Querschnitt durch Reinhold Lugers grafisches Werk und kulturelles Engagement von den 1970er-Jahren bis heute.

Gemeinsam mit anderen kritischen Geistern war er Teil der 1968er-(Gegen-)Bewegung in Vorarlberg, die sich den internationalen studentischen Protesten anschloss. Seine Haltung prägte seinen grafischen Stil, der in seinen zahlreichen Plakaten sichtbar und deren provokativer Gestus über die Grenzen hinweg wahrgenommen wurde.

1983 engagierte ihn Alfred Wopmann für die Bregenzer Festspiele, für die er bis 2003 tätig war. 1991 entwarf er das Design für den Stadtbus Dornbirn, das später auch in anderen Städten angewandt wurde. Luger engagierte sich auch für den Erhalt traditioneller Vorarlberger Holzarchitektur.

Mit der Konvergenz von Raum, Medien und Design verändern sich nicht nur Designpraktiken radikal, sondern auch die Oberflächen, die es zu gestalten gilt: Digitale Karten ermöglichen eine Schnittstelle zur physischen Welt und erlauben neuartige Formen von Navigation und räumlicher Erfahrung. Gleichzeitig werfen Internetunternehmen als Kartografen Diskussionen über Ungleichheiten und hegemoniale Ansprüche auf.

Dieses Buch führt in dieses Feld ein, skizziert wichtige Einflüsse, Theorien und Herangehensweisen und erklärt anhand aktueller Beispiele, wie kartenbasierte Interfaces funktionieren können. Die so entwickelten Grundlagen bieten aber auch Inspiration für einen kritischen und experimentellen Zugang, der für DesignerIinnen, PraktikerIinnen und für ein designinteressiertes Publikum von Belang ist.

• Political agency of things
• Design as critical praxis
• Praxis-based design theory

Die spekulative Erzählung AFTER ABUNDANCE imaginiert eine durch den Klimawandel veränderte Alpingesellschaft, in der menschlicher Erfindungsgeist und Solidarität der Schlüssel zum Überleben sind. Das Werk zeigt, wie lokale Gemeinschaften diesen neuen Herausforderungen mit Traditionen und Technologien unter Einsatz von handwerklichem Geschick und Einfallsreichtum begegnen, um sich in der veränderten Umgebung weiterhin zu entfalten. In der Begegnung mit Experimenten, rechtlichen Kunstgriffen, Protesten und Performances werden die LeserInnen eingeladen, sich in das Leben von Menschen einer möglichen Zukunft hineinzuversetzen.

Der österreichische Beitrag zur 2. London Design Biennale gibt auch Einblick in die Arbeit von Studio Design Investigations unter der Leitung von Anab Jain, Universität für angewandte Kunst Wien.

The movement of designed objects is not just something purely functional but also triggers a wide range of sensations. A curtain swaying gently in the wind can cause the onlooker to feel easy and relaxed, as if it was he or she who is floating in the air. This imagined projection caused by the perception of moving objects is called "kinesthetic empathy".

In this study, which followed on from a dissertation at the School of Design Research in London, the author investigates the esthetics of movement by documenting his own design-based learning and research process in terms of "research through design", using the experimental cooperation with puppet players as an example. He thereby creates a framework that allows designers to observe the esthetics of objects in motion as a trigger of feelings.

ARACHNE is an almanac of clothing, fashion, lifestyle, popular culture, music and art in Vienna. It explores happenings in the city – including the work of the fashion design class at the University of Applied Arts – and beyond, offering a unique mix of fashion editorials, illustrations, essays, art, short stories, reviews and interviews.

The publication owes its name to the ancient Greek myth of Arachne, a weaver so talented that she challenged Athena, the goddess of wisdom and crafts, to a weaving contest. Athena punished Arachne for her hubris by turning her into a spider.

Wie lässt sich Wegwerfen entwerfen? Das Schlagwort Nachhaltigkeit hält heute zwar Einzug in viele Bereiche unseres Alltags. Gestalterinnen und Gestalter erschaffen komplette Szenarien des «guten Lebens» anhand neuer Artefakte oder Dienstleistungen. Doch einem solchen Entwurf als Anfang steht immer ein Ende gegenüber: in Form von Müll.

Diese Arbeit erörtert erstmals das Wegwerfen in einem systematischen Zusammenhang mit dem Entwerfen. Ihre These: Müll, verstanden als universeller Begriff für die unerwünschten Reste einer gezielten Aktivität innerhalb von Produktion und Verbrauch, stellt einen zentralen Indikator und Vermittler für die ökologischen und sozialen Konsequenzen von Gestaltung dar. Die Bedeutung dieser These für Designtheorie und -didaktik wird hier exemplarisch entfaltet.

Design has long expressed and established itself as an independent research competence – a fact that also companies, institutions and politicians have come to acknowledge. What is still needed, however, is a stronger public platform for design to confidently reflect upon this process and to establish and communicate the specific innovative and experimental dimension of design research. For this reason, BIRD, the Board of International Research in Design, has developed the New Experimental Research in Design / NERD format. The edited conference contributions of twelve young researchers from all over the world provide an impressive and diverse and insightful range of intelligent and inspiring approaches in design research, giving rise to further debate and action in the rapidly evolving field.

