Art

German-English edition

The important, nearly forgotten German-Jewish museum expert and art collector Curt Glaser (1879–1943) was forced to emigrate by the National Socialists and sold the majority of his art holdings in Berlin in 1933. Through the whereabouts of works once owned by him, the Kunstmuseum Basel reached an agreement with Glaser’s heirs that is recognized internationally as “best practice,” and in connection with this is honoring Glaser’s work in an exhibition. The catalogue provides richly illustrated insights into Glaser’s fascinating collection, with works by Edvard Munch, Max Beckmann, and Henri Matisse. Essays link new research on this advocate of modernism and his collecting of modern art and embed his fate in current questions connected with formerly Jewish art holdings in public museums.

Deutsch-englische Ausgabe

Der bedeutende, fast vergessene deutsch-jüdische Museumsmann und Kunstsammler Curt Glaser (1879–1943) wurde von den Nationalsozialisten zur Emigration getrieben und verkaufte 1933 in Berlin den Großteil seines Kunstbesitzes. Über den Verbleib einst in seinem Besitz befindlicher Werke erzielte das Kunstmuseum Basel mit den Erben Glasers eine international als „best practise" anerkannte Einigung und würdigt aus diesem Anlass Glasers Wirken in einer Ausstellung. Der Katalog bietet einen reich bebilderten Einblick in Glasers faszinierende Kollektion mit Werken von Edvard Munch, Max Beckmann und Henri Matisse. Essays verbinden neue Forschungen über den Förderer der Moderne und das Sammeln moderner Kunst und betten sein exemplarisches Schicksal in aktuelle Fragen um ehemaligen jüdischen Kunstbesitz in öffentlichen Museen ein.

Dieses Buch ist eine bedeutende und längst überfällige Studie der Kunstwissenschaften aus einer dekolonialen Perspektive. Es stellt zunächst die Dekolonialität als Neudefinition der Moderne vor, bei der die Eroberung Amerikas und des Atlantiks im Mittelpunkt stand. Die Kunstwissenschaften der letzten 2.500 Jahre werden dann als Teil dieses europäischen kolonial-kapitalistischen Projekts der Subalternisierung und Abhängigmachung vermeintlich Anderer dargestellt, deren Methoden und Diskurse in ihrer Kolonialität herausgearbeitet. Indigene, afro-diasporische, lateinamerikanische und afrikanische Künstler und Gelehrte werden hinzugezogen, um unbekannte Perspektiven und einen universellen Kunstbegriff zu entwerfen, der gegen die assymetrischen Machtverhältnisse der eurozentrischen Kunstwissenschaften anzugehen vermag.

This volume investigates the artistic development during the Qing Dynasty, the last of imperial Chinese dynasties, and shows the importance of opera and playwriting during this time period. Further analysis is dedicated to the development of scroll painting and the revival of calligraphy and seal carving. A General History of Chinese Art comprises six volumes with a total of nine parts spanning from the Prehistoric Era until the 3^rd year of Xuantong during the Qing Dynasty (1911). The work provides a comprehensive compilation of in-depth studies of the development of art throughout the subsequent reign of Chinese dynasties and explores the emergence of a wide range of artistic categories such as but not limited to music, dance, acrobatics, singing, story telling, painting, calligraphy, sculpture, architecture, and crafts. Unlike previous reference books, A General History of Chinese Art offers a broader overview of the notion of Chinese art by asserting a more diverse and less material understanding of arts, as has often been the case in Western scholarship.

Broad overall view, translated from Chinese

This volume explores the prehistoric beginnings of Chinese art and its development during the Xia, Shang, and Zhou Dynasties. It analyses the conditions of the emergence of Chinese art and its transformation of form, content and function throughout the Three Dynasties, a historical period marked by important changes in the social and cultural Chinese landscape.

A General History of Chinese Art comprises six volumes with a total of nine parts spanning from the Prehistoric Era until the 3^rd year of Xuantong during the Qing Dynasty (1911). The work provides a comprehensive compilation of in-depth studies of the development of art throughout the subsequent reign of Chinese dynasties and explores the emergence of a wide range of artistic categories such as but not limited to music, dance, acrobatics, singing, story telling, painting, calligraphy, sculpture, architecture, and crafts. Unlike previous reference books, A General History of Chinese Art offers a broader overview of the notion of Chinese art by asserting a more diverse and less material understanding of arts, as has often been the case in Western scholarship.

(Bilingual Edition: English / German):

• Imagination, Utopia and Gallantry
• New look at colonial aspirations

Wie sahen die frühen imperialen Visionen im Frankreich der Régence aus? Das Buch bietet eine neue und auch provokative Deutung von Jean-Antoine Watteaus Pilgerfahrt zur Insel Cythera (1717), indem es das Werk in den Kontext der französischen kolonialen Expansion in den Jahren der Régence stellt. Die galante Ästhetik, die während der Herrschaft und im Imperium Ludwigs XIV. entstand, trug dazu bei, die koloniale Begegnung in Französisch-Amerika zu gestalten. Die Fantasien vom Aufbruch zur See, vom Einschiffen oder Ausschiffen, allesamt Merkmale des Gemäldes, drückten auch die Sehnsucht nach kolonialen Reisen und Entdeckungen aus. Die imperiale Imagination, die sich aus den Codes der Galanterie speiste, war in den Kreisen von Watteaus amateurs, die ihrerseits den Modernen nahestanden, die neue ästhetische Formen in Kunst und Literatur förderten, sehr ausgeprägt. Von Watteaus Pilgerfahrt zur Insel Cythera (1717) bis zu ihrer visuellen Nachstellung im Jahr 1763 diente die Galanterie als visuelles und konzeptionelles Modell der französischen Handels- und Kolonialbeziehungen.

