Art

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

Mit dem aktualisierten Editionsplan wird die Printausgabe im Jahr 2022 abgeschlossen. Dafür wird der Anteil von Artikeln verstärkt, die nur online erscheinen.

Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

Jeder Artikel bietet in übersichtlicher Gliederung:

• den Namen und alle bekannten Namennebenformen. Pseudonyme, Mädchennamen oder bisher irrtümlich zugeordnete Namen werden entschlüsselt, Verweisungen auf den Haupteintrag jeweils eingefügt.
• die Lebensdaten mit einer Werk- und Schaffenscharakteristik.
• Informationen zum Einfluss der Künstlerin/des Künstlers auf das jeweilige kulturelle Umfeld
• eine Auswahl der Werke mit ihren Standorten
• eine Auswahl der Ausstellungen
• ausführliche Hinweise auf Selbstzeugnisse und Schriften der Künstlerin/des Künstlers
• eine umfassende Bibliographie. Auch auf Einträge in anderen Nachschlagewerken, ungedrucktes Quellenmaterial und Kataloge wird hingewiesen.
• Die Signatur am Ende eines jeden Artikels verweist auf den jeweiligen Verfasser oder Redakteur.

Seit Januar 2010 bieten wir eine Kombi Print + Online im Jahresabonnement an. Mehr Informationen erhalten Sie auf der Produktseite www.degruyter.de/akl.

Future Bodies from a Recent Past brings to life a hitherto little-noticed phenomenon in art and sculpture in particular: the reciprocal interpenetration of bodies and technology. With 120 works by 59 artists—primarily from Europe, the USA and Japan—the exhibition is dedicated to the major technological changes since the post-war period and examines their influence on our notions of bodies. With contributions on topics such as the influence of changing production technologies, materialities, and concepts of the body, but also interdisciplinary considerations of body-technology relations, a multi-perspective history of contemporary sculpture will be outlined.

• Fascinating interlinking of the body and technology
• 120 works by 59 artists from Europe, the United States, and Japan

(Multilingual edition: German, French, Italian)

Der Ausstellungskatalog bietet einen intimen Blick auf die Schweizer Gegenwartskünstlerin Silvia Gertsch und ihr beeindruckendes Werk. Durch die Augen langjähriger Wegbegleiter/-innen offenbart sich die persönliche und künstlerische Entwicklung Gertschs, die in der jahrhundertealten Technik der Hinterglasmalerei ihr bevorzugtes Medium gefunden hat. In ihren Malereien setzt sich Gertsch mit Gegensätzlichkeit wie der pulsierenden Stadt oder der in sich ruhenden Natur auseinander und nimmt die Gesellschaft kritisch in den Blick. Farbe und Hell-Dunkel-Kontraste faszinieren die Künstlerin; der Bildträger Glas ermöglicht es ihr, Licht und Schatten zu akzentuieren. Ihre Werke zeigen Emotionen und zwischenmenschliche Interaktionen, in einer von visuellen und akustischen Einflüssen übersättigten Welt.

• Reverse glass painting as a critical mirror of´contemporary society
• First-time presentation of the new series of works Golden Light

The exhibition catalogue provides an intimate view of the Swiss contemporary artist Silvia Gertsch and her impressive oeuvre. The personal and artistic development of Gertsch, who found her preferred medium in the centuries-old technique of reverse glass painting, is revealed through the eyes of companions of many years. In her paintings, Gertsch examines dichotomies like that of the vibrant city or serene nature and takes a critical look at society. Color and light-dark contrasts fascinate the artist; the picture carrier enables her to accentuate light and shadow. Her works show emotions and interpersonal interactions, in a world supersaturated with visual and acoustic effects.

• Reverse glass painting as a critical mirror of´contemporary society
• First-time presentation of the new series of works Golden Light

At the beginning of the twentieth century, the avant-garde discovered glass as a material and examined its utopian potential. Glass artworks like Bruno Taut’s contribution to the Werkbund Fair of 1914 or the founding of the “Crystal Chain” in 1919 are well known. Transparent, fluid, sacred, and diaphanous—iterature smoothed the way to the glass avant-garde, and the conceptualizations became concrete in places where glass was produced, for instance in Dusseldorf. Glass serves until today as a transmitter of artistic design, as an abstracting element, an engine in the project of universal lessons between art and society. The volume examines glass as a material and image of thought in an interdisciplinary perspective from the cultural history of the twentieth century to soft matter physics.

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

Mit dem aktualisierten Editionsplan wird die Printausgabe im Jahr 2022 abgeschlossen. Dafür wird der Anteil von Artikeln verstärkt, die nur online erscheinen.

Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

Jeder Artikel bietet in übersichtlicher Gliederung:

• den Namen und alle bekannten Namennebenformen. Pseudonyme, Mädchennamen oder bisher irrtümlich zugeordnete Namen werden entschlüsselt, Verweisungen auf den Haupteintrag jeweils eingefügt.
• die Lebensdaten mit einer Werk- und Schaffenscharakteristik.
• Informationen zum Einfluss der Künstlerin/des Künstlers auf das jeweilige kulturelle Umfeld
• eine Auswahl der Werke mit ihren Standorten
• eine Auswahl der Ausstellungen
• ausführliche Hinweise auf Selbstzeugnisse und Schriften der Künstlerin/des Künstlers
• eine umfassende Bibliographie. Auch auf Einträge in anderen Nachschlagewerken, ungedrucktes Quellenmaterial und Kataloge wird hingewiesen.
• Die Signatur am Ende eines jeden Artikels verweist auf den jeweiligen Verfasser oder Redakteur.

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Ein japanisches Teehaus, eine Soundinstallation mit nigerianischen Klängen, ein zweigeteilter Flaggenmast aus Bronze: Auf den weiten Flächen des Berliner Humboldt Forums sind zahlreiche, teils raumgreifende Werke zeitgenössischer Kunst zu entdecken. In den Ausstellungen des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst bereichern Werke von Künstler*innen aus verschiedenen Herkunftsgesellschaften die Sammlungen. Daneben wurden im Humboldt Forum sieben Werke der Kunst am Bau realisiert, die sich mit der Geschichte des Ortes oder mit dem Humboldt Forum als „Ort der Welt", der Begegnung und des Austauschs befassen oder die Namensgeber Wilhelm und Alexander von Humboldt würdigen. Dieses Buch stellt die Kunstwerke in informativen und assoziationsreichen Texten sowie eindrucksvollen Fotografien vor.

(Bilingual edition: English / German)

Dialogical action in art

• “Silent activism” as a relevant artistic practice – a portrait of Barbara Holub’s transdisciplinary work
• A remarkable archive of critically engaged artistic interventions
• New perspectives for the practice of participatory art

• Dialogisches Handeln in der Kunst

Dialogisches Handeln in der Kunst

• „Stiller Aktivismus“ als relevante künstlerische Praxis – Barbara Holubs transdisziplinäre Arbeit im Porträt
• Ein bemerkenswertes Archiv kritisch engagierter Kunstinterventionen
• Neue Perspektiven für eine partizipatorische Kunstpraxis

The work of Friedl Dicker-Brandeis (1898–1944) occupies a key position in the broader history of the Austrian avant-garde while also deepening our understanding of modernism.

Her work covers an impressive range of media and genres in the visual and applied arts. Influenced by her studies at Vienna’s Kunstgewerbeschule (which later became the University of Applied Arts Vienna), the Itten Private School, and the Bauhaus in Weimar, she worked as a painter, stage designer, architect, designer in Vienna and Berlin, in exile, and as a deportee.

This book explores the heterogeneity of Dicker’s work, reconstructs her artistic strategies and references to aesthetic and political discourses from the 1920s to the 1940s, and documents for the first time her works in the collection of the University of Applied Arts Vienna.

(Bilingual edition: English/ German)

Rubens’s The Crucifixion of Saint Peter still hangs today in the location for which it was created, in the parish church of St. Peter in Cologne. Thanks to the beneficence of the merchant Eberhard III Jabach and his wife, Anna Reuter, the painter from Antwerp produced this final, very personal picture at the end of his life. Until today, the painting continues to be shown in the location for which it was created. The occasion for an in-depth interdisciplinary engagement with this work was an examination of its condition in 2018, which led to the current examinations and the restoration of the work. Rubens’s The Crucifixion of Saint Peter is being honored for the first time with a monographic study that brings together insights from history, iconography, art-historical context, and the work technique.

Rubens’ Kreuzigung Petri hängt bis heute am Ort ihrer ersten Bestimmung, in der Pfarrkirche St. Peter in Köln. Die Kirche der Jesuiten ist zugleich Kunststation Sankt Peter Köln, deren Ursprünge in der Ankunft der Kreuzigung Petri liegen. Aus der Stiftung des Kölner Kaufmanns Eberhard III. Jabach und seiner Frau Anna Reuter schuf der Antwerpener Maler am Ende seines Lebens dieses letzte, sehr persönliche Bild für die Pfarrkirche seiner Kindheit und die Grabkirche seines Vaters. Bis heute wird die Kreuzigung Petri am Ort ihrer Bestimmung präsentiert. Anlass für die intensive, interdisziplinäre Beschäftigung mit diesem in jeder Hinsicht herausragenden Werk war eine Zustandsüberprüfung 2018, die zu den aktuellen Untersuchungen und der Restaurierung führte. Erstmals wird die Kreuzigung Petri von Peter Paul Rubens mit einer monografischen Studie gewürdigt, die die Erkenntnisse aus Geschichte, Ikonografie, kunsthistorischem Kontext und Werktechnik in deutscher und englischer Sprache zusammenfasst.