New materials and technologies play a significant role in architecture and design. Environmentally compatible materials and production methods are demanded just as much as smoothly functioning recycling management. In addition, trends like digitalization, 3D printing and intelligent systems and materials have a decisive influence on material innovations.
The book’s eight chapters span a bridge from science and industrial research to applications in architecture and design. In a compact format, it offers a well-grounded overview of the latest material innovations, including edible packaging, liquid light and intelligent natural materials. At the same time, the societal dimension of such developments is taken into consideration.

Marken, Produkte und der komplette Unternehmensauftritt kommunizieren ein ganzes Spektrum an Emotionen. Deren gezielte Kommunikation und Gestaltung stellt eine besondere Herausforderung für Unternehmen und Designer dar.
Emotion gestalten gibt in dem breiten und für die meisten noch unsicheren Feld praktische Hilfestellung. Das Buch stützt sich auf die neuesten Forschungsergebnisse, insbesondere aus den Neurowissenschaften und der Psychologie, und setzt die grundlegenden Komponenten der Gestaltung – Form, Farbe, Material – mit Hilfe der Tools „Emotion Grid“ und „Design Elements“ in einen praxisnahen Bezug.
Dieses Praxis-Handbuch macht Emotionen für die Gestaltung systematisch analysierbar und damit steuerbar. Es wird so zu einem wichtigen Instrument im Designprozess.

Diese Einführung vermittelt in gut verständlicher Weise die theoretischen Grundlagen der drei Bereiche Syntaktik, Semantik und Pragmatik und erläutert dann in exemplarischen, didaktisch aufgebauten Bildanalysen die unterschiedlichen Strategien visuellen Gestaltens.
Die wichtigsten Grundbegriffe und die produktivsten Analysemethoden werden nachvollziehbar und anregend dargestellt, ohne dass dabei ihre Komplexität über Gebühr reduziert würde. In ausführlichen Beispielanalysen, insbesondere aus dem Bereich der Werbung, verdeutlichen die Autoren die Anwendung von Grundlagen und Methoden der Bildsemiotik.
Die zweite, korrigierte Auflage dieses in Text und Bild konzisen Lehrbuchs ist um zwei aktuelle Modellanalysen erweitert.

The digital revolution is interwoven with the promise to empower the user. Yet, the rise of centralised, commercial platforms for crowdsourced work questions the validity of this narrative. In Crowd-Design, Florian Alexander Schmidt analyses the workings and the rhetoric of crowdsourced work platforms by comparing the way they address the masses today with historic notions of the crowd. The utopian concepts of early online collaboration are taken as a vantage point from which to view and critique current and, at times, dystopian applications of crowdsourced work. The study is focused on the crowdsourcing of design tasks, but these specific applications are used to examine the design of the more general mechanisms employed by the platform providers to motivate and control the crowds.

Crowd-Design is as much about the crowdsourcing of design as it is about the design of crowdsourcing.

In der Zeit, als der Wiener Glasverlag J. & L. Lobmeyr 1823 gegründet wurde, avancierte Glas zum beliebten Material für Architekten und Gestalter. In Kooperation mit Architekten wie Josef Hoffmann, Oswald Haerdtl und Adolf Loos entstanden später Designklassiker, von denen manche noch heute unverändert hergestellt werden.

Seit dem Jahr 2000, nun in sechster Generation geführt, knüpft Lobmeyr wieder an die große Zeit der Wiener Glasgestaltung zu Beginn des vergangenen Jahrhunderts an. In Zusammenarbeit mit Wiener und internationalen Designern entwickelt Lobmeyr neue Designstrategien, die durch Vielfalt, Experimentierlust und Qualitätsbewusstsein beeindrucken.

Das Buch ist ein bibliophiles Zeugnis dieses außergewöhnlichen Produktportfolios und gibt Einblick in die aktuellen Entwicklungen.

Neue Werkstoffe und Technologien nehmen in der Architektur und im Design eine bedeutende Rolle ein. Umweltverträgliche Materialien und Produktionsverfahren sind ebenso gefragt wie eine gut funktionierende Kreislaufwirtschaft. Daneben haben Trends wie die Digitalisierung, der 3 D-Druck sowie intelligente Systeme und Materialien einen entscheidenden Einfluss auf Materialinnovationen.
Das Buch schlägt in acht Kapiteln die Brücke von Wissenschaft und industrieller Forschung hin zu Anwendungen in Architektur und Design. Es bietet in einem handlichen Format einen fundierten Überblick über die aktuellen Werkstoffinnovationen wie etwa essbare Verpackungen, flüssiges Licht oder smarte Naturmaterialien. Zugleich wird die gesellschaftliche Dimension solcher Entwicklungen in den Blick genommen.

Die Digitalisierung und die tiefe Integration von Computern in unseren Alltag verändern die Entwicklung von Produkten und damit auch das Produktdesign selbst: An der Entwicklung digitaler Produkte sind mittlerweile Disziplinen wie Design, Mensch-Maschine-Kommunikation, Informatik oder die Ingenieurswissenschaften beteiligt.