Quelles furent les premières visions de l’Empire dans la France de la Régence ? Cet ouvrage propose une interprétation nouvelle du Pèlerinage à l’île de Cythère (1717) de Jean-Antoine Watteau en le replaçant dans le contexte de l’expansion coloniale française des années de la Régence. Née sous le règne et l’imperium de Louis XIV, l’esthétique galante a contribué à donner une forme visuelle à la rencontre coloniale en Amérique française. Les motifs du débarquement, de l’embarquement et du voyage maritime, essentiels dans ce tableau, exprimaient également un désir de voyage et de conquête. L’imaginaire impérial, alimenté par les codes de la galanterie était très développé dans les cercles des commanditaires de Watteau, eux-mêmes proches des cercles des Modernes, qui défendaient de nouvelles formes esthétiques en art et en littérature. Du Pèlerinage à l’île de Cythère (1717) de Watteau à son remploi visuel en 1763 dans une vue d’optique, le livre soutient que la galanterie servit comme ressource formelle au développement de l’imaginaire colonial français.

A General History of Chinese Art comprises six volumes with a total of nine parts spanning from the Prehistoric Era until the 3^rd year of Xuantong during the Qing Dynasty (1911). The work provides a comprehensive compilation of in-depth studies of the development of art throughout the subsequent reign of Chinese dynasties and explores the emergence of a wide range of artistic categories such as but not limited to music, dance, acrobatics, singing, story telling, painting, calligraphy, sculpture, architecture, and crafts.
Unlike previous reference books, A General History of Chinese Art offers a broader overview of the notion of Chinese art by asserting a more diverse and less material understanding of arts, as has often been the case in Western scholarship.

This volume analyses the history of Chinese art during the time of the Ming Dynasty during which the various traditions of painting academies were developed further leading to new painting styles and schools. The volume also highlights the developments in music, crafts, porcelain, and architecture. A General History of Chinese Art comprises six volumes with a total of nine parts spanning from the Prehistoric Era until the 3^rd year of Xuantong during the Qing Dynasty (1911). The work provides a comprehensive compilation of in-depth studies of the development of art throughout the subsequent reign of Chinese dynasties and explores the emergence of a wide range of artistic categories such as but not limited to music, dance, acrobatics, singing, story telling, painting, calligraphy, sculpture, architecture, and crafts. Unlike previous reference books, A General History of Chinese Art offers a broader overview of the notion of Chinese art by asserting a more diverse and less material understanding of arts, as has often been the case in Western scholarship.

Broad overall view, translated from Chinese

Broad overall view, translated from Chinese

Im Fokus der Publikation steht das Verhältnis von bedürfnisorientierten Geschichtsbildern und künstlerischer Aneignung historischer Stile. Die Kongruenz von Re-Inszenierung oder Rekonstruktion und dem kollektiven Wunsch nach einem repräsentativen Abbild der eigenen Vergangenheit wird dabei unter dem Aspekt eines Zusammenwirkens von Zeitgeist, prägenden Akteuren und historisierenden Ideologien analysiert. Kritisch werden dabei unterschiedliche Dogmen beleuchtet, wie die Idee von der schönen weißen Antike, die bis in unsere zeitgenössische Vorstellung hineinwirkt. Farbrekonstruktionen können zwar helfen, unsere ästhetische Wahrnehmung zu hinterfragen, aber es bleibt offen, ob und wie wir angesichts neuer gesellschaftlicher Herausforderungen mit vorgefassten Meinungen umgehen wollen.

Francis La Flesche (1857–1932) lebte zwischen zwei Welten: Als Umonhon (Omaha) kämpfte er für deren Rechte, als Wissenschaftler erforschte er seine eigene Kultur. Er gilt als erster indigener Ethnologe Nordamerikas und steht stellvertretend für die vielen indigenen Akteur/-innen, ohne die ethnologische Sammlungen niemals entstanden wären. Die meisten dieser Personen sind uns nicht mehr bekannt, denn im Zentrum stehen bis heute die europäischen und nordamerikanischen Sammler/-innen. Francis La Flesche bildet eine Ausnahme: Seine Arbeit gibt einen Einblick in indigene Handlungsmacht und deren Widerstand gegen Rassismus und Kolonialismus sowie die aktive Teilhabe am Handel mit Objekten. Das Buch präsentiert zum ersten Mal La Flesches Aufzeichnungen über die Gegenstände, die er der 1894 ins heutige Ethnologische Museum nach Berlin gesandten Sammlung beigab – ein beeindruckendes Zeugnis seiner erfolgreichen Bemühungen, die Kultur der Omaha für künftige Generationen zu bewahren.

Francis La Flesche (1857–1932) lebte zwischen zwei Welten: Als Umoⁿhoⁿ (Omaha) kämpfte er für deren Rechte, als Wissenschaftler erforschte er seine eigene Kultur. Er gilt als erster indigener Ethnologe Nordamerikas und steht stellvertretend für die vielen indigenen Akteur/-innen, ohne die ethnologische Sammlungen niemals entstanden wären. Die meisten dieser Personen sind uns nicht mehr bekannt, denn im Zentrum stehen bis heute die europäischen und nordamerikanischen Sammler. Francis La Flesche bildet eine Ausnahme: Seine Arbeit gibt einen Einblick in indigene Handlungsmacht und deren Widerstand gegen Rassismus und Kolonialismus sowie die aktive Teilhabe am Handel mit Objekten. Das Buch präsentiert zum ersten Mal La Flesches Aufzeichnungen über die Gegenstände, die er der 1894 ins heutige Ethnologische Museum nach Berlin gesandten Sammlung beigab – ein beeindruckendes Zeugnis seiner erfolgreichen Bemühungen, die Kultur der Omaha für künftige Generationen zu bewahren.

This volume deals with knives and harvesting equipment in Central Europe from their first appearance until the first century of the Common Era. Knives have accompanied human beings since the Paleolithic and became useful tools, weapons, and status symbols over the course of the millennia. An epoch-transcending overview of all common types of knives is provided here for the first time.Harvesting equipment appeared with the new economy of the Neolithic period—first made of silex, then bronze, and finally sickles and scythes of iron. Cutting devices also include scissors, an innovative type of tool that revolutionized textile craft. Each type is described in detail, supplemented with information on dating and propagation as well as further literature.