The book includes articles, documentation and a catalog of the Ethnographic Department of the Museum of the Contemporary. It is the fruit of a long-term project carried out at the Mamuta Art and Research Center and curated by the Sala-Manca Group. It contains articles by Yoram Bilu, Rachel Elior, Freddie Rokem and Diego Rotman on the Dybbuk; by Galit Hasan-Rokem and Daphna Ben-Shaul on Sukkot, and on the Eternal Sukkah project; by Shalom Sabar on electric Shabbat candles, and by Lea Mauas and Diego Rotman on different art projects. The book also includes documentation of artworks and a project by Itamar Mendes-Flohr, Yeshaiahu Rabinowtz, Ktura Manor, Hannan Abu Huseein, Reuven Zehavi, Sala-Manca, Samuel Rotman, Shira Borer, Nir Yahalom, Chen Cohen, Pessi Komar, Adi Kaplan, and Shahar Carmel, among others.

Ethnography meets contemporary art – a project of the Museum of the Contemporary, Jerusalem

École de Paris steht seit jeher für die internationale Pariser Kunstszene zu Beginn des 20. Jahrhunderts, untrennbar verbunden mit auratischen Namen wie Picasso oder Matisse. Doch daneben wirkten in der École de Paris auch Porträtisten und Porträtistinnen, deren mondäne Damenporträts in der Pariser Gesellschaft sehr beliebt waren: U.a. Paul-César Helleu, Giovanni Boldini, Marie Laurencin, Kees van Dongen und Jacqueline Marval kreierten mit dem Portrait à la mode ein eigenes Genre, das – im Schatten der Avantgarde – kunsthistorisch bisher wenig Beachtung fand. Stets auf der Höhe der Zeit bieten die Portraits à la mode Anlass zu einer kritischen Betrachtung der Gesellschaft, der Mode und des sich wandelnden Frauenbildes während der Belle Époque, der Zwischenkriegszeit und der „Verrückten Zwanziger".

(Bilingual edition: Englsih / German)

• Revolutionary 360-degree portraits as facial landscapes
• Essential essays by the authors on the chronistic visual worlds of the Surfaces

Diesen Fotografien ist etwas Magisches zu Eigen; sie zeigen Gesichter, wie sie nie gesehen wurden – technisch hochgerüstet und archaisch zugleich. Die 360-Grad-Porträts des Künstler-Duos Koschies dekonstruieren gewohnte abendländische Ansichten. Sie organisieren sich auf keinen Fluchtpunkt hin, sondern ereignen sich restlos in der Fläche. Mit ihren faszinierenden Schlitzkamera-Aufnahmen betreten die Künstler neues visuelles Terrain. Nicht auf der Basis digitaler Manipulationen, sondern durch den gestalterisch eingesetzten Einfluss der Zeit bei der Aufnahme selbst. Wie seinerzeit die impressionistischen Darstellungen für die Wahrnehmung der akademisch geschulten Kunstbetrachter einen Schock bedeuteten, wirken diese Bildnisse als massive Herausforderung für die vorwiegend durch traditionelle Fotografie imprägnierten Augen der spätmodernen Adressaten.

Großformatiger Bildband mit Rundum-Porträts als Gesichtslandschaften. Essays von Sigrid Weigel, Klaus Honnef, Christoph Tannert zu den Bildwelten der Surfaces. Das Porträt betrachtet als eine radikale optische Expedition in die Perspektive der Zeit.

Die nationalsozialistische Kunstpolitik prangerte Otto Dix (1891-1969) und sein veristisches Werk als »sittlichkeitsgefährdend« und »den Wehrwillen des deutschen Volkes beeinträchtigend« an. Als Reaktion wandelte sich Dix zu einem Maler, der motivisch und stilistisch zwischen Konservatismus und kritischer Stellungnahme oszillierte und trotz Verfemung nach Anerkennung suchte. Dieser erzwungene künstlerische Umbruch führte auch zu »verborgenen«, teils subversiven, teils widersprüchlichen Ikonografien, denen sich das vorliegende Buch widmet.

Analysiert wird die Kunst des Malers vor dem Hintergrund der kunstpolitischen Entwicklungen in Deutschland von der Weimarer Republik bis in die Nachkriegszeit; sämtliche Gattungen – Landschaften, Porträts und (christliche) Figurenbilder – werden betrachtet.

Die Raumskulptur von 1963 des Künstler Zoltan Kemeny im Glasfoyer der Städtischen Bühnen Frankfurt am Main prägt das Gesicht des Hauses. Von weit her sichtbar, kontrastiert das über 100 Meter lange Kunstwerk in seiner organischen Dynamik und betonten Handwerklichkeit mit der Architektur des Gebäudes. Aufbauend auf neuen Forschungen stellt das Buch Künstler, Kunstwerk und die Genese und Rezeption des den Frankfurtern ans Herz gewachsenen Werks in Text und Bild vor. Neue studentische Entwürfe zeigen unterschiedliche Optionen auf, wie der Erhalt des vor kurzem unter Denkmalschutz gestellten Werkes mit einer konzeptionellen Revision der Städtischen Bühnen Hand in Hand gehen können

Wie viele Künstlerinnen wurde auch Lotte Laserstein (1898–1993) lange von der Kunstgeschichte ignoriert. Aufgrund ihrer jüdischen Herkunft musste die Malerin, die als eine der ersten Frauen ein Akademiestudium absolviert hatte und im Berlin der 1920er-Jahre erste Erfolge feierte, 1937 nach Schweden emigrieren. In Deutschland geriet sie für Jahrzehnte in Vergessenheit.

Vor dem Hintergrund aktueller Debatten zu Gender und Diversität beeindruckt vor allem Lasersteins souveräner Blick auf die großstädtischen, selbstbewussten Frauen ihrer Zeit. Thematisch stehen ihre Bildnisse und Akte der Neuen Sachlichkeit nahe, doch sind Lasersteins Darstellungen frei von unterkühlter Glätte und bissiger Schärfe. Vielmehr zeichnet sich ihr Realismus durch einfühlsame Beobachtung, malerische Sinnlichkeit sowie ein raffiniertes Spiel mit traditionellen und modernen Bildformeln aus.

An unterschiedlichen Erscheinungsformen von Landschaft werden in diesem Band Fragen ihrer Identifizierung, Konstruktion und Ausprägung angesprochen. Dabei kommt Landschaft gleichsam als Archiv medial vermittelter und in sie eingeschriebener Handlungen, Werte und Bedeutungen und diese aufschließender Wahrnehmungsweisen in den Blick. Derart als Umwelt in weitestem Sinne verstanden, konkretisiert sie sich sowohl als Siedlungs- und wirtschaftlicher Funktions- und Produktionsraum als auch als Daseinsform von Biodiversität. Die Landschaft korrespondiert dieser Sichtweise als Ort einer gestalteten, der menschlichen Erbauung dienenden Natur. Die Beiträge überwinden den scheinbaren Gegensatz zwischen Natur und Kultur und werden der Komplexität von Landschaft gerecht.

Mit Beiträgen herausragender Expert/-innen auf dem Feld der ostasiatischen Kunstgeschichte und Glaskunst eröffnet die vorliegende Publikation einen kulturübergreifenden Dialog, wobei der Schwerpunkt auf einem bislang wenig untersuchten Bereich asiatischer Kunst liegt. Erstmals wird ein umfassender Überblick über die chinesische Hinterglasmalerei präsentiert und ihrer langen Geschichte, ihrer lokalen und globalen Verbreitung sowie ihren künstlerischen und technischen Eigenschaften nachgegangen. Die fragilen Kunstwerke, die untersucht werden, wurden sowohl für den Export nach Europa als auch für den Verkauf in China selbst produziert. Sie sind von größter Bedeutung für die visuelle Kultur Chinas und legen Zeugnis vom intensiven kulturellen und künstlerischen Austausch zwischen China und dem Westen ab.

(bilingual edition: English / German)

An interplay of line, form, space

Der österreichische Kulturbetrieb steht vor der größten Existenzkrise seit Beginn der Zweiten Republik. Die konzeptionellen Grundlagen der österreichischen Kulturpolitik stammen aus den 1970er-Jahren und kommen mit den Auswirkungen der Pandemie an ihre Grenzen. Das Buch verdeutlicht die Dringlichkeit, die Beziehungen zwischen Kulturbetrieb und Gesellschaft durch Künstler:innen, Vermittler:innen, Nutzer:innen neu zu verhandeln.

Mit einer Reihe langjähriger Beobachter:innen macht sich Michael Wimmer auf die Suche nach einer zeitgemäßen Kulturpolitik: Ziel ist es, Kunst und Kultur jenen Stellenwert in der Gesellschaft einzuräumen, den sie verdienen.

Konzipiert als dialogische Streitschrift, werden zentrale Felder einer neuen Agenda der Kulturpolitik verhandelt, um eine breitere kulturpolitische Diskussion anzustoßen.

What changes when we religiously worship the toxic? In this era of catastrophe, can a cosmic connection be achieved through a cult of pollution? Toxic Temple is an artistic-philosophical quest to understand the current parlous state of the world.