Mit Beiträgen von Autoren aus diesen Bereichen greift das Buch aktuelle Positionen auf und stellt exemplrasich deren Vorgehensweisen und Methoden dar. Beispiele aus der Praxis ergänzen die Essays.

So entsteht eine aktuelle Einführung in das Design digitaler Produkte und damit ein Bild, das das Design in seinen Intentionen neu verortet.

Anlässlich der Graz UNESCO City of Design gestaltet die FH Joanneum jährlich eine hochkarätig besetzte Vortragsreihe. Sie beleuchtet unterschiedliche Aspekte des internationalen Designdiskurses. Erstmals in diesem Rahmen wurde auch ein Symposium organisiert. Die Präsentationen bilden die Basis des Buches Sozio-Design.
Während die funkelnde Warenästhetik sich zur Bildung eines modernen „Ego-Images" aufdrängt, gibt es eine Design-Entwicklung abseits des Konsumzwangs, welche die soziale Relevanz der Gestaltung von kulturellen Objekten in den Blick nimmt: Sozio-Design erhält in Zeiten sozialer Umbrüche vermehrt Aufmerksamkeit. Das Buch zeigt sechs realisierte Design-Beiträge, die durch eine Neuordnung sozialer Interaktionen stabilisierend und ausgleichend wirken.

Der reich illustrierte Band präsentiert eine Auswahl der rund 8.000 Objekte umfassenden Kostüm- und Modersammlung der Universität für angewandte Kunst Wien. Aufbauend auf der historisch gewachsenen Sammlung, der Fachbibliothek und Lehre, hat sich die Sammlung zu einem hochqualifizierten „University Museum" für Bekleidung entwickelt.

Der Bogen spannt sich von der Alltagskleidung bis zu exklusiver Haute Couture. Die ältesten Stücke stammen aus dem 18. Jhdt., die neuesten Erwerbungen reichen bis in die Gegenwart, unter ihnen Objekte u.a von Fred Adlmüller, Gertrud Höchsmann, Karl Lagerfeld, Helmut Lang, Adele List, Raf Simons und Bernhard Willhelm. Anhand von Textbeiträgen und rund 200 großartigen Fotografien von Christin Losta wird die Sammlung umfassend präsentiert.

Die Auseinandersetzung mit Geschlecht als sozialer Konstruktion ist in sehr vielen Wissenschaftsbereichen seit Jahrzehnten state of the art. Im Design ist die Einbeziehung der Kategorie Gender allerdings noch immer fast ein blinder Fleck. Das ist merkwürdig, weil Design ja den ganz gewöhnlichen Alltag überall und jederzeit bestimmt, und damit auch die in diesem Alltag handelnden Subjekte. Und diese Interaktion zwischen Menschen und Dingen findet unabdingbar „gendered" statt.

Das vorliegende Buch setzt sich erstmals mit den essentiellen Fragen von Gender im Design theoretisch wie praktisch auseinander: Es erörtert die grundsätzliche Notwendigkeit der Einbeziehung von Gender in den Designprozess, und es stellt exemplarisch Design(forschungs)projekte zu diesem wichtigem Thema vor.

Uta Brandes ist die erste Professorin, die explizit Gender & Design bis vor kurzem an der Köln International School of Design lehrte. Sie berät Unternehmen in Gender & Design-Fragen, ist Co-Gründerin und Vorsitzende des international Gender Design Network und betreut zahlreiche Projekte, insbesondere in Hong Kong, China und Japan.

Fueled by an increasingly interconnected world, the desire for engaging experiences plays a more important role in interiors than ever before. There is a tendency in the design of products, furniture, and environments toward enhanced interaction that employs psychosocial principles. This publication presents both high and low-tech applications ranging from a light fixture to art installations and fully realized buildings.

The book illustrates human-centered design strategies through a series of six chapters, each including examples that introduce one of following approaches: communicating, stimulating, synomorphic, transactional, transformative, and challenging.

Die Schriftmischung ist eine der großen Herausforderungen und gleichzeitig ein steter Reiz für Typografen und Gestalter: Soll sie opulent, nur begrenzt oder am besten gar nicht stattfinden? Welche Schriften harmonieren miteinander, welche nicht? Welche ergänzen sich, lassen sich gar gegenseitig steigern? Die Fachliteratur bietet da wenig Hilfestellung.

Dieses Handbuch zeigt, dass sich für das Mischen von Schriften Kriterien bestimmen lassen. Es vermittelt durch das detaillierte Betrachten der Schriftgestalt und eine erneuerte Schriftklassifikation ein vertieftes Verständnis für die Vielfalt an Schriftformen und erarbeitet durch die systematische Analyse von Analogie und Kontrast die dringend benötigten Erkenntnisse zum Kombinieren von Schriften. Ein unverzichtbares Standardwerk für Typografen und Grafikdesigner.

The chaise-longue by Le Corbusier, the radio by Rams, the chair by Eames – designers make things into cult objects and become icons themselves. But who knows which coupé was designed by Frua, which limousine by Engel, which station wagon by Opron?