Beschützen, heilen oder bestrafen – diese Kräfte schrieben Menschen verschiedener Zeiten und Herkünfte den Bildwerken zu, die hier zum ersten Mal gemeinsam vorgestellt werden: sei es die Skulptur des Mangaaka aus der heutigen Republik Kongo, die Schutzgöttin Mahamayuri aus China oder die Maria auf der Weltkugel aus Süddeutschland. 45 Objekte aus zwei Berliner Museen, entstanden zwischen dem 4. und 19. Jahrhundert, vermitteln ein lebendiges Zeugnis der allgegenwärtigen Bedürfnisse nach Schutz und Orientierung bei der Bewältigung individueller oder gesellschaftlicher Krisen. Sie stehen für die Existenz einer nicht-sichtbaren Welt von Göttern, Geistern oder Ahnen und schufen eine Verbindung zwischen dem Diesseits und einer „anderen Wirklichkeit". Durch ihre museale Präsentation ist ihr Gebrauchszusammenhang oftmals verlorengegangen – ein Umstand, der von den Autor/-innen dieses Buches kritisch reflektiert wird.

Die Naga bilden eine Minderheit im Nordosten Indiens und im Nordwesten Myanmars – und bestehen zugleich aus über 30 verschiedenen Ethnien: drei bis vier Millionen Menschen, mit zahlreichen Sprachen. Wie gelingt es ihnen, ihre traditionellen Überlieferungen zu bewahren und in veränderte Lebensweisen zu integrieren? Wie passen moderne Tattoos, Mode und Social Media zusammen? Welche Rolle spielt die christliche Religion? Autor/-innen aus Nagaland beschreiben unterschiedliche Facetten ihrer gegenwärtigen und vergangenen Kultur und lassen die um zeitgenössische Gegenstände ergänzte Naga-Sammlung des Ethnologischen Museums Berlin in neuem Licht erscheinen. Die Künstlerin Zubeni Lotha veranschaulicht das heutige Leben der Naga in beeindruckenden Fotografien.

Die Vielgestaltigkeit von Lebensläufen während der Weimarer Republik, der Zeit des Nationalsozialismus bis zur ersten documenta 1955 in der noch jungen Bundesrepublik Deutschland stehen im Zentrum der Publikation. Die Biografien der Künstler*innen berichten von Verfolgungsschicksalen und abgebrochenen Karrieren, Widerstand und Anpassung. Daneben werden das Zeitgeschehen und institutionelle Bedingungen thematisiert. Zahlreiche Autor*innen beleuchten Themen, die seit einigen Jahren intensiv erforscht werden. Die gewählten Schwerpunkte orientieren sich an der Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte des Lenbachhauses. Damit ergibt sich ein Fokus auf die Kunststadt München, ergänzt durch prägende nationale und internationale Phänomene.

Ausstellung Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau
15. Oktober 2022–16. April 2023

The Naga form a minority in Northeast India and the northwest of Myanmar — and consist at the same time of thirty different ethnicities: three to four million people, with numerous languages. How do they manage to preserve their traditional history and integrate into altered ways of life? How do fit that together with modern tattoos, fashion, and social media? What role does Christianity play? Authors among others from Naga Land describe various facets of their contemporary and current culture and make the Naga collection of the Ethnological Museum in Berlin appear in a new light, supplemented with contemporary objects. The artist Zubeni Lotha shows the life of the Naga today in impressive photographs.

• Current topics such as fashion, tattoos, and social media in the life practice of the Naga, a minority in Northeast India

Max Liebermann (1847–1935) – Mitbegründer der Berliner Secession und langjähriger Präsident der Akademie der Künste – war einer der wichtigsten Künstler seiner Generation. Neben seinem beeindruckenden malerischen Werk spielt auch Liebermanns Druckgrafik eine wichtige Rolle: Über 600 Motive als Radierungen, Lithografien und Holzschnitte sind heute in Museums- und Privatsammlungen auf der ganzen Welt verteilt. Dieser Katalog bietet eine Einführung in Liebermanns druckgrafische Arbeiten anhand ausgewählter Werke aus der Sammlung der Max-Liebermann-Gesellschaft Berlin. Darüber hinaus werden die gängigen, druckgrafischen Techniken vorgestellt sowie die Entwicklung der Druckgrafik des bedeutendsten Vertreters des Impressionismus genauer beleuchtet. Fokussiert wird die Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte seiner druckgrafischen Blätter sowie die Erforschung dieser Werke heute.

Der Sammelband konturiert ein Forschungsprojekt am Angermuseum Erfurt und bildet den Auftakt zu einer Neubewertung des Erfurter Landschaftsmalers Friedrich Nerly (1807-1878), der seine Hauptschaffensjahre in Italien, v.a. in Venedig, verbrachte. Will man dem Phänomen Nerly gerecht werden, so gilt es, den Wandel der künstlerischen, wirtschaftlichen und sozialen Kontexte in den Blick zu nehmen. Nerlys Werk ist mit den innovativen Malpraktiken und Motivfindungen der frühen Pleinairmaler zu verbinden sowie mit Verkaufsstrategien, die auf den sich globalisierenden Kunstmarkt und Tourismus reagierten. Im Sinne der Kulturtransferforschung ergeben sich länderübergreifende Fragestellungen, z.B. nach Errungenschaften, die Nerly nach Italien brachte, oder Inspirationen, die er in seiner zweiten Heimat fand.

The main title of this second volume of Writings on Contemporary Art is borrowed from Claude Lévi-Strauss, whose thinking influenced a generation. Inspired by Marcel Proust, Lévi-Strauss wrote about the processes of producing painting, music, literature, calling the technique described by Proust “double articulation.”

This volume focuses primarily on works of art in which the “first-order units” are themselves artistic works that are cited, recombined, and reworked. The concepts of “primary objects” and of “double articulation” deepen our understanding of the disruption of sequences and the disturbance of cultural traditions.