We offer our inner contradictions and destructive lusts as objects of worship. We enter wastelands instead of new territory, leaving space for artifacts, expressing solidarity with the factual.

We encounter colorful assemblages of things that connect the known cosmos, tread the shaky ground of novel divinity, inhale pungent odors that transport us to the sublime. Garbage dumps are the new temples. In a mania of sadistic composure we breathe in the here and now. Transformative forces are released, free radicals; rituals that expose the chaos that lurks beneath the surface.

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

Mit dem aktualisierten Editionsplan wird die Printausgabe im Jahr 2022 abgeschlossen. Dafür wird der Anteil von Artikeln verstärkt, die nur online erscheinen.

Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

Jeder Artikel bietet in übersichtlicher Gliederung:

• den Namen und alle bekannten Namennebenformen. Pseudonyme, Mädchennamen oder bisher irrtümlich zugeordnete Namen werden entschlüsselt, Verweisungen auf den Haupteintrag jeweils eingefügt.
• die Lebensdaten mit einer Werk- und Schaffenscharakteristik.
• Informationen zum Einfluss der Künstlerin/des Künstlers auf das jeweilige kulturelle Umfeld
• eine Auswahl der Werke mit ihren Standorten
• eine Auswahl der Ausstellungen
• ausführliche Hinweise auf Selbstzeugnisse und Schriften der Künstlerin/des Künstlers
• eine umfassende Bibliographie. Auch auf Einträge in anderen Nachschlagewerken, ungedrucktes Quellenmaterial und Kataloge wird hingewiesen.
• Die Signatur am Ende eines jeden Artikels verweist auf den jeweiligen Verfasser oder Redakteur.

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Emil Orlik (1870–1932) war Maler, Grafiker, Fotograf, Exlibris-Künstler, Medailleur und Kunsthandwerker: ein Allround-Talent. Entscheidend für seine künstlerische Entwicklung wurde eine Reise nach Japan 1900/1901, wo er bei japanischen Meistern die Kunst des Holzschneidens erlernte. In Wien war er Mitglied der Secession. 1904 erhielt er einen Ruf als Professor nach Berlin, wo er für Max Reinhardt Bühnenbild- und Kostümentwürfe schuf. In Berlin war Orlik eine feste gesellschaftliche Größe. Seine Porträts von Persönlichkeiten aus Kunst, Theater, Musik, Literatur, Film, Kabarett und Politik sind ein Kaleidoskop des geistigen, kulturellen und Wirtschaftslebens der Weimarer Republik. Orlik unternahm zahlreiche Reisen, die ihn neben Europa und der USA nach China, Korea, Ägypten, Nubien und erneut nach Japan führten. Sein Werk spiegelt seine Neugier auf die Welt und die Vielfältigkeit dieses Ausnahmekünstlers. Sein umfangreiches druckgrafisches Werks – Holzschnitte, Radierungen und Lithografien – wird nun erstmals ausführlich dokumentiert und im vorliegenden Werkverzeichnis präsentiert.

Circulation and imitation are key factors in shaping the material world. The authors in this volume explore how technical knowledge, immaterial desires, and political agendas impact the production and consumption of visual and material culture across times and places. Their essays map multidirectional transactions for cultural goods in which source countries can be positioned at the center.

Rhapsodic – literally to stitch or weave songs – paired with objects – from thrown against – intertwines complexity and action. Rhapsodic objects thus beckons to the layered narratives of the objects themselves, their making, and their reception over time. The concept further underlines their potential to express creativity, generate emotion, and reveal histories – often tainted with violence.

Johann Wolfgang von Goethe should be taken seriously when he calls himself a "sculptor." He created models himself. As a designer of monuments, advisor to Johann Gottfried Schadow and Christian Friedrich Tieck, and friend of Christian Daniel Rauch, as a poet with his own sculptural ideas, and as a morphologist with a dynamic concept of form, the formation of self and responsibility for the world are his themes. This study deals for the first time with Goethe’s engagement with sculpture and also reveals his unwritten sculptural aesthetics. What do "sensual laws of art," the unity of "language and sculpture," rhythm, metamorphosis, the power of education, and "organic whole" mean for him? It is shown that these keywords also interested modern sculptors like Andreu Alfaro, Joseph Beuys, Eduardo Chillida, Ewald Mataré, or Henry Moore.

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

Mit dem aktualisierten Editionsplan wird die Printausgabe im Jahr 2022 abgeschlossen. Dafür wird der Anteil von Artikeln verstärkt, die nur online erscheinen.

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Die Kunst der letzten 150 Jahre wurde bislang primär als eine Folge revolutionärer Veränderungen des Sehens begriffen. Die Moderne wurde deswegen zu wenig nach ihren Inhalten befragt. Die vorliegende Publikation führt anschaulich vor Augen, dass ältere und älteste Ressourcen – Themen wie Formregulative – in der Kunst durch Fortleben und in Wechselbeziehung von Kunst und Philosophie, Naturwissenschaften und einer erweiterten Form des Sehens eine neue Bedeutung gewinnen. Dabei wird die westliche Kunst zu den Weltkulturen in Bezug gesetzt. Die Untersuchungen stehen in der Tradition der ikonologischen Forschung, unterscheiden sich jedoch von ihr dadurch, dass sie die Relativierung des Normativen durch das Individuelle berücksichtigen. Die Ergebnisse stehen in bewusst kritischer Distanz zu vorgeblicher Progressivität und ebenso reaktionären Urteilen.

The text volume complements a catalogue of more than 1,100 glass paintings from the 14th to the 21st century, published on the open-access platform of the Vitrocentre Romont (vitrosearch.ch).

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

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Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

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• den Namen und alle bekannten Namennebenformen. Pseudonyme, Mädchennamen oder bisher irrtümlich zugeordnete Namen werden entschlüsselt, Verweisungen auf den Haupteintrag jeweils eingefügt.
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Carl Gustav Carus (1789–1869) gilt als „Universalgelehrter" im Sinne Goethes und Alexander von Humboldts und als Vertreter der Romantik in Dresden im Umfeld von Caspar David Friedrich und Johan Christian Dahl. 55 Jahre wirkte Carus als Arzt und Naturwissenschaftler, Philosoph und Künstler in Dresden. Ausgehend von dem umfangreichen Werkbestand, den die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden mit 22 Gemälden und mehr als 700 Zeichnungen und Druckgrafiken von Carl Gustav Carus besitzen, beleuchtet der Katalog zu einer Ausstellung in Dresden und Berlin Carus’ umfangreiches und außerordentlich vielfältiges Lebenswerk. Er zeigt Carus’ künstlerisches Œuvre von den Anfängen über Landschaftsmotive nach Reiseeindrücken und Naturstudien bis hin zu poetisch-romantischen Bildkompositionen. Dem gegenüber stehen seine biografischen, kunsttheoretischen, medizinischen und naturwissenschaftlichen Schriften, die in ihrer Gesamtheit erstmals so umfassend Betrachtung finden. Exponate aus Carus’ anthropologischer Sammlung werden vorgestellt und seine Beziehungen zu Zeitgenossen wie Johann Wolfgang von Goethe, Caspar David Friedrich oder Alexander von Humboldt beleuchtet.

• Universaler Denker der Romantik
• Zeitgenosse und Weggefährte von Caspar David Friedrich und Goethe

Das Wasser: Metapher für heilendes Element oder Symbol für zerstörerische Urkraft? In den Werken des Jugendstils schaffen (be)rauschende Wellen, Fische, Quallen und Muscheln oder Wesen aus mythologischen Erzählungen einen Imaginationsraum, der einerseits die Wünsche und Träume der Menschen bedient und andererseits als geheimnisvolle Parallelwelt schaudern lässt. Der Sehnsuchtsort Wasser wird mit über 250 Werken präsentiert: Japonistisch anmutende Arbeiten, schillernde Keramiken eines Émile Gallé und düster mythologische Malerei wie die des deutschen Künstlers Fidus führen in unglaublicher Vielfalt die Idee des Gesamtkunstwerks vor Augen. Dabei wird das Thema "Wasser im Jugendstil" international, regional und interdisziplinär beleuchtet – etwa mit Blick auf Literatur, Musik oder geschichtlichen Kontext.

In 2021, the Deutscher Kunstverlag celebrates its 100th anniversary, which is extraordinary in light of the eventful history of Germany, and a not always easy, but always fascinating publishing segment—art—as well as considering the rapid developments in publishing. The publishing house was established in 1921 at the behest of the Prussian State. With its photographs of artistically significant buildings, the archive of its Staatliche Bildstelle (state picture archive) provided the basis for marketing photos in the form of books, pictures, and postcards.

Over the course of a century, innumerable high-quality, significant, beautifully illustrated, but also whimsical publications and standard works have been published. One hundred outstanding books were selected for presentation in this volume—instead of a classic commemorative publication, the publishing house has produced a stimulating bibliophile journey of discovery through the century.

Siegfried Kracauer war nicht nur einer der vielseitigsten Publizisten des 20. Jahrhunderts, sondern auch passionierter Kinogänger. Sein Hobby professionalisierte er als Filmkritiker und -theoretiker.