For a long time, car design was considered to be anonymous, the designers stood in the shadow of the perception of the design, even though their designs can be found on the roads in millions. This richly illustrated book captures the origin of a profession and maps the development of car design based on a comprehensive introduction and the career biographies of over 200 selected designers who contributed to the design of cars and many different associated products in the USA, Europe, and Japan between 1900 and 2000.

Das Buch Design Unplugged macht anschaulich, dass die analoge Handskizze als Darstellungsform im digitalen Zeitalter längst nicht ausgedient, sondern eine neue Qualität gefunden hat. Thomas Feichtner, ein international etablierter Designer mit Sitz in Wien, hat das Skizzieren als zentrales Element seines Designprozesses wiederentdeckt. Skizzen wie Gedankennotizen: vage, unverfälscht und ungefiltert. Über Jahre hinweg entstanden Entwürfe, die durch die Bleistiftskizze als visuelle Klammer miteinander verbunden sind.

Sein Buch enthält keine Abbildungen fertiger Arbeiten im Bereich des Möbel- und Produktdesign, sondern zeigt ausschließlich Bleistiftskizzen, zum Teil unveröffentlichte, die den Produkten vorangegangen sind. Sie geben einen authentischen Einblick in die tägliche Arbeit des erfolgreichen Produktdesigners. Design, nicht mit der vollen Orchestrierung aller digitalen Möglichkeiten, sondern „unplugged" – reduziert auf Bleistift und Papier. Design Unplugged zeigt einen persönlichen Designzugang, den die Produkte alleine so nicht preisgeben.

Are there differences between design practice and the practice of design research? What alliances between text and artefact are possible in the search for new knowledge? How does design research translate and transform theories and methods from other disciplines? Is design research moving towards becoming a formal discipline and, if so, would this really be an advantage?

16 international authors address these four different aspects in the form of personal statements, and 19 researchers share their reflections based on their experience of having carried out a practice-based PhD.

This book investigates the status quo of things in the multi-faceted and constantly evolving field of design research, and outlines the elementary issues faced by researchers. The compendium is a survey of a fast-growing field and, at the same time, provides pointers for personal orientation.

With statements from: Uta Brandes, Rachel Cooper, Clive Dilnot, Michael Erlhoff, Alain Findeli, Bill Gaver, Ranulph Glanville, Matthias Held, Wolfgang Jonas, Klaus Krippendorff, Claudia Mareis, Mike Press, Elizabeth B.-N. Sanders, Arne Scheuermann, Cameron Tonkinwise, Brigitte Wolf

Geboren und aufgewachsen in Wien, gibt Michaela Schweeger Anfang der 1980er-Jahre mit den Anstoß für die zukünftige architektonische Gestaltung der Supermärkte MPREIS in Österreich. In den drei Jahrzehnten der künstlerischen Direktion ist ein unverwechselbares Erscheinungsbild entstanden, mit dem sich das Tiroler Unternehmen wirtschaftlich und künstlerisch positioniert hat: die innen- und außenräumlichen Interventionen und die grafische Gestaltung folgen einem Konzept der Diversität, das Wiedererkennung und Identifikation durch individuelle Vielfalt ermöglicht.

Mit einem Ausblick auf das weitere künstlerische Schaffen von Michaela Schweeger wird das vielseitige und in andere Disziplinen ausgreifende Verständnis von Gestaltung weiter veranschaulicht. Begleitet wird die Darstellung dieses umfangreichen Werks von Texten der Architekturwissenschaftlerin Gabriele Reiterer und zahlreichen Fotografien von Hertha Hurnaus.

Worüber Stefan Sagmeister im Wiener Kaffeehaus spricht, was Mangalica-Schweine mit guter Gestaltung zu tun haben und was früher alles besser war oder zumindest nicht schlechter. In zehn Gesprächen mit Auftraggebern berichten u.a. Carlos Toledo, Eva Dertschei, Tino Erben, Martha Stutteregger, Stefan Sagmeister und Anita Kern von ihren persönlichen Erfahrungen mit Aufträgen und Auftraggebern  und geben Einblicke in ihre individuellen Arbeitsprozesse.

Im "Dialogbuch" kommen drei Generationen von Grafik-Designern zu Wort, die alle an der Universität für angewandte Kunst Wien ausgebildet wurden. Mit ergänzenden Textbeiträgen von Erik Spiekermann, Erwin K. Bauer und Christian Reder u.a.

In Ovids Metamorphosen ist EOOS eines der Zugpferde des Sonnenwagens: in der globalisierten Welt des Designs ist das vor 20 Jahren in Wien gegründete Büro EOOS eine Triebfeder. Das belegen eindrucksvoll die über 140 Designpreise und eine stattliche Anzahl an Patenten. EOOS verfolgt eine konsequent reduzierte Designsprache, changierend zwischen Archaik und Hightech und gänzlich frei von stilistischen Allüren.