The works of art discussed in this book inscribe themselves in a context of transmission that is modified and renewed for experience in the present.

Franz Lenk (1898–1968) was one of the most well-known painters of Neue Sachlichkeit. The publication offers a current perspective on his oeuvre and artistic career. It poses questions not only about his artistic role models, but also about his worldview and how it is manifested in his painting. For instance, Lenk’s ambivalent position during the years from 1933 to 1945 is analyzed and assessed within the context of the events of the time. Biographical and art-historical insights, including about the group "Die Sieben" (The Seven) and his participation in the exhibitions of the Carnegie Institute in Pittsburgh in the 1930s, are incorporated into the presentation. The exhibition and catalogue present numerous works from twenty-four private and public collections in Germany and Switzerland.

This is the first book on the boundary-pushing practice of the artist, dancer, and educator Suzanne Harris (1940–1979). Harris was a protagonist in key avant-garde projects of the downtown New York City artists’ community in the 1970s (the Anarchitecture group, 112 Greene Street, FOOD, The Natural History of the American Dancer, Heresies); yet her own oeuvre fell into abeyance.

Harris’ postminimalist work broke the mold of art categories, (feminist) art practices, art spaces, and the common notion of space. By transcending sculpture and dance, she created ephemeral, site-specific installations, which she conceived as body-oriented choreographic situations. Her approach of sensory awareness led to a holistic philosophy of space, which again is paradigmatic for a materialist approach to (social) space that emerged in the arts at the time.

• Rediscovery of a forgotten female artist
• New insights into the New York art scene
• Recipient of the Terra Foundation for American Art International Publication Grant

In feministisch geprägten Kunstproduktionen der 1980er Jahre erfolgte in den USA eine intensive Auseinandersetzung mit Sexualitätsentwürfen und Geschlechterverhältnissen im Hinblick auf deren ökonomische Bedingungen. Susanne Huber untersucht das Motiv des Begehrens als Schnittstelle zwischen den kontroversen Debatten um Pornografie und der Kritik an Darstellungskonventionen in kommerziellen Massenmedien im Umfeld der Appropriation Art. Vor dem Hintergrund postmoderner Kulturtheorie und Konsumkritik verweisen die spezifischen Techniken der Aneignung in den Werken von Lutz Bacher, Sarah Charlesworth und Barbara Bloom auf komplexe Konstellationen hegemonialer Differenzkonstruktionen und gesellschaftlicher Wertzuschreibungen sowie die formalen Konflikte der Wiederholung.

Protecting, healing, or punishing—people of various eras and origins have attributed such powers to the sculptures that are being presented together here for the first time: be it the sculpture of the Mangaaka from what is today the Republic of Congo, the protective goddess Mahamayuri from China, or the Maria on the globe from Southern Germany. Forty-five objects created between the fourth and the nineteenth century from two museums in Berlin provide a vivid testimony to the ever-present need for protection and orientation when dealing with individual or social crises. They represent the existence of an invisible world of gods, spirits, or ancestors, and create a connection between this world and a "different reality." As a result of how they are presented in museums, their context of use is, however, often lost—a situation that is reflected on by the authors of this book.

Objects that protect people and offer orientation in crisis situations — a universal topic in the history of humankind

(Bilingual edition: English / German)

Interdisciplinary educational turn

• The first issue of a new periodical of transversal research in education
• New national and international interdisciplinary research on didactics

• With contributions by Christine Künzli David, Anna Maria Loffredo, Hans-Jörg Rheinberger, and others 

Interdisziplinäre Bildungsoffensive

• Erste Ausgabe eines neuen Periodikums zur transversalen Forschung im Bildungswesen
• State of the Art interdisziplinärer Forschung in der Fachdidaktik
• Mit Beiträgen von Christine Künzli David, Anna Maria Loffredo, Hans-Jörg Rheinberger u. a.

Stars werden nicht geboren – sie werden gemacht. Das betrifft nicht nur Sport oder Unterhaltungsindustrie, sondern auch Museumsobjekte. Die Kunstwelt bietet vielfältige Beispiele dafür.

Ebenso ergeht es aber auch Sammlungsstücken in ethnologischen Museen: Einige machen Karriere, schaffen es zu einer gewissen Berühmtheit oder werden gar zu internationalen Ikonen, andere verbringen ihr „Museumsleben" weitgehend unbeachtet im Depot. Wie es dazu kommt und welche Faktoren entscheiden, ob aus einem Objekt ein Star oder ein Loser wird, damit beschäftigt sich diese Forschungsarbeit. Sie fragt anhand von bekannten wie auch unbekannten afrikanischen und ozeanischen Sammlungsgegenständen des Museums Fünf Kontinente in München nach ihrem „Making-of" und den Dynamiken in ihrer Wahrnehmung, Deutung und Wertschätzung.

• Satirical take on transhumanism, the future of humanity and technology
• Sketches and ideas for the Wonderland Incorporated trilogy

Hans Funk (1928–2002) made a name for himself as a draftsman starting in the 1960s and 1970s. From his beginnings in Art Informel, in his large-format pen-and-ink drawings he developed an extensive and independent oeuvre that oscillates betweenrenouncing and preserving form, between spontaneity and reflection. The artist lived and worked in Luneburg in Lower Saxony, thus far away from big cities and their art market protagonists. The volume now being published by his son Tobias Funk presents the development of his brilliant drawing art in eighty images. His drawing oeuvre is also described in detail in three art-historical essays.

In the German Democratic Republic (GDR), prehistory was part of the national narrative that served to legitimize the dictatorial regime of the Socialist Unity Party of Germany (SED). However, the socialist conception of prehistory came up against a heavily loaded ideological legacy in the wake of the notions of ‘German prehistory’ that had been espoused during the National Socialist period. Museums were tasked with mastering the politically prescribed narrative shift from an ethnic-nationalist conception of prehistory to a Marxist one. Using an extensive body of exhibition photos, this doctoral project analyses the depiction of prehistory in museums of the Soviet Occupation Zone and the GDR as well as discourses that led to the alteration or persistence of related concepts.