In diesem Band werden ausgewählte Schriften Kracauers zum Film bis zum Beginn seines amerikanischen Exils 1941 behandelt. Sie stellen bedeutende filmgeschichtliche und kulturhistorische Zeugnisse der Weimarer Republik dar. Neue Interpretationen für wenig bearbeitete Werkbereiche wie die Filmideen Kracauers werden vorgestellt und frühere Deutungsansätze zu seiner Sicht auf weibliche Zuschauer einer Revision unterzogen. Eine Vielzahl von visuellen Medien der Zeit wie Magazin- und Zeitungsillustrationen oder Zigarettensammelbildchen, aber auch Gemälde z.　B. von Edward Hopper, werden bildwissenschaftlich analysiert.

Zeichnungen auf farbig hergestellten oder farbig grundierten Papieren spielen in der Zeichenkunst der Frühen Neuzeit eine herausragende Rolle. Welchen Einfluss etwa auf Linienführung, Farbverwendung und Licht-Schatten-Modellierung hatte die einfarbige Fläche bei der Ausführung der Zeichnungen? Welche spezifischen Deutungshorizonte stehen in Zusammenhang mit dieser Zeichentechnik?

Die Beiträge des Bandes gehen erstmals diesen Fragen anhand von Fallbeispielen aus Nord und Süd nach. Methodisch aktuell und multiperspektivisch bieten sie grundlegend neue Ergebnisse zu bildtheoretischen Fragen der Evidentia sowie zu kunsttechnologischen Untersuchungen. Im Zentrum stehen dabei Werke u.a. von Lorenzo Monaco, Benozzo Gozzoli, Hans Pleydenwurff, Hendrick Goltzius, Rembrandt, Govert Flinck, Nicolas Poussin, Caspar Fraisinger.

Mit einem Epiolog von Anne Eusterschulte.

The British painter Francis Bacon (1909–1992) is famed for his idiosyncratic mode of depicting the human figure. Thirty years after his death, his working methods remain underexplored. New research on the Francis Bacon Studio Archive at Hugh Lane Gallery, Dublin, sheds light on the genesis of his works, namely the photographic source material he collected in his studios, on which he consistently based his paintings.

The book brings together the artist’s pictorial springboards for the first time, delineating and interpreting recurring patterns and methods in his preparatory work and adoption of photographic material. In addition, it correctly locates ‘chance’ as a driving force in Bacon’s working method and qualifies the significance of photography for the painter.

This lavishly illustrated publication on the Bröhan Museum’s collection, established in 1973 by entrepreneur and collector Karl H. Bröhan (1921–2000), surveys the main trends in the history of design between 1890 and 1940. From French Art Nouveau and the British Arts and Crafts movement, the book proceeded to Jugendstil and the German Werkstätten, Viennese Modernism and the international Art Déco movements, then all the way on to the functionalist design of the 1930s. It uses 100 objects or pairs of objects to vividly communicate the history of art and collecting. A special section is devoted to the artists of the Berlin Secession. A must for fans of Jugendstil, Art Déco and functionalist design!

Edouard Manet (1832–1883) war einer der berühmtesten Maler des 19. Jahrhunderts – Zacharie Astruc (1833–1907) ist bis heute als Künstler nahezu unbekannt: Zunächst machte er als Kunstkritiker von sich reden, und als Erster verteidigte er öffentlich die Werke Manets. Mehrfach porträtierte Manet ihn: Mit dem Bildnis des Zacharie Astruc von 1866 schuf Manet ein programmatisches Statement zum Geschmack der Avantgarde. Das Bild spielt auf vieles an, was die beiden liebten – japanische Kunst, Spanienmode, die Malerei der alten Meister und die Musik. Die Meisterwerke Manets stehen im Mittelpunkt einer großen Ausstellung der Kunsthalle Bremen und und ihrer begleitenden Publikation. Untersucht werden die gemeinsamen Themen von Manet und Astruc: Dabei laden die Bilder Manets neben den Skulpturen und Aquarellen Astrucs zum unmittelbaren Vergleich ein. Ihr künstlerisches Umfeld wird in Gemälden von Henri Fantin-Latour, Claude Monet und Pierre-Auguste Renoir sichtbar.

This book illuminates for the first time the pivotal role of verse-writing as a cultural strategy on the part of Italian Renaissance artists. It does so by undertaking a wide-ranging analysis of poems by painters, sculptors, architects, and goldsmiths who were active in Florence under Cosimo I and Francesco I de’ Medici – a milieu in which many artists were also literary practitioners and even appropriated the poetic medium to address issues primarily related to art-making.

The study thus intervenes in the burgeoning scholarly discourse on　the early modern doctus artifex – the figure well versed in a variety of intellectual activities – while also challenging　the traditional marginalization of poetry in comparison with artists´ prose writings.

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

Mit dem aktualisierten Editionsplan wird die Printausgabe im Jahr 2022 abgeschlossen. Dafür wird der Anteil von Artikeln verstärkt, die nur online erscheinen.

Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

Jeder Artikel bietet in übersichtlicher Gliederung:

• den Namen und alle bekannten Namennebenformen. Pseudonyme, Mädchennamen oder bisher irrtümlich zugeordnete Namen werden entschlüsselt, Verweisungen auf den Haupteintrag jeweils eingefügt.
• die Lebensdaten mit einer Werk- und Schaffenscharakteristik.
• Informationen zum Einfluss der Künstlerin/des Künstlers auf das jeweilige kulturelle Umfeld
• eine Auswahl der Werke mit ihren Standorten
• eine Auswahl der Ausstellungen
• ausführliche Hinweise auf Selbstzeugnisse und Schriften der Künstlerin/des Künstlers
• eine umfassende Bibliographie. Auch auf Einträge in anderen Nachschlagewerken, ungedrucktes Quellenmaterial und Kataloge wird hingewiesen.
• Die Signatur am Ende eines jeden Artikels verweist auf den jeweiligen Verfasser oder Redakteur.

Seit Januar 2010 bieten wir eine Kombi Print + Online im Jahresabonnement an. Mehr Informationen erhalten Sie auf der Produktseite www.degruyter.de/akl.

Welche Effekte die interdisziplinäre Zusammenarbeit zwischen den Bereichen Provenienzforschung und Kunst- und Kulturgutschutzrecht haben können, zeigt dieser Band exemplarisch. Der Bogen der kunsthistorischen Beiträge spannt sich dabei von Kulturgütern aus kolonialen Kontexten über NS-Raubgut und Fragen des Kulturgutentzugs in der SBZ und DDR bis hin zu methodologischen Fragestellungen. Die juristischen Aufsätze setzen sich mit Grundfragen des Kunst- und Kulturgutschutzrechts auseinander, etwa mit den zivilrechtlichen Implikationen des neuen Kulturgutschutzgesetzes, normwissenschaftlichen Implikationen der Forderung nach "gerechten und fairen Lösungen" gemäß der Washingtoner Prinzipien zum Umgang mit nationalsozialistischer Raubkunst und schließlich juristischer Reaktionen auf Entwicklungen der Bildwissenschaften.

(Italian, English, German)

La storia del collezionismo nell’età moderna è caratterizzata da una progressiva diversificazione degli interessi, l’internazionalizzazione del mercato e la crescente professionalità degli attori coinvolti. I saggi nel volume ruotano intorno a importanti figure di collezionisti finora poco indagati, di differenti categorie ed estrazione, quali nobili, commercianti, eruditi e musicisti, oltre ad agenti, conoscitori e mercanti d’arte in Italia, Austria, Spagna e Francia. L’analisi sistematica di nuove fonti documentarie (inventari, corrispondenze, libri di conti) si integra così nella discussione metodologica, aprendo nuove prospettive di ricerca sugli intenti e le pratiche del collezionismo.

The history of collecting in the Early Modern period is marked by an increasing differentiation of collection interests, the internationalization of the art market, and the growing professionalism among the persons involved. At the core of the articles in this book are important, previously rarely studied collectors, including nobles, merchants, scholars and musicians, not to mention agents, art connoisseurs and art dealers from Italy, Austria, Spain and France. Here, the systematic disclosure of documentary sources (inventories, correspondence, account books) is linked up with questions of methodology, opening up new perspectives on intentions and practices in art collecting.

Kurt W. Streubel (1921–2002) war ein Maler und Druckgrafiker, der sich trotz widriger Umstände in der DDR konsequent der abstrakten Kunst verschrieb. Seit 1951 dem Formalismusverdikt unterlegen, schuf Streubel in innerer Emigration in Gotha lebend ein bemerkenswertes Œuvre, das abstrakte und ungegenständliche Werke, konkrete Poesie, Textilentwürfe und Gebrauchsgrafik umfasst. Wenngleich die kunsthistorische Forschung seit ein paar Jahren die Kunst der DDR differenzierter in den Blick nimmt, findet die gegenstandslose, konkrete und konstruktivistische Kunst noch immer wenig Beachtung – so auch Streubel. Sein durch das Studium an der Nachfolgeinstitution des Bauhauses in Weimar geprägtes und an der europäischen Moderne orientiertes Werk wird in diesem Band erstmals umfassend kunsthistorisch beleuchtet.