Die erste, längst fällige Monographie des Büros gliedert sich in drei Teile und ist Inspirationsquelle, Analyse und Dokumentation in einem. Teil eins ermöglicht in Form einer Bildstrecke Einblicke in das „Making of“, in die Herangehensweisen von EOOS im Designprozess. Gezeigt werden Bezüge, Verweise, Zeichnungen, Recherchematerial und fertige Produkte. In Teil zwei berichtet EOOS in Form eines Ich-Erzählers über ausgewählte Designs, Hintergründe sowie Details aus deren Entstehungsgeschichten. Teil drei dokumentiert in einer Werkliste sämtliche in Serie gegangenen Produkte sowie veröffentlichte Designs in chronologischer Abfolge.

Die Stankowski-Stiftung in Stuttgart hat den Münchner Designer und Hochschullehrer Kilian Stauss zum Stankowski-Preiträger Kunst + Design 2014 ausgewählt. Ziel dieser Stiftung ist es, die Einheit von Kunst und Design herauszustellen und die strenge Trennung von freier und angewandter Kunst und Gestaltung zu überwinden.
Das Werk von Kilian Stauss, der interdisziplinär in den Gebieten product design, graphic design und interior design arbeitet sowie in den Schnittfeldern interface design, signage design, furniture design und in der Lehre tätig ist, wird diesem Anspruch voll und ganz gerecht. Das zu den im Jahr 2015 stattfindenden Ausstellungen herausgegebene Buch prozesse formen zeigt eine breite Auswahl seiner Projekte aus annähernd 20 Jahren in Bildern, Zeichnungen und erläuternden Texten und ist für jeden am Thema Design Interessierten ein Gewinn. Sein Titel kann aktiv wie passiv verstanden werden: Einerseits formt Stauss Gestaltungsprozesse und andererseits führen die von ihm initiierten Prozesse selbst zu Formen mit einer inneren Logik. Das Buch macht beide anschaulich.

Johannes Lang beobachtet und analysiert die Entwicklung des ökologischen Designs unter erfahrungsästhetischen und bewusstseinsgeschichtlichen Gesichtspunkten. Es geht ihm um das Aufdecken und Erkennbar-Machen neuer Produkterfahrungen, die vor dem Hintergrund ökologischer Denk- und Designansätze entstehen – nicht um die Operationalisierung ökologischer Prinzipien für die Praxis. Untersucht wird die ästhetische Gestaltung von Produkten im Kontext des wachsenden Bewusstseins für ökologische Zusammenhänge, in Abgrenzung zum Begriff der Nachhaltigkeit, der nicht nur ökologische, sondern auch soziale Aspekte einschließt.

Das Buch zeigt, dass die Berücksichtigung ökologischer Gesichtspunkte im Design nicht nur zu neuen Technologien führt, sondern auch zu einer neuen Ästhetik, die hier als Prozessästhetik charakterisiert wird. Dabei werden weder die faktische noch die ästhetische Seite des Produktes isoliert aufgefasst, sondern in ein Verhältnis gesetzt, das weder deterministisch im Sinne eines «form follows function» noch willkürlich im Sinne einer «Produktsprache» ist, sondern vielmehr reflexiv.

Anhand zahlreicher Beispiele führt der Autor die für ökologische Zusammenhänge relevanten Prozesse der Materialgeschichte, der Produktionsgeschichte und der Gebrauchsgeschichte vor Augen. Der Begriff der «Prozessästhetik» wird so greifbar: er umfasst jene sinnlichen Reflexionen, in denen die natürlichen Prozesse der Produktgeschichte zu einem Teil der Produkterfahrung werden.

Gute Gestaltung 11 präsentiert preisgekröntes Design aller Gestaltungsdisziplinen. Ob Architektur, Produkt- oder Messedesign, Corporate Communication, Digital Design oder Werbung – die vom Deutschen Designer Club (DDC) ausgezeichneten Arbeiten des jährlichen Wettbewerbs „Gute Gestaltung“ zeigen den hohen Anspruch, mit dem alltäglich genutzte Dinge gestaltet sind. Interessant ist der Querschnitt: Frei von disziplinären Schubladen eröffnet sich dem Leser die Vielfalt der gestalterischen Möglichkeiten.

Der vom Bundesamt für Kultur (BAK) veranstaltete Wettbewerb für Design ist eines der wichtigsten Instrumente der Schweizer Designförderung. Die Ausstellung im Museum für Gestaltung Zürich zeigt die prämierten Arbeiten und gewährt einen Einblick in das junge Schweizer Designschaffen in den Bereichen Grafik, Textil- und Modedesign, Fotografie, Industrie- und Produktdesign, Schmuck, Keramik sowie Bühnenbild. Das Design wird nicht nur unter rein ästhetischen, formalen und technischen Gesichtspunkten betrachtet, sondern auch hinsichtlich einer emotionalen Botschaft der Objekte. Zu entdecken gibt es zukunftsorientierte Ansätze ebenso wie den ironischen Umgang mit Traditionen und die Weiterentwicklung klassischer Vorbilder. Die Ausstellung stellt erstmals auch Designer vor, die 2011 vom BAK mit dem „Grand Prix Design“ für ihr Werk geehrt werden. Diese Persönlichkeiten haben auf nationaler und internationaler Ebene massgeblich zur Anerkennung des Schweizer Designs beigetragen.