The painter and graphic artist Joseph Mader (1905-1983), who was shaped by his encounter with the works of Max Beckmann around 1928, was just beginning his career in 1933 and was thus confronted with the question of adapting and distancing himself. His isolation made him an artist of the "lost generation", who never had the chance to position himself in the art market prior to the "Third Reich". Mader continued his artistic career admidst the political discussions surrounding the art oft he postwar era as a figurative painter. He juxtaposed a love of "what is visible", the mysterious harmony of creation, with Beckmann’s hard-hitting view of the "objectivity" of the world. Mader’s life and work are an appeal to reassess thins generation’s evaluations of art and society.

Fotografien sind kulturhistorische oder zeitgeschichtliche Dokumente mit einem schier unerschöpflichen Themenspektrum und damit für Forschung und Vermittlung zentrale Informationsquellen. Doch auch als Form des Kunstschaffens wird die Fotografie zum Gegenstand von Sammlungen und vielbeachteten Ausstellungen. Der Band stellt die Stufen der technischen Entwicklung der Fotografie bis zur Gegenwart vor. Die Lichtbild-Techniken von den Anfängen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts werden in ihren Herstellungsverfahren beschrieben, die jeweiligen konservatorischen Problemstellungen skizziert und Maßnahmen vorgeschlagen. Nicht zuletzt widmet sich ein Beitrag den Aspekten der Langzeitarchivierung digitaler Bildaufnahmen. Die Publikation bietet übersichtlich und reich bebildert praktische Hilfen zur Identifikation und gibt Hinweise auf spezielle Risiken bei der Handhabung. Ausführliche Informationen zur Archivierung, Präsentation und zu konservatorischen Maßnahmen erleichtern den Umgang mit diesen empfindlichen Materialien.

Der beliebte Band liegt nun als durchgesehene, aktualisierte Auflage vor!

The eruption of Vesuvius in the year AD 79 signified a collective trauma; it revealed the fragility of the civilized world. Contemporaries explained the catastrophe from the perspective of the natural sciences or mythology; the later Christian population made attempts to interpret it from the viewpoint of religion. With the eruptions since the 17th century, a unique culture of piety developed in Naples, while, the natural science conducted as of the 18th century led to the erection of the first Vesuvius Observatory in the world. The people of Naples today find themselves in a field of tension between religion and science due to the ongoing threat. This volume is dedicated to the search for explanations, meaning, and hope—despite the uncontrollable threat—based on the example of numerous works of painting, sculpture, and craft.

Im Frühjahr 1797 erwarb der Schriftsteller Christoph Martin Wieland (1733–1813) das Gut Oßmannstedt, das er bis April 1803 mit seiner großen Familie bewohnte und bewirtschaftete. Hier entstand sein letzter großer Roman, „Aristipp und einige seiner Zeitgenossen". Wieland empfing hier zahlreiche Besucher, neben Goethe, dem Ehepaar Herder und der Herzogin Anna Amalia, die aus dem nahen Weimar kamen, seine Jugendliebe Sophie von La Roche mit ihrer Enkelin Sophie Brentano, die Schriftsteller Jean Paul, Heinrich von Kleist, Johann Gottfried Seume und viele mehr. Der Band erzählt die Geschichte von Haus und Park des Wielandguts Oßmannstedt und folgt der Ausstellung im Wieland-Museum, die in Leben und Werk von Christoph Martin Wieland einführt und seine Bedeutung für die deutsche Literatur zeigt.

By the end of the 18th century, notions of "forces of nature" (Naturkräfte) were increasingly discussed across disciplinary bounds: attraction and repulsion, vital forces and electric fluids, formative drives and biological organisms were examined as forces linked to ‘natural’ processes. German Romantic literature, science, and philosophy – from Schelling and Novalis to Günderrode and Hölderlin – pondered interrelated notions of forces considered as dynamic and continually active in nature – forces which, in turn, also appeared to shape human actions, social structures, and cultural developments. This volume explores the points of reference for, approaches to, and afterlives of Romantic conceptions and representations of natural forces at the intersection of natural sciences and cultural imaginaries.

Der Welt-Museumsverband International Council of Museums wurde 1946 als Antwort auf die Gräuel des Zweiten Weltkriegs gegründet. ICOM versteht sich als Brückenbauer, Think Tank und Netzwerk der Museumsfachleute und Museen. 75 Jahre nach Gründung ist es Zeit für eine Rückschau: Zeitzeugen-Interviews mit den noch lebenden Präsidenten von ICOM Deutschland und dem letzten ICOM-Präsidenten der DDR geben Auskunft darüber, welchen kulturpolitischen Herausforderungen der Verband sich gegenübersah, wie und ob diese bewältigt werden konnten. Tanja Bechtel hat es übernommen, leitfadengestützt im Sinne der Oral History und der Methodik von Experten-Interviews diese Zeitzeugen-Gespräche durchzuführen und in einem Bericht für ICOM Deutschland zu dokumentieren. Das Ergebnis ist ein Resümee langjähriger Verbandsarbeit im Kultursektor und eine Konfrontation mit zurückliegenden, aber auch mit aktuellen, zum Teil globalen Herausforderungen.

The leaded and cemented stained glass of the workshop of Heinrich Stäubli (1926-2016), St. Gallen, which is integrated into churches, restaurants, and schools, continues to shape the built environment of Eastern Switzerland today. The output of the workshop is characterized by relations among stained glass, murals, and graphic, textile, and funerary arts. This is the first analysis of the artworks and the estate from the perspective of intermediality and within the framework of modern art history. The study offers a systematic contextualization of Stäubli’s work within the history of stained-glass art in German-speaking countries, elucidating not only the operations of the artistic workshop but, more broadly, the artistic-social relevance of stained glass far beyond Switzerland in the 20th century.