Der Rimini-Altar zählt zu den Spitzenleistungen transalpiner Bildhauerkunst der 1430er-Jahre und ist ein Hauptwerk der Liebieghaus Skulpturensammlung in Frankfurt/M. 1913 erworben, weckten die 12 Apostelstatuetten und die von ihnen flankierte vielfigurige Kreuzigung wegen des speziellen Materials Alabaster, des Umfangs des südniederländischen Figurenensembles, aber auch aufgrund seiner enormen künstlerischen und handwerklichen Qualität stets großes Interesse nicht nur beim Fachpublikum. Die langjährige Restaurierung der Skulpturen gab Anlass zu intensiver technologischer, geochemischer und kunsthistorischer Forschung. Neues und Überraschendes trat zutage. Diese Erkenntnisse werden ebenso wie die neuen Methoden der Restaurierung in dieser ersten monografischen Bearbeitung des Rimini-Altars anschaulich dargestellt.

The book provides a comparison of contemporary art by analyzing female aesthetic subjectivity within a global context.
The starting point is a comparison between the work of Tracey Karima Emin and He Chengyao.

Kwan Kiu Leung demonstrates why their work constitutes not only the self, but they practice an ontological identification relationship between subjectivity and artwork that exhibits three aspects of their subjectivity: performativity, visibility, and univocity. Furthermore, it reveals an ontological and ethical self within their naked self-portraits.

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A series of numbers was tattooed on prisoners’ forearms only at one location - the Auschwitz concentration camp complex. Children, parents, grandparents, mostly Jews but also a significant number of non-Jews scarred for life. Indelibly etched with a number into their flesh and souls, constantly reminding them of the horrors of the Holocaust.

References to the Auschwitz number appear in artworks from the Holocaust period and onwards, by survivors and non-survivor artists, and Jewish and non-Jewish artists. These artists refer to the number from Auschwitz to portray the Holocaust and its meaning. This book analyzes the place that the image of the Auschwitz number occupies in the artist’s consciousness and how it is grasped in the collective perception of different societies. It discusses how the Auschwitz number is used in public and private Holocaust commemoration. Additionally, the book describes the use of the Auschwitz number as a Holocaust icon to protest, warn, and fight against Holocaust denial.

Astronomische Tischuhren zählten in der Frühen Neuzeit zu den komplexesten und auch teuersten Objekten, die in den süddeutschen Handwerkszentren wie Augsburg oder Nürnberg hergestellt wurden. So sehr die zahlreichen Informationen über unterschiedliche Zeitsysteme, die Positionen von Sonne, Mond und Tierkreis und vieles andere beeindrucken, so sehr überrascht ein zentrales Gestaltungsprinzip der Tischuhren: Ihre Einkleidung in die Form anderer Objekte. Die Studie zeigt, wie die Uhrmacher formelle Strategien entwickelten, um ihre handwerkliche Virtuosität und Gelehrsamkeit in Szene zu setzen. Astronomische Tischuhren, die mit Gehäusen in der Form von Turm, Spiegel oder Buch ausgestattet wurden, übernahmen dabei die symbolischen Deutungen dieser Artefakte als technische Wunder, Abbilder des Kosmos und Behälter für himmlisches Wissen. Von der Erfindung des Federantriebs bis zur Durchsetzung der Pendeluhr bietet die Studie zahlreiche Erkenntnisse zur Praxis und Vermittlung von Technik, Kunst und Wissenschaft.

Die Galerie Schmela, gegründet 1957 in Düsseldorf, wurde durch ihr frühes Engagement für die zeitgenössische amerikanische Kunst in den 1960er Jahren zu einem Motor des transatlantischen Kunsttransfers. Die Monographie fokussiert auf die Zeitspanne der ersten zehn Jahre nach der Gründung der Galerie Schmela, da in diesem Zeitraum die entscheidenden Impulse für die Weichenstellungen des internationalen Kunstmarkts von ihr ausgingen.

Beleuchtet werden Alfred Schmelas innovative Erprobung zukunftsfähiger Ausstellungspraktiken und Vernetzungsstrategien, die für spätere Generationen von Galeristen und Kunsthändlern wegweisend waren. Damit setzt sie dem „Mythos Schmela" eine wissenschaftlich fundierte, auf der Analyse des Galeriearchivs basierende Position entgegen.

Medusa ist einer der größten Werkkomplexe von Martin Kippenberger. Der Künstler bezieht sich in dem 1996 geschaffenen Werk auf Théodore Géricaults Historiengemälde Das Floß der Medusa. Erstmals wird mit der Studie eine historisch-kritische Analyse des Medusakomplexes vorgelegt und damit nicht nur ein Hauptwerk des Künstlers erschlossen, sondern auch ein zentraler Beitrag zum Verhältnis von zeitgenössischer Kunst und Tradition geleistet.

Der Aufstieg des florentisch-römischen Geschlechts der Barberini fand seinen Höhepunkt im Pontifikat Urbans VIII. (1623 – 1644). Doch die Geschichte der Familie setzte sich über mehrere Generationen fort. Erstmals nimmt die Publikation das nachpontifikale Kunstmäzenatentum der Barberini in den Blick und zeigt an Werken wie der Barberini-Palastkirche in Palestrina, wie Kunst als Teil des familiären Überlebenskampfes eingesetzt wurde.

This volume explores the relationship between temporality and presence in medieval artworks from the third to the sixteenth centuries. It is the first extensive treatment of the interconnections between medieval artworks' varied presences and their ever-shifting places in time. The volume begins with reflections on the study of temporality and presence in medieval and early modern art history. A second section presents case studies delving into the different ways medieval artworks once created and transformed their original viewers' experience of the present. These range from late antique Constantinople, early Islamic Jerusalem and medieval Italy, to early modern Venice and the Low Countries. A final section explores how medieval artworks remain powerful and relevant today. This section includes case studies on reconstructing presence in medieval art through embodied experience of pilgrimage, art historical research and museum education. In doing so, the volume provides a first dialog between museum educators and art historians on the presence of medieval artifacts. It includes contributions by Hans Belting, Keith Moxey, Rika Burnham and others.

Eine Gesamtdarstellung der vielfältigen Beziehungen zwischen Kunst und Religion vom Spätmittelalter bis ins 18. Jahrhundert fehlt bisher. Das vorliegende Werk geht diesen Beziehungen in den Bereichen der bildenden Kunst, der Literatur und der Musik nach. Die Kunst dieses Zeitraums ist weitgehend religiös, genauer gesagt: christlich geprägt. Das gilt nicht nur für das Mittelalter, dessen scholastische Theologie ihren dichterischen Niederschlag in Dantes „Göttlicher Komödie" findet, sondern auch für die Renaissance. Die christliche Prägung betrifft Werke der bildenden Kunst, aber auch musikalische Kompositionen wie Messen, die entweder kirchliche Auftraggeber haben oder für Kirchen und kirchliche Einrichtungen in Auftrag gegeben werden.

Die Reformation bedeutet in dieser Hinsicht keinen grundlegenden Wandel, nur dass das Christliche jetzt konfessionelle Ausprägungen erhält, die sich auch in der Kunst manifestieren. Gerade in der bildenden Kunst wird der Bruch bemerkbar, den die Reformation religiös bedeutet. Denn deren Kritik richtet sich gegen Kultbilder und Bilderverehrung und kann sich bis zum Ikonoklasmus steigern. Während der Calvinismus die Bilder aus der Kirche vertreibt und die Malerei sich andere Felder suchen lässt, bedient sich der nachtridentinische Katholizismus je länger desto mehr der bildenden Kunst als eines religiösen Propagandamittels. Auch die verschiedenen Gattungen der Literatur, vom Gedicht, Epos und Roman bis hin zum Schauspiel, widmen sich nicht nur christlichen Themen, sondern treten vielfach in den Dienst der konfessionellen Apologetik und Polemik.

Und konfessionell geprägt ist schließlich auch die kirchliche Musik, insofern sich mit der Reformation die einheitliche Form des Gottesdienstes auflöst. Neben die musikalische Gestaltung der tridentinischen Messe tritt jetzt im lutherischen Gottesdienst der Choral, im calvinistischen der Psalter. Die konfessionelle Prägung der europäischen Kunst bleibt bis ins 18. Jahrhundert erhalten und verliert erst mit der Aufklärung an Bedeutung. Wer einen allgemeinen Überblick über die unterschiedlichen Beziehungen zwischen Kunst und Religion vom Mittelalter bis zur Epoche des Barock gewinnen möchte, muss zu dem vorliegenden Werk greifen.

Mit dem 1348 in Bologna entstandenen Prachtcodex, der hier erstmals vollständig präsentiert und dokumentiert wird, erhält eine für die Rezeption des antiken Mythos entscheidende Phase zwischen Mittelalter und Renaissance ein vollkommen neues Profil.

Der Text, der Ovidius moralizatus des Petrus Berchorius, der 1340 in Avignon geschrieben wurde und schnell große Verbreitung fand, unternimmt eine systematische Allegorese der Metamorphosen, die auf die aktuelle Situation in Kirche und Gesellschaft abzielt. Der exzeptionelle Miniaturenzyklus verrät ein ausgeprägtes Natur-Interesse und entwickelt daraus eine phantasievolle Ikonographie der Verwandlungen. Zugleich ist hier ein neues emotional-menschliches Ovidverständnis zu fassen.

Die Wiedergabe und Analyse der Bilder sowie die kritische Edition, Übersetzung und Kommentierung des Berchorius-Textes werden durch literarische und kunstgeschichtliche Vergleichsstudien kontextualisiert, so dass ein umfassendes Bild von der prominenten Rolle des antiken Mythos in den intellektuellen Debatten des 14. Jahrhunderts an den kulturellen Zentren Europas entsteht.