An authoritative and scientifically based collection of 18 international texts since 1960 that mirrors and analyses the principal developmental phases of design research and scientific research.
The importance of the focus on pivotal texts for the design research cannot be overstated. However, while certain charismatic names come up in the discussion, the community has thus far lacked a handbook that is straightforward and accessible. Grand and Jonas have now filled this gap. Compiled on the basis of a deep and extensive knowledge of the field, their essays situate and elucidate these exciting texts and aid readers in understanding them.

Wonder Wood presents this timeless material as it is being used today and how it can be used in the future. It also documents a selection of current international projects and processes, making-ofs, and experiments by 120 internationally renowned designers, architects, and artists, whose creative and innovative approach to the material makes their work compelling. For selected projects, interviews with the designers provide an in-depth look at the creative process and its results. A second section, dedicated to materials and technologies examines innovative developments as well as wood, wood-based materials, finishing technologies, and wooden structure principles. With biographies of the designers represented in the book, an alphabetical index, a bibliography and sources, Wonder Wood will serve the reader as a classic book of reference.

Holz inspiriert und fasziniert. Seit jeher haben Gestalter aller Disziplinen diesen vielseitigen und nachwachsenden Rohstoff eingesetzt. Neue Verarbeitungstechnologien erweitern heute das Spektrum seiner Einsatzmöglichkeiten und ermöglichen dabei überraschende Lösungen. Wonder Wood präsentiert diesen zeitlosen Werkstoff in seiner zeitgenössischen sowie zukunftsorientierten Anwendung und dokumentiert eine Auswahl aktueller Projekte und Prozesse, Making-of's und Experimente von 120 international renommierten Designer, Architekten und Künstlern, die durch ihren kreativen und innovativen Umgang mit dem Material überzeugen. Bei ausgewählten Projekten geben Interviews mit den Gestaltern einen fundierten Einblick in die kreativen Arbeitsprozesse und Ergebnisse. In einem Material- und Technologieteil werden innovative Entwicklungen und elementare Grundlagen über Holz, Holzwerkstoffe, Fertigungsverfahren und Holzbau-Konstruktionsprinzipien erläutert. Mit Biografien der im Buch vertretenen Gestaltern, einem alphabetischen Sach-Index, Fach- und Recherchequellen bietet Wonder Wood den Service eines zeitlosen Nachschlagewerks.

Dieser Designbusiness-Ratgeber in der Reihe Erfolgreich als Designer gibt Orientierung in relevanten Fragen der Existenzgründung und Unternehmensentwicklung in der Design-Wirtschaft. Er ist für Designerinnen und Designer aller Design-Bereiche geeignet: Architektur, Innenarchitektur, Industrie-, Produkt-, Mode- und Textil-Design, visuelle Kommunikation, Grafik, Fotografie, Medien- und Web-Design sowie Kunst. Er ist geschrieben für Studenten, Gründer und Profis, für Einzelkämpfer und Teams, Freiberufler und Gewerbetreibende, Kleinst-, Klein- und mittlere Unternehmer, Dienstleister, Händler und Produzenten – für Designer in allen Formen selbstständiger und unternehmerischer Tätigkeit. Die wirtschaftlichen Rahmenbedingungen und die persönlichen Voraussetzungen (ICH), die Entwicklung von Konzepten und Strategien (IDEE) sowie Grundlagen und Management (PLAN) werden ausführlich beschrieben. Adressen, Literaturempfehlungen und Tabellen runden dieses Praxisbuch ab.

A handbook for advanced design

• Everything designers need to know to design multi-sensory products
• With 91 sound files on the accompanying CD
• Synesthetic design is the most innovative current form of design

Da inzwischen klar ist, dass uns viele Rohstoffe zukünftig nur noch begrenzt zur Verfügung stehen werden, wird seit einiger Zeit intensiv an Alternativen geforscht: Nachhaltigkeit ist das Gebot der Stunde und für Politik wie Industrie das Zauberwort für eine bessere Zukunft. Zudem ist das Bewusstsein für einen umweltverträglichen Umgang mit Werkstoffen und das Denken in Materialkreisläufen beim Konsumenten angekommen: Die Verwendung umweltverträglicher Materialien und Produktionsverfahren wird vom Kunden gewünscht, ja gar vorausgesetzt.
Designern und Architekten kommt somit eine besondere Rolle und Verantwortung zu. Denn sie sind es, die bei ihren Projekten die Auswahl über die eingesetzten Werkstoffe treffen und damit entscheidenden Einfluss auf die Nachhaltigkeit unserer Produktwelt nehmen. Gleichzeitig haben wir es mit einer Flut neuer Materialien zu tun, was besondere Kenntnisse in Bezug auf ihre Eigenschaften, den möglichen Einsatz und ihre Verarbeitung erfordert. Materialrevolution schlägt hier die Brücke von Forschung und Industrie zu den Designern und Architekten, indem es einen systematischen Überblick über die derzeit verfügbaren nachhaltigen Materialien bietet und alle relevanten Information liefert, um die Eignung und das Potential eines neuen Materials für das eigene Projekt zu beurteilen. Dabei werden sowohl natürliche und biologisch abbaubare Materialien beleuchtet, als auch Werkstoffe mit multifunktionalen Eigenschaften und Potenzialen zur Verringerung des Energieeinsatzes vorgestellt.