This volume discusses, from various disciplinary perspectives, the challenges that researchers face when studying the agency of visual media, which has been a central approach since the Iconic Turn of 30 years ago. The editors combine contributions from an international lecture series, showcasing current positions on dealing with the impulses of the Iconic Turn, with others by researchers from the University of Regensburg, where more than 10 years ago the transdisciplinary research cluster "Seeing and Understanding" was founded. The contributions represent a wide range of fields, including art history, philosophy, theology, history, and pedagogy as well as film, dance, religious, and cultural studies.

Spektakuläre Restitutionen hochpreisiger Kunstwerke haben in der Öffentlichkeit den Eindruck erweckt, bei den in der NS-Zeit den jüdischen Bürger/-innen geraubten Gegenstände handele es sich nahezu ausschließlich um Kunstgegenstände und Objekte von hohem Wert. Das Gegenteil ist der Fall: Die meisten entzogenen Besitztümer waren Dinge des täglichen Lebens, Möbel, Wäsche oder banale Haushaltsgegenstände. Und sie landeten nicht nur in Behörden oder Museen, sondern auch in privaten Haushalten. Wie sollen Museen mit Gegenständen umgehen, die – angeblich – aus jüdischem Eigentum stammen und die ihnen nun oft von Nachkommen der Erwerberinnen und Erwerber angeboten werden? Stimmt die Familienüberlieferung? Kann man sie überprüfen? Und sollen Museen solche belasteten Gegenstände überhaupt annehmen?

(Multilingual edition: English, French, German)

Thilo Westermann is known for his reverse glass painting, unique prints, and photomontages.
The catalogue accompanies the exhibition of the same name at the Vitromusée Romont and presents the artist’s work, from colored pencil drawings to the manual processing of picture motifs on the reverse side of glass plates to photomontages. In addition to a wide range of color illustrations, the publication brings together contributions by internationally renowned art historians.

Introduction to the multifaceted work of the contemporary reverse glass painter

Thilo Westermann ist für seine Hinterglasbilder, Unikatdrucke und Fotomontagen bekannt. Der Katalog begleitet die gleichnamige Ausstellung am Vitromusée Romont und führt in das Werk des Künstlers von den filigranen, von Hand geschaffenen Motiven auf der Rückseite der Glasscheibe bis hin zum Wandern der Formen in den Fotomontagen ein. Neben einer Vielzahl von Farbabbildungen vereint die Publikation Beiträge international renommierter Kunstwissenschaftler:innen.

2020 wurde der 75. Jahrestag der Befreiung von Auschwitz gefeiert.Gleichzeitig verschwinden unaufhaltsam die letzten Überlebenden, während in Auschwitz Phänomene des Massentourismus wahrzunehmen sind. Angesichts dieses Umbruchs ist es wichtig, den Begriff der Erinnerung zu diskutieren und auch zu fragen: Was sehen dort die vielen Besucher? 2017 und 2018 hat Frédéric Mougenot die beiden Vernichtungslager sowie die Orte des sogenannten Interessengebietes fotografiert, welches nach 1945 größtenteils vergessen wurde. So zeigt sich in den Fotografien auch eine unsichtbare Grenze, welche Erinnerungskultur von schrittweisem Verschwinden trennt.

Der bedeutende, fast vergessene deutsch-jüdische Museumsmann und Kunstsammler Curt Glaser (1879–1943) wurde von den Nationalsozialisten zur Emigration getrieben und verkaufte 1933 in Berlin den Großteil seines Kunstbesitzes. Über den Verbleib einst in seinem Besitz befindlicher Werke erzielte das Kunstmuseum Basel mit den Erben Glasers eine international als „best practise" anerkannte Einigung und würdigt aus diesem Anlass Glasers Wirken in einer Ausstellung. Der Katalog bietet einen reich bebilderten Einblick in Glasers faszinierende Kollektion mit Werken von Edvard Munch, Max Beckmann und Henri Matisse. Essays verbinden neue Forschungen über den Förderer der Moderne und das Sammeln moderner Kunst und betten sein exemplarisches Schicksal in aktuelle Fragen um ehemaligen jüdischen Kunstbesitz in öffentlichen Museen ein.

Throughout the fin de siècle, "energy" was a buzzword that was used far beyond the boundaries of the sciences to negotiate the formative scope as well as limits of Western modernity. The human body was positioned at the center of the visualization of this enigmatic drive of all movement in discourses on labor and economics, physical culture, sport, art, and literature. It was through the body that this all-pervading and conditioning physical principle as well as its perceptual qualities were to be made tangible. This volume is dedicated to these "energetic bodies." The transdisciplinary individual contributions trace body scenarios of force and energy over the course of history from 1800 to the peak phase around 1900 and up to the present.

• Manifestations of “energy” in bodily processes of perception and transmission
• A key concept of modernity - examined over a period from 1800 to the present day

hzuvollziehen.

(bilingual edition: English / German)
Vertauschte Köpfe is being published in conjunction with the first joint exhibition by the brothers Andreas and Konrad Mühe at KUNSTWERK Sammlung Klein. How can these siblings—who could hardly be less alike—collaborate on an equal footing, harmonizing their respective artworks? Uniting them is an intensive preoccupation with their family’s history. And their differences are mutually complementary: while the first is concerned with the way in which the family history is interwoven with German history, the second addresses the relationship between human and technological bodies, as well as their political subtexts in the contemporary world. Not unlike a family whose members tell divergent stories about one another, the catalog takes up various temporal levels and narrative strands. Vertauschte Köpfe hence encompasses multiple books that refer to and challenge one another: the works of Andreas and Konrad Mühe engage in an interplay with texts by Valeria Waibel, Karsten Ehlers, Monika Maron, Kito Nedo, and a comic strip by Gregor Hinz. Hovering in the air is the question: How solid is the substrate of their shared foundation?