Linda Berger: A show

• Elaborately designed artist monograph and first portrait of Linda Berger’s work
• Numerous large-format, detailed drawings
• With a visually and haptically extraordinary special section on Peach-Blow

What was the role of art in the context of rapidly changing political alliances of the early modern period? The interdisciplinary contributions to this volume explore this question from the perspectives of "War and Peace," "Jesuits and Diplomacy," "Negotiating with Faith," and "Court and Diplomatic Celebrations". Special attention is paid to those art genres that were suitable for easy distribution due to their reproducibility, such as medals and prints. But also paintings, tombs and ephemeral festivities like fireworks served the manifestation of claims to power. The exemplary analyses provide a broad view of the political dimensions of early modern transcultural artistic exchange in Europe and beyond.

Der Katalog zur gleichnamigen Ausstellung widmet sich erstmals dem im Spätmittelalter und in der Frühen Neuzeit verbreiteten Trinitätsbild mit dem Schmerzensmann, der trinitarischen Pietà. Es zeigt Gottvater, der seinen geopferten Sohn präsentiert; ebenso gehört die Taube des Heiligen Geistes zur Ikonografie. In diesem um 1400 entstandenen Bildmotiv wird das abstrakte Dogma der Trinität emotionalisiert und in ein lebendiges Andachtsbild gewandelt. Es findet sich in allen Medien – Malerei, Skulptur, Grafik, Angewandter Kunst – und ist nicht nur in Kirchenausstattungen, sondern auch im Bereich der privaten Frömmigkeit anzutreffen. Es zeigt sich, dass die Darstellungsform der Trinität auch im Zeitalter der Reformation bestehen bleibt, was die Aktualität dieses Themas von der Gotik bis zum Barock verdeutlicht.

Die Reformation bedeutet in dieser Hinsicht keinen grundlegenden Wandel, nur dass das Christliche jetzt konfessionelle Ausprägungen erhält, die sich auch in der Kunst manifestieren. Gerade in der bildenden Kunst wird der Bruch bemerkbar, den die Reformation religiös bedeutet. Denn deren Kritik richtet sich gegen Kultbilder und Bilderverehrung und kann sich bis zum Ikonoklasmus steigern. Während der Calvinismus die Bilder aus der Kirche vertreibt und die Malerei sich andere Felder suchen lässt, bedient sich der nachtridentinische Katholizismus je länger desto mehr der bildenden Kunst als eines religiösen Propagandamittels. Auch die verschiedenen Gattungen der Literatur, vom Gedicht, Epos und Roman bis hin zum Schauspiel, widmen sich nicht nur christlichen Themen, sondern treten vielfach in den Dienst der konfessionellen Apologetik und Polemik.

Und konfessionell geprägt ist schließlich auch die kirchliche Musik, insofern sich mit der Reformation die einheitliche Form des Gottesdienstes auflöst. Neben die musikalische Gestaltung der tridentinischen Messe tritt jetzt im lutherischen Gottesdienst der Choral, im calvinistischen der Psalter. Die konfessionelle Prägung der europäischen Kunst bleibt bis ins 18. Jahrhundert erhalten und verliert erst mit der Aufklärung an Bedeutung. Wer einen allgemeinen Überblick über die unterschiedlichen Beziehungen zwischen Kunst und Religion vom Mittelalter bis zur Epoche des Barock gewinnen möchte, muss zu dem vorliegenden Werk greifen.

Our oceans are in an ecological crisis due to their contamination with millions of tons of toxic microplastic particles. In just a few years, the volume of microplastic particles will exceed that of plankton in our oceans and turn them into a huge sea of plastic.

This publication brings together numerous international art projects related to environmental activities, DIY biotechnology, and science, and draws attention to the irreversible destruction of our marine ecosystems – the current threat posed by the loss of marine animal biodiversity, for example, or the decline in oxygen production due to massive plankton loss. It also presents current scientific findings on sustainable alternatives to plastic.

Die reich bebilderte Publikation zur Sammlung des Bröhan-Museums, das 1973 von dem Sammler und Unternehmer Karl H. Bröhan (1921–2000) gegründet wurde, gibt einen Überblick über die wichtigsten designhistorischen Strömungen zwischen 1890 und 1940. Vom französischen Art Nouveau und dem englischen Arts and Crafts Movement über den Jugendstil und die deutsche Werkstättenbewegung, die Wiener Moderne und den internationalen Art Déco bis zur funktionalistischen Gestaltung der 1930er-Jahre wird anhand von 100 Objekten oder Objektpaaren lebendige Kunst- und Sammlungsgeschichte vermittelt. Ein eigener Abschnitt ist den Künstlerinnen und Künstlern der Berliner Secession gewidmet. Ein Muss für Fans von Jugendstil, Art Déco und funktionalistischem Design!

Die Gründung des Jungen Rheinland im Frühjahr 1919 markiert den Beginn umfänglicher kunstpolitischer Aktivitäten in Düsseldorf nach dem Ersten Weltkrieg. Noch im Kriegsjahr 1918 ergeht ein Aufruf an 45 rheinische Künstler, der den „Zusammenschluß der gesamten jungen rheinischen Künstlerschaft" fordert. Bis 1933 zählt die Vereinigung mehr als 400 Künstler_innen, Ihr Ziel ist es, lokal und überregional Ausstellungsmöglichkeiten und „Sichtbarkeit" für die junge rheinische Kunst zu schaffen. Im Laufe der Jahre entwickelt sich Das Junge Rheinland zu einer Plattform für Künstler und Intellektuelle unterschiedlicher Generationen, Tendenzen und Stilrichtungen. Die Beiträge des Bandes bieten zum 100. Gründungsjubiläums des Jungen Rheinland spannende neue Perspektiven zur Künstlernetzwerkforschung.

In 12 volumes, this biographical reference work presents short biographies on more than 730,000 artists. Besides details of place of birth and death, and profession, all entries contain at least one bibliographical reference to an article containing more information. Over 400 works, many having several volumes, were evaluated completely to form the basis of this complete AKL index.

The index represents an independent biographical reference work, but also a form of a preview of the AKL, with all names listed according to the AKL standard. Thus, this complete compendium serves as an authority file of artist names for libraries and everyone using authority files of artist names in their own database.

Since the first edition (1999/2000), which was awarded "Outstanding Academic Book 2002" by CHOICE, over 160,000 new names have been added and over 120,000 names already included in the first edition have been brought up-to-date. Names which have had only the reference "AKL" in the first edition now also have the complete bibliographical references.

For further information, please see also the productsite www.degruyter.de/akl.

This choreographed book is dedicated to the phenomenon of the bare body in contemporary performance. This work of artistic research draws on philosophical, biopolitical, and ethical discourses relevant to the appearance of bare bodies in choreography, setting a framework for a reflexive movement between affect and ethics, sensuous address and response.

Acts of exposure and concealment are culturally situated and anchored, and are examined for their methodological and nanopolitical significance. The concepts of anarchic responsibility and choreo-ethics lead to a reevaluation of contact, relationship, and solidarity. Choreography is thus understood as a complex field of revelatory experiences based on ecologies of aesthetic perception and ethico-political agency.

Das Kunstadressbuch bietet aktuell und umfassend Informationen rund um die Kunst in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Der Benutzer findet in der 24. Ausgabe etwa 33.000 Adressen von und Informationen über

• Museen und öffentliche Galerien,
• Kunstvereinigungen,
• Kunst- und Antiquitätenhandel, der Numismatik,
• Galerien,
• Auktionatoren,
• Restauratoren,
• Kunstverleger,
• Kunstzeitschriften,
• Antiquariate und Kunstbuchhandlungen,
• Künstler.

Neben den Anschriften und Angaben zu Telekommunikation verzeichnet das Kunstadressbuch das Fachpersonal der Museen und Informationen über Sammelschwerpunkte sowohl der Museen als auch der Galerien und Kunsthandlungen. Ebenso werden die Tätigkeitsgebiete der Restauratoren, der Kunstverleger und der Antiquare genannt.

Der Bestand wurde durch einen umfassenden Fragebogenversand und die Auswertung zahlreicher Verzeichnisse überprüft, aktualisiert und erweitert.
Im neu eingeführten Kapitel Ausstellungen präsentieren wir die

Wechselausstellungen der Museen und Ausstellungshallen des Jahres 2014.

Das eBookPLUS bietet die Vorzüge des elektronischen Mediums, insbesondere differenzierte Suchkriterien.

Facettenreich und vielstimmig reflektiert die Festschrift für Gabriela Krist, Restauratorin, Kunsthistorikerin und Vorständin des Instituts für Konservierung und Restaurierung an der Universität für angewandte Kunst Wien, die Entwicklung des Forschungsfelds und des Instituts.

In persönlichen, wissenschaftlichen und künstlerischen Beiträgen kommen WeggefährtInnen, KollegInnen und Studierende zu Wort. So wird zum einen deutlich, wie Gabriela Krist das Feld der Konservierung und Restaurierung maßgeblich geprägt und zu dessen internationaler und interdisziplinärer Erweiterung beigetragen hat. Zum anderen dokumentiert und erörtert der Band die Entwicklung der Profession. Unterlegt mit Daten und Fakten aus Praxis, Lehre und Forschung von zwei Jahrzehnten, wird hier Konservierung und Restaurierung neu gedacht.