Medieval market scenes, Batman, Minnie Mouse, Dior’s studio, David Bowie, and Buster Keaton – this book functions like a film, blending historical figures with pop art, the production of the finest porcelain figures with sensuous haute couture. But what is truly exceptional about this publication is more than the extraordinary objects it presents: the sixteen porcelain figures of the Commedia dell’arte created by Franz Anton Bustelli in 1760, which were newly released in a limited edition by the Nymphenburg Porcelain Manufactory in 2009, redressed by sixteen internationally renowned fashion designers, including Vivienne Westwood, Christian Lacroix, Naoki Takizawa, Gareth Pugh, Victor & Rolf, and others.
This lavish volume documents – regardless of costs – the making of this limited edition and the experimental process of updating objects like these for the world of today. The photographs taken and selected by the volume’s editor, Florian Böhm, depict scenes from the fashion designers’ studios and detail views of the manufactory. The effect is to bring to light the similarities between the handicrafts - based working methods of fashion design and porcelain design, similarities that are so characteristic of the contemporary trend of creating limited - edition syntheses of traditional arts and crafts and modern design.

Gestaltung denken macht 40 Grundlagentexte der Architektur- und Designtheorie zugänglich. Der erste Teil versammelt Texte von Praktikern: Architekten und Designer, der zweite Teil Texte von Theoretikern: Kulturwissenschaftler, Philosophen, Soziologen, Architektur- und Designhistoriker. Die Beiträge markieren Meilensteine in der Geschichte der Gestaltung und ihrer Reflexion und zeigen die Entwicklung von der frühen Moderne bis zu aktuellen Debatte auf.
Jeder dieser Primärtexte wird von einem renommierten Fachautor eingeführt und kommentiert. Die Kommentare inormieren über Autor, Entstehungszeit und publizistischen Kontext.
Viele der ausgewählten Texte lagen nur verstreut vor oder waren längst vergriffen. Der Reader macht diese Texte, Basis jeder theoretischen Auseinandersetzung über Architektur und Design, zugänglich. Er ist bestens geeignet zur Vermittlung der Geschichte und Entwicklung der Gestaltungsdisziplinen an Architektur- und Designhochschulen, bietet aber auch praktisch arbeitenden Architekten und Designern eine Grundlage, die eigene Arbeit vor dem Hintergrund historischer Debatten zu reflektieren.

Striche sind zeichenbare Gedanken und oft präziser als Worte. Nur zeichenbare Ideen können in einen gestalterischen Entwurf übertragen werden. 1D, die «erste Dimension», ist somit der Ausgangspunkt des Entwurfsprozesses, sei es in der Ausbildung oder in der beruflichen Praxis. Die Publikation stellt das Erlernen und die Funktion des Zeichnens in den Mittelpunkt. Dafür werden zeichnerische Arbeiten, die an der Schule für Gestaltung in Basel entstanden sind, entlang eines Begriffssystems in Form einer «Netzkarte» kommentiert. Dieses gibt zum einen die Qualitäten der Zeichnungen wieder und liefert zum anderen das Vokabular, um über den komplexen Prozess des Zeichnens überhaupt kommunizieren zu können – mit dem Ziel immer besserer Ergebnisse. Ein einführender Essay setzt sich auseinander mit dem Zeichnen als Wahrnehmungs- und Umsetzungsprozess; abgerundet wird das Buch durch Statements renommierter Gestalterinnen und Gestalter – begleitet durch eine Originalzeichnung – zur Bedeutung des Zeichnens in ihrem Schaffen.

An easy-to-understand guide for designers on the legal topics that deeply affect their everyday professional activities, Become a Successful Designer provides designers with ways to protect and handle their intellectual property rights. Focus groups are all kinds of designers of the product, furniture, interior, fashion, textile, communications, graphics, and computational design areas. The authors Joachim Kobuss, Alexander Bretz and Arian Hassani explain the legal framework and the possibilities to act in that field from a completely new point of view. The law and its effects on the individual designer are described in the context of designers’ everyday practice. Here, the legal aspects of design do not appear in incomprehensible legalese but are rather shown as a strategic instrument for designers which can be fun to handle. All topics are discussed from an international and general viewpoint – due to the increasing globalization in the design fields.

Bereits mit seiner Diplomarbeit an der Hochschule für Gestaltung Ulm «Über den Zeichen- und Symbolcharakter von Gegenständen» hatte Klaus Krippendorff den Grundstein dafür gelegt, was heute weltweit als der Kern von Design-Theorie angesehen wird. Als Ergebnis jahrzehntelanger Forschung legt der Autor in dieser Publikation jetzt die ultimative Summe seiner Erkenntnisse vor. Die Kernaussage lautet: Bedeutung ist wichtiger als Funktion. Design gibt den Dingen Sinn, es macht Dinge verständlich. Es geht dabei um die kontextabhängige Wahrnehmung, Erfahrung und Interpretation von Produkten durch den Benutzer. Krippendorff entwirft den Methodenapparat, um diese Phänomene angemessen wissenschaftlich erfassen und beschreiben zu können. Klaus Krippendorff ist Professor an der Annenberg School for Communication der University of Pennsylvania in Philadelphia, USA.
Zur Vorgeschichte des Buches klicken Sie hier.