Vertauschte Köpfe erscheint begleitend zur ersten gemeinsamen Ausstellung der Brüder Andreas Mühe und Konrad Mühe im KUNSTWERK Sammlung Klein. Wie können sich zwei Brüder, die unterschiedlicher nicht sein könnten, auf Augenhöhe begegnen und ihre Arbeiten in Einklang bringen? Was sie eint, ist die intensive Auseinandersetzung mit der Familiengeschichte. Unterschiede ergänzen sich: Während sich der eine mit der Verwobenheit von Familiengeschichte und deutscher Geschichte beschäftigt, bearbeitet der andere das Verhältnis von menschlichen und technologischen Körpern sowie deren politische Subtexte in der Gegenwart.

Gleich einer Familie, die sich unterschiedliche Geschichten übereinander erzählt, greift der Katalog die verschiedenen Zeitebenen und Erzählstränge auf. So enthält Vertauschte Köpfe gleich mehrere Bücher, die sich aufeinander beziehen und gegenseitig herausfordern: Die Arbeiten von Andreas und Konrad Mühe treten in Wechselbeziehung mit Texten von Valeria Waibel, Karsten Ehlers, Monika Maron, Kito Nedo und einem Comic von Gregor Hinz. Es schwebt die Frage im Raum: Wie fest ist der Untergrund des gemeinsamen Fundaments?

Petro-modernity is a local phenomenon essential to the history of Kuwait, while also a global experience and one of the prime sources of climate change. The book investigates petroleum’s role in the visual culture of Kuwait to understand the intersecting ideologies of modernization, political representation, and oil. The notion of iridescence, the ambiguous yet mesmerizing effect of a rainbowlike color play, serves as analytical-aesthetic concept to discuss petroleum’s ambiguous contribution to modernity: both promise of prosperity and destructive force of socio-cultural and ecological environments.

Covering a broad spectrum of historical material from aerial and color photography, visual arts, postage stamps, and master plans to architecture and also contemporary art from the Gulf, it dismantles petro- modernity’s visual legacy.

The Chinese photographer Lu Guang occupies himself with the socioeconomic and ecological issues connected with China’s "industrial revolution", which call to mind the problems of Western nations in the nineteenth and twentieth century. His photographs reflect the consequences of intensive coalmining and the environmental destruction that accompanies it. They impressively document the collateral damage that China’s emergence as an economic superpower and producer for the international demand has caused.
Lu Guang also captures the social life worlds of people who live on the poverty line in these industrial landscapes in powerful pictures. The catalogue accompanying his first monographic exhibition in Germany presents roughly 100 works with which Lu Guang makes us aware that: "There is only one earth, which we share."

Pastels from the eighteenth century are fascinating - due to either their closeness to nature and immediacy or the virtuosity of their execution, but always because of their opulent and fragile quality. The richly illustrated collection guidebook provides information in a compact form about all the works of this genre created between 1700 and 1800 in the Bayerische Staatsgemäldesammlungen. They include more than one dozen masterpieces by Joseph Vivien, Maurice Quentin de La Tour, Rosalba Carriera, and Jean-Étienne Liotard, as well as anonymous works. Introductory essays shed light on aspects connected with art history, the history of the collection, and art technology.

In conjunction with the 100-year anniversary of the Deutscher Kunstverlag, students at the Berlin University of the Arts took part in a competition. The aim was to examine the future of books as a print medium. The fascinating works selected—including video works, installations, and book-objects—were presented in an exhibition at municipal galleries. The catalogue documents the results, presents the artists and their works, and shows pictures of the exhibition. The presentation is supplemented by a foreword by the director of the publishing house, Katja Richter, welcoming remarks by the jury member Jörg Heiser, and an essay by Ilka Backmeister-Collacott that emphasizes the importance of the print medium in the age of technology in a declaration of love to the printed book.

Die neunte Ausgabe der Anthologie für zeitgenössische Literatur JENNY, herausgegeben von Studierenden des Instituts für Sprachkunst der Universität für angewandte Kunst Wien, erscheint zum Thema Beziehung, Liebe, Erotik. Sie versammelt 19 Beiträge (Lyrik, Prosa, Drama). Ein Essay von Jovana Reisinger zum Thema Frühlingsgefühle und ein Interview mit Şeyda Kurt zu ihrem Buch Radikale Zärtlichkeit runden das vielstimmige Sprachkunstpanorama ab.

Nahezu 200 Jahre schlummerte der in diesem Band erstmals vorgestellte Kunstschatz unerkannt in den Depots der Tiroler Landesmuseen. Bekanntere grafische Sammlungen bewahren ihre Werke meist aufgelegt in Passepartouts, auf denen sich mitunter kurze, bisweilen kryptisch anmutende Notizen finden, in denen Kunstkenner/-innen ihre Zuschreibungsvorschläge hinterlassen haben. Für den noch unerforschten Innsbrucker Bestand wurde ein solcher, oftmals über Jahrzehnte auf den Passepartouts ausgetragener Gelehrtendiskurs gewissermaßen im Zeitraffer angestoßen. Die Publikation versammelt von Experten/-innen aus aller Welt eingegangene Passepartoutnotizen zu den hier erstmals der Öffentlichkeit übergebenen Zeichnungen. Geboten wird ein unverstellter Einblick in die Praxis kennerschaftlicher Urteilsbildung.

This volume examines the reach of modernism in design and performance in interwar Romania. It follows the transnational trajectories of several remarkable Jewish avant-garde artists, actors, and directors based in Bucharest, the country’s capital, in the 1920s and 1930s. The first part of the book recovers the history of Bucharest’s first modern design institution and investigates its links with German design and the Bauhaus. The second half focuses on several innovative collaborations in the realm of Yiddish theatre, including the time spent in Romania by the world-renowned Vilna Troupe. Based on extensive original research, the book shows how Bucharest was connected to Berlin, Riga, and Chicago, highlighting the contribution of Jewish cultural production to avant-garde movements in Europe and beyond.