In 12 volumes, this biographical reference work presents short biographies on more than 730,000 artists. Besides details of place of birth and death, and profession, all entries contain at least one bibliographical reference to an article containing more information. Over 400 works, many having several volumes, were evaluated completely to form the basis of this complete AKL index.

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In 12 volumes, this biographical reference work presents short biographies on more than 730,000 artists. Besides details of place of birth and death, and profession, all entries contain at least one bibliographical reference to an article containing more information. Over 400 works, many having several volumes, were evaluated completely to form the basis of this complete AKL index.

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In 12 volumes, this biographical reference work presents short biographies on more than 730,000 artists. Besides details of place of birth and death, and profession, all entries contain at least one bibliographical reference to an article containing more information. Over 400 works, many having several volumes, were evaluated completely to form the basis of this complete AKL index.

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This book addresses the status and relevance of iconography and iconology in the contemporary scholarly study of medieval art. There is a widespread tendency among art historians today to regard the study of iconography and iconology in the tradition of Erwin Panofsky as an outmoded and trivial pursuit. Nonetheless, Panofsky’s three-level interpretative model sits firmly in the methodological toolkit of art history and remains a common point of reference among adherents and adversaries alike. Iconography and iconology demand to be taken seriously as a feature of continued praxis in the discipline. The book contains a collection of essays on the validity of various approaches toward the interpretation of meaning in medieval art today. These essays either demonstrate the continued usefulness of iconography and iconology as analytical strategies, or propose alternative approaches to the investigation of meaning in the art of the Middle Ages.

In der Außenwahrnehmung des 19. Jahrhunderts wurde die Theatermalerei, das Entwerfen und Ausführen von Bühnendekorationen, meist als Handwerk und unliebsamer Brotberuf für bildende Künstler verstanden; die ausgeführten Bühnenbilder besaßen nur selten den Status eigenständiger Kunstwerke.

Die Publikation diskutiert am Beispiel des Münchener Hoftheatermalers Simon Quaglio (1795—1878) erstmals die Theatermalerei in ihrem Status als künstlerische Gattung. So wird sichtbar, wie die Kunstentwicklung und die kunsttheoretischen Diskurse der Zeit einen direkten Einfluss sowohl auf die Ästhetik der Bühnendekorationen als auch auf das Selbstverständnis der Theatermaler genommen haben. Zugleich entsteht dabei ein dichtes Bild der Münchener Theaterpraxis im 19. Jahrhundert.

This volume offers fresh approaches to both the material and the subject matter of late medieval English alabaster sculptures, bringing them into dialogue with twenty-first-century scholarship on pre-modern visual culture. Devotional alabaster images, too often thought of as “folk art” and narrowly English, were avidly collected and appreciated throughout Europe in the late Middle Ages, and this collection of essays seeks to help integrate them into the current discourse on materiality, the role of seriality in the changing modes of artistic production of the late Middle Ages, and the broad debate about whether it is useful to draw distinctions between elite/high and folk/low culture.

This volume celebrates the storied career of Stephen N. Fliegel, the former Robert Bergman Curator of Medieval Art at the Cleveland Museum of Art (CMA). Authors of these essays, all leading curators in their fields, offer insights into curatorial practices by highlighting key objects in some of the most important medieval collections in North America and Europe: Metropolitan Museum of Art, The Louvre, the British Museum, Victoria & Albert Museum, the Getty, the Groeningemuseum, The Morgan Library, Vienna’s Kunsthistorisches Museum, and, of course, the CMA, offering perspectives on the histories of collecting and display, artistic identity, and patronage, with special foci on Burgundian art, acquisition histories, and objects in the CMA.

Der dritte Nachtragsband (ab Beranek) enthält ca. 1.400 Biographien bildender Künstlerinnen und Künstler auf der Grundlage von über 100 in den letzten zwanzig Jahren erschienenen Künstlerlexika und weiteren aktuellen Publikationen sowie den von der AKL-Redaktion gesammelten bio-bibliographischen Informationen. Für die Bearbeitung der Gegenwartskünstler wurden intensive Online-Recherchen durchgeführt.

Der Rimini-Altar zählt zu den Spitzenleistungen transalpiner Bildhauerkunst der 1430er-Jahre und ist ein Hauptwerk der Liebieghaus Skulpturensammlung in Frankfurt/M. 1913 erworben, weckten die 12 Apostelstatuetten und die von ihnen flankierte vielfigurige Kreuzigung wegen des speziellen Materials Alabaster, des Umfangs des südniederländischen Figurenensembles, aber auch aufgrund seiner enormen künstlerischen und handwerklichen Qualität stets großes Interesse nicht nur beim Fachpublikum. Die langjährige Restaurierung der Skulpturen gab Anlass zu intensiver technologischer, geochemischer und kunsthistorischer Forschung. Neues und Überraschendes trat zutage. Diese Erkenntnisse werden ebenso wie die neuen Methoden der Restaurierung in dieser ersten monografischen Bearbeitung des Rimini-Altars anschaulich dargestellt.

This monograph examines the most prestigious political paintings created in Britain during the High Baroque age. It investigates a period characterized by numerous social, political, and religious crises, in the years between the restoration of the Stuart monarchy (1660) and the death of the first British monarch from the House of Hanover (1727). On the basis of hitherto unpublished documents, the book elucidates the creation and reception of nine major commissions that involved the court, private aristocratic patrons, and/or civic institutions. The ground-breaking new interpretations of these works focus on strategies of conflict resolution, the creation of shared cultural memories, processes of cultural translation, the performative context of the murals and the interaction of painted images and architectural spaces.

Gewöhnlich führte eine Grand Tour von einem Ort nördlich der Alpen zu den historischen Sehenswürdigkeiten Italiens. Im Fall von Emel’jan Michailowitsch Korneev (1782–nach 1839) begann die Reise jedoch in St. Petersburg, brachte ihn über Sibirien an die Grenze zur Mongolei und schließlich auf die Krim, von wo aus es weiterging nach Griechenland und Kleinasien. Am Schluss dieser Reise stand die klassische Tour durch Italien. Jahre später folgte sogar noch die Umrundung der ganzen Welt als Expeditionszeichner an Bord eines russischen Schiffes.

Die Präsentation der noch nie zuvor gezeigten Graphiken der italienischen Reise von E.M. Korneev im Münchner Stadtmuseum gibt Anlass, erstmals auch die faszinierende Künstlerpersönlichkeit einem Publikum außerhalb Russlands zu erschließen.

In 12 volumes, this biographical reference work presents short biographies on more than 730,000 artists. Besides details of place of birth and death, and profession, all entries contain at least one bibliographical reference to an article containing more information. Over 400 works, many having several volumes, were evaluated completely to form the basis of this complete AKL index.

The index represents an independent biographical reference work, but also a form of a preview of the AKL, with all names listed according to the AKL standard. Thus, this complete compendium serves as an authority file of artist names for libraries and everyone using authority files of artist names in their own database.

Since the first edition (1999/2000), which was awarded "Outstanding Academic Book 2002" by CHOICE, over 160,000 new names have been added and over 120,000 names already included in the first edition have been brought up-to-date. Names which have had only the reference "AKL" in the first edition now also have the complete bibliographical references.

For further information, please see also the productsite www.degruyter.de/akl.

The Art Directory Germany, Austria, Switzerland offers extensive and up-to-date information concerning art. The user can find in the 25th edition more than 33,000 addresses with names, dates and facts. Addresses from the following areas are included:

• Museums and public galleries
• Art associations
• Art and antiques trade, numismatics
• Galleries
• Auctioneers
• Restorers
• Art publishers
• Art magazines
• Antiquarian bookshops and art bookshops
• Artists

Besides addresses, telephone and fax numbers, eMail and URL, the Art Directory also lists details of the specialization of museums, galleries and art and antique trade as well as the names of the specialized staff. The fields of activity for restorers, art publishers and antiquarians are mentioned as well. The address contents were revised and updated for this edition following a comprehensive questionnaire mailing. The update also took into account numerous reference works.

In the newly introduced chapter Exhibitions we present the temporary exhibitions presented by the museums and exhibition halls in 2014.

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

Mit dem aktualisierten Editionsplan wird die Printausgabe im Jahr 2022 abgeschlossen. Dafür wird der Anteil von Artikeln verstärkt, die nur online erscheinen.

Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

Jeder Artikel bietet in übersichtlicher Gliederung:

• den Namen und alle bekannten Namennebenformen. Pseudonyme, Mädchennamen oder bisher irrtümlich zugeordnete Namen werden entschlüsselt, Verweisungen auf den Haupteintrag jeweils eingefügt.
• die Lebensdaten mit einer Werk- und Schaffenscharakteristik.
• Informationen zum Einfluss der Künstlerin/des Künstlers auf das jeweilige kulturelle Umfeld
• eine Auswahl der Werke mit ihren Standorten
• eine Auswahl der Ausstellungen
• ausführliche Hinweise auf Selbstzeugnisse und Schriften der Künstlerin/des Künstlers
• eine umfassende Bibliographie. Auch auf Einträge in anderen Nachschlagewerken, ungedrucktes Quellenmaterial und Kataloge wird hingewiesen.
• Die Signatur am Ende eines jeden Artikels verweist auf den jeweiligen Verfasser oder Redakteur.

Seit Januar 2010 bieten wir eine Kombi Print + Online im Jahresabonnement an. Mehr Informationen erhalten Sie auf der Produktseite www.degruyter.de/akl.