Designer und Architekten müssen täglich über Farben entscheiden. Aber wie findet man die wegweisende Inspiration? Die passende Farbe? Wie gehen andere Gestalter oder Künstler mit dem Thema um? Unter dem Titel Chroma, dem griechischen Wort für Farbe, gibt der vorliegende Bildband Antwort auf diese Fragen und macht deutlich, dass Farbe eben nicht nur Dekoration ist, sondern eine der zentralen Problemstellungen kreativer Arbeit. Dabei setzt Chroma auf die sinnliche Erfahrung von Farbe, inspiriert und verführt mit außergewöhnlichen Projekten von Industrieprodukten bis Farbfeldmalerei. Das Buch präsentiert sowohl die Arbeiten jüngerer Designer wie Stefan Diez und Arik Levy als auch die berühmter Künstler wie Ellsworth Kelly.
Sämtliche Arbeiten sind großformatig dargestellt und in einer Art Farbverlauf den Kapiteln „monochromatic", "multichromatic" und "achromatic" zugeordnet. Das Spektrum umfasst alle erdenklichen Töne und Kombinationen, von leuchtenden, bunten über dezente Farbkompositionen, bis hin zu Schwarz-Weiß-Kontrasten. Ein weiteres Kapitel analysiert die Arbeit herausragender Künstler, Architekten und Designer wie Gerhard Richter, Konstantin Grcic oder Sauerbruch Hutton, die sich in besonderem Maße mit Farbe auseinandersetzen und zu einer charakteristischen Farbwelt gefunden haben. Ein alphabetischer Index liefert Hintergrundinformationen zu den ausgewählten Personen und Studios.

Das Handbuch Research Video ist die Einführung in eine neuartige Software und Publikationsform, die auf annotierten Videos basiert. Praktizierende und Forschende, die mit Bewegungsdaten arbeiten, wie etwa in Sparten performative Kunst, Film, Verhaltensforschung oder Sportwissenschaft, werden in ihrem Arbeitsprozess unterstützt und bekommen die Möglichkeit, Inhalte verfügbar zu machen, die ein gedrucktes Buch nicht vermitteln kann.

Not at Your Service: Manifestos for Design brings together the broad spectrum of beliefs, subjects and practices of designers at Zurich University of the Arts. It offers different approaches and insights on the present-day role and impact of design. It is not conceived as a finished project, but as a fluid document of its time.

Collaborative design, interaction within complex systems, attention economics, the ecological shift, visual literacy, gender-neutral design, "quick and dirty" design ethnography, social responsibility, the value of ugliness, death futures, immersive technologies, identity and crises, design as a transformative discipline – all of these topics are presented for debate with passion, conviction and professional expertise.

Design affects all social contexts and is therefore intensively instrumentalized both by the politically powerful and their critics. Both functions of design, and their inevitable combination, are presented in this book in precise detail.

Authors from various countries present previously unknown and innovative examples of democratic activities conducted through design. This publication is therefore aimed not only at design professionals but also at the general public of all countries.

Unzählige Interaktionen mit Dingen prägen unseren Alltag. Zähneputzen, Fahrradfahren, am Computer arbeiten – diese Interaktionen werden uns erst dann bewusst, wenn sie mit positiven oder negativen Erlebnissen verbunden sind: Alltagsobjekte vermitteln durch ihre Gestalt eine Form des stummen Wissens. Durch ihr Interface findet eine unbewusste Wahrnehmung davon statt, welche Handlungsmöglichkeiten die Dinge uns bieten. Doch wie kann die Kommunikation zwischen Dingen und NutzerInnen gelingen?

Die Autorin zeigt, wie unbewusst wahrnehmbare Handlungsmöglichkeiten in Dinge hinein gestaltet werden und wodurch Menschen fähig sind, diese Handlungsmöglichkeiten wahrzunehmen und zu nutzen, sie sogar mitzugestalten. Die Bedeutung dieser Ergebnisse sind für die Technik- wie für die Wissenschaftsforschung von hoher Relevanz.

Combining typefaces is one of the great challenges and, at the same time, a continuing allure for typographers and designers: is it meant to be extravagant or should it only be carried out to a limited degree or, ideally, not at all? Which fonts harmonize with each other, and which don’t? Which ones complement each other or even enhance each other? There are few answers to be found in the professional literature.

This handbook demonstrates that it is possible to determine criteria for the combining of typefaces. By looking at the shape of typefaces in detail and creating a revised classification of fonts, it conveys a deeper understanding of the diversity of typefaces and, based on a systematic analysis of analogy and contrast, it establishes the urgently necessary findings required for combining typefaces. An indispensable standard work for typographers and graphic designers.