Die Edition der Briefe Gustav Ludwigs (1854-1905) verknüpft erstmals umfassend den großen Fundus seiner zum Teil eigenhändigen Reproduktionsfotografien mit Korrespondenzen, die der Wahlvenezianer in seinen letzten zehn Lebensjahren mit Zeitgenossen wie Wilhelm Bode, Jean Paul Richter, Roger Fry und Aby Warburg führte.

Ein einleitender Essay thematisiert Ludwigs Pionierleistung auf dem Gebiet der rekonstruierenden Reproduktionsfotografie, seine Verbindungen zum Kunstmarkt und illegalen Kunstexport sowie seinen gescheiterten Versuch, in Venedig ein internationales und interdisziplinäres Forschungsinstitut zu gründen.

Mit „klein aber fein" umschrieben Jan und Friederike Baechle selbst ihre Sammlung. Damit treffen sie den Kern ihrer über Jahrzehnte behutsam aufgebauten Sammlung. Im Mittelpunkt des Sammlerinteresses stand das „lange 19. Jahrhundert" mit all seinen unterschiedlichen Facetten. Die Künstlerliste der 27 Werke weist signifikante Positionen der Kunst des 19. Jahrhunderts auf und stellt als testamentarische Schenkung an das Museum Wiesbaden eine ideale Ergänzung für den vorhandenen Bestand dar und ist ein weiterer Glücksfall im Kontext einer geplanten „Galerie des 19. Jahrhunderts". Das Buch präsentiert ausgewählte Arbeiten des 19. Jahrhunderts aus dem Museum, darunter Werke von Eugen Bracht, Ferdinand Brütt, Karl Hofer, Max Liebermann, Alfred N. Oppenheim, Eugen Spiro, Hans Thoma, Wilhelm Trübner und Ernst Wilhelm Nay.

Das Nürnberger Künstlerlexikon bietet einen in dieser Ausführlichkeit einmaligen Überblick über die Personen, die das reiche kulturelle Leben dieser Stadt hervorgebracht und ermöglicht haben. Neben den Bildenden Künstlern sind beispielsweise auch Literaten, Verleger, Musiker und Mäzene enthalten. Über 20.000 Einträge zu Künstlern und Kunsthandwerkern, die vom zwölften bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts in Nürnberg tätig waren, vermitteln eine beeindruckende Tradition. Nicht nur in Nürnberg geborene Künstler und Kunsthandwerker sind enthalten, sondern auch solche, deren Wirken mit der Stadt in Verbindung stand.

Die Einträge berücksichtigen den beruflichen Werdegang, die Geburts- und Sterbedaten, die Anzahl der Eheschließungen und der Kinder, das Jahr der Meisterwerdung, Angaben zu Arbeits- und Lebensbedingungen sowie zu wirtschaftlichen und privaten Verhältnissen. Soweit bekannt, sind auch die Auftraggeber und die für einzelne Werke bezahlten Preise vermerkt. Das chronologische Berufsgruppenregister gliedert die Künstler nach 19 Berufs- und Personengruppen. Das Ortsregister umfasst über 1.600 Geburts- und Sterbeorte in 15 Ländern. Ein Glossar erklärt die wichtigsten Begrifflichkeiten.

Dieser Titel aus dem De Gruyter-Verlagsarchiv ist digitalisiert worden, um ihn der wissenschaftlichen Forschung zugänglich zu machen. Da der Titel erstmals im Nationalsozialismus publiziert wurde, ist er in besonderem Maße in seinem historischen Kontext zu betrachten. Mehr erfahren Sie hier.

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

Mit dem aktualisierten Editionsplan wird die Printausgabe im Jahr 2022 abgeschlossen. Dafür wird der Anteil von Artikeln verstärkt, die nur online erscheinen.

Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

Jeder Artikel bietet in übersichtlicher Gliederung:

• den Namen und alle bekannten Namennebenformen. Pseudonyme, Mädchennamen oder bisher irrtümlich zugeordnete Namen werden entschlüsselt, Verweisungen auf den Haupteintrag jeweils eingefügt.
• die Lebensdaten mit einer Werk- und Schaffenscharakteristik.
• Informationen zum Einfluss der Künstlerin/des Künstlers auf das jeweilige kulturelle Umfeld
• eine Auswahl der Werke mit ihren Standorten
• eine Auswahl der Ausstellungen
• ausführliche Hinweise auf Selbstzeugnisse und Schriften der Künstlerin/des Künstlers
• eine umfassende Bibliographie. Auch auf Einträge in anderen Nachschlagewerken, ungedrucktes Quellenmaterial und Kataloge wird hingewiesen.
• Die Signatur am Ende eines jeden Artikels verweist auf den jeweiligen Verfasser oder Redakteur.

Seit Januar 2010 bieten wir eine Kombi Print + Online im Jahresabonnement an. Mehr Informationen erhalten Sie auf der Produktseite www.degruyter.de/akl.

“Inframince”, a term coined by Marcel Duchamp, refers to ephemeral, ultra-thin, and undecidable phenomena – such as the warmth that remains on a chair after a person gets up. In this book, “inframince” is taken to signify forms of transdisciplinarity in contemporary art.

Authors and visual artists capture in text and image fleeting moments in which artistic, theoretical, scientific, or everyday cultural elements meet, change, or merge with one another.

Numerous examples of artistic and teaching practice within the discipline of TransArts at the University of Applied Arts Vienna vividly reveal how these manifold transgressions can be rendered productive.

Die vorliegende Publikation befasst sich mit der Malerei der Frühen Neuzeit unter dem Aspekt ihres kommunikativen Gebrauchs. Im Unterschied zur Moderne herrschte in der Frühneuzeit das Ideal einer geselligen spielerischen Kunstrezeption, bei der die Werke in und durch konversationsrhetorische Sprachkunst übersetzt und kommentiert wurden. Mit Blick auf fortschreitende Autonomisierungsprozesse untersucht Wolfgang Brassat an ausgewählten Beispielen vom Quattrocento bis zur französischen und englischen Kunst des 18. Jahrhunderts, wie Künstler z.B. durch rekursive und selbstreflexive Verfahren, rätselhafte und mehrdeutige Bildelemente, das Durchkreuzen etablierter Darstellungskonventionen und Infragestellen des tradierten Kunstbegriffs das Gespräch über ihr Werk und die Künste anregten.

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

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Das 19. Jahrhundert wird in Handbüchern stets als Jahrhundert der Nationalismen beschrieben. Im Widerspruch hierzu zeigt die historische Wirklichkeit jedoch eine umfassende transnationale Mobilität: Hunderte junger Kunstschüler pilgerten aus dem deutschsprachigen Raum nach Paris, um an der École des beaux-arts oder in privaten Lehrateliers zu studieren.
Der zweite Band des Lexikons Pariser Lehrjahre über die Jahre 1843 bis 1870 macht anhand von Primärquellen bislang weitgehend unbekannte Fakten zu ihrer Ausbildung zugänglich, die vor allem in den Ateliers von Thomas Couture, Léon Cogniet und im Kreis der Landschaftsmaler in Barbizon stattfand.Er liefert dabei grundsätzliche und differenzierte Erkenntnisse über die Bedeutung von Paris als Ausbildungsstätte und Ort der Selbstfindung: Indem er die Bedeutung einer solchen Erfahrung zu Beginn der Moderne erstmalig erschließt, ermöglicht er eine neue, transnationale Beschäftigung mit der Kunst des 19. Jahrhunderts.

Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) ist Nachfolger der traditionsreichen kunsthistorischen Standardwerke Thieme-Becker und Vollmer und erscheint seit 1991. Selbst längst ein Standardwerk, beschränkt es sich bewusst nicht auf die großen Meister: bildende Künstler aus aller Welt und aus allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart, werden aufgenommen. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Graphiker, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m. Rund 1.500 Künstlerbiographien werden für jeden Band zusammengestellt. Nach jeweils zehn Bänden erscheint ein Register nach Ländern und künstlerischen Berufen.

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Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

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Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

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Die ersten Bände des AKL wurden bereits ab 1969 bearbeitet, dieser Zeitraum von fast vier Jahrzehnten wird nun in Nachträgen aufgearbeitet. Nachtragsband I, der die Nachtragsartikel zum Buchstaben A enthält, ist 2005 erschienen. 2012 erschien der fünfte Nachtragsband (Cassini – Czwartos).

Jeder Artikel bietet in übersichtlicher Gliederung:

• den Namen und alle bekannten Namennebenformen. Pseudonyme, Mädchennamen oder bisher irrtümlich zugeordnete Namen werden entschlüsselt, Verweisungen auf den Haupteintrag jeweils eingefügt.
• die Lebensdaten mit einer Werk- und Schaffenscharakteristik.
• Informationen zum Einfluss der Künstlerin/des Künstlers auf das jeweilige kulturelle Umfeld
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Das Allgemeine Künstlerlexikon (AKL) bietet in jedem Band rund 1.000 Biographien bildender Künstler aus aller Welt und allen Zeiten, von der Antike bis zur Gegenwart. Enthalten sind nicht nur Maler, Bildhauer oder Architekten, sondern auch Architekten, Designer, Fotografen, Schriftkünstler, Kunsthandwerker u.v.m.

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• eine Auswahl der Werke mit ihren Standorten
• eine Auswahl der Ausstellungen
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