Sven Hoppler (*1995 in Basel) beeindruckt schon in seinem jungen Alter mit auffällig präzisen Malereien. In seinen aufwendigen Lasurenmalereien greift er dabei mittels zeitgenössischer Motive Bildtypen und Gesten der Kunstgeschichte auf. Dabei entstehen Werke, die mit Bildtraditionen spielen. Sie knüpfen kompositorisch an überlieferte Ikonografien an, überraschen auf den zweiten Blick aber oft durch Verdrehungen, Verfremdungen oder ironische Brechungen.

In seinen Arbeiten beschäftigt sich Sven Hoppler immer wieder mit Fragen gesellschaftlicher, religiöser, (populär-)kultureller und bildgeschichtlicher Art. Dieser erste Katalog von Sven Hoppler präsentiert die in den letzten Jahren entstandenen Arbeiten, darunter auch das zentrale Triptychon „Unbemerkte Berufung", welches als Ausklappseite detailliert dargestellt ist. Faszinierende Detailabbildungen, Ausstellungs-, Atelieransichten und zwei Textbeiträge der renommierten Kunsthistoriker Mark Gisbourne und Beat Wyss geben zudem Einblicke in das bisherige Schaffen von Sven Hoppler.

Hans Purrmann und Mathilde Vollmoeller-Purrmann zählen zu den bedeutenden Malerpaaren der Klassischen Moderne. Der Diskurs mit anderen Künstlerpaaren ihrer Zeit eröffnet ein Spektrum vielfältiger Lebensbilder. Rollenverteilung in Partnerschaft und Familie sowie Ausbildung, Alltag der künstlerischen Arbeit oder Stellung im Ausstellungswesen sind spannende Aspekte moderner Kunstgeschichte.

Hochkarätige Spezialist/-innen beleuchten Leben und Werk von Sabine und Reinhold Lepsius, Marg und Oskar Moll, Leo von König und Mathilde Tardif, Carl Casper und Maria Caspar-Filser, Wassily Kandinsky und Gabriele Münter, Alexej von Jawlensky und Marianne von Werefkin sowie Max Beckmann und Minna Tube. In diesem imposanten Panorama der Avantgarde werden neben der Genderproblematik auch Netzwerke der Moderne sichtbar.

Der südlich von Weimar von Herzog Ernst August nach 1728 angelegte Park von Belvedere wurde um 1820 durch seine Pflanzenvielfalt weit über die Landesgrenzen hinaus bekannt. Goethe und Herzog Carl August nutzten Park und Orangerie für botanische Studien. Der Band erzählt die Geschichte der ursprünglich barocken Anlage und deren Erweiterung durch Elemente des englischen Landschaftsgartens mit Parkarchitekturen und Schmuckplätzen bis in die Gegenwart; seit 1998 gehört Belvedere zu den UNESCO-Welterbestätten. Ein Rundgang durch den Park beginnt am Lustschloss, dem architektonischen Zentrum der Anlage. Hier ist ein Museum des Kunsthandwerks und der adeligen Lebenskultur des 18. und frühen 19. Jahrhunderts untergebracht. Auch die Orangerie und das historische Gärtnerwohnhaus sind mit Ausstellungen für Besucher geöffnet.

In Kunstmuseen sind Live-Performances heute selbstverständlich. Handelt es sich dabei jedoch um eine neue Entwicklung? Wann, wie und warum wurde die Kunst im Museum lebendig? Diesen Fragen geht die Autorin nach. Sie beleuchtet die wenig bekannten Anfänge des Phänomens Performance im Museum und schreibt somit Performance- und Museumsgeschichte neu.

Ausgehend vom US-amerikanischen Kunstsystem der 1970er-Jahre, ein Nukleus früher Performance, werden Aufführungen und Ausstellungen von Performer*innen wie Merce Cunningham, Laurie Anderson oder Chris Burden rekonstruiert. Sogar Arnold Schwarzenegger hat einen Gastauftritt. Abseits des gängigen Narrativs widerständiger Performancekunst eröffnen Analysen der institutionellen, ökonomischen und politischen Kontexte ein spannendes kulturhistorisches Panoptikum.

Die Zeit ab der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bezeichnet die (Presse)fotografiegeschichtsschreibung häufig als «Krise» oder «Ende der Pressefotografie». Anlass hierfür waren beispielsweise Änderungen in der Medienlandschaft, in den Vertriebskanälen von Medienprodukten oder in der Fototechnik. Exemplarisch überprüft die vorliegende Publikation wie das Stadtsanktgaller Pressebüros Kühne Künzler während mehr als 50 Jahren auf diese Umbrüche reagierte.

Die einmalige Überlieferungssituation des Pressebüros erlaubte es, bei der Arbeit an den Forschungsfeldern Unternehmen, Markt und Produkt Bild- und Schriftquellen sowie Objekte miteinzubeziehen. Dadurch konnten verschiedene Aspekte der Foto-, Technik-, Lokalgeschichte, der Betriebswirtschaftslehre sowie der Publizistik- und Medienwissenschaften interdisziplinär thematisiert werden.

Trotz Bemühungen des wiedervereinigten Deutschlands um die Regelung «offener Vermögensfragen» stellen sich für kulturgutbewahrende Einrichtungen bis heute museumsethische Fragen: Befindet sich 1945–1990 verstaatlichtes Eigentum heute zu Recht in öffentlichen Sammlungen? Welche Arten des Entzugs gab es? Wer waren die Akteure? Wann, unter welchen Umständen kamen die Objekte in öffentliche Sammlungen? Und woher?

Diese Fragen sind auch grenzübergreifend von Interesse. Entzogene Privatsammlungen und Stücke unsicherer Herkunft aus dem «Museumsfonds der DDR» wurden gegen Devisen auf dem internationalen Kunstmarkt verkauft.

Das Deutsche Zentrum Kulturgutverluste widmet sich u.a. den Entziehungen von Kulturgütern in Sowjetischer Besatzungszone (SBZ) und DDR und ermöglicht seit 2017 Grundlagenforschung in diesem Bereich.

Als Mittel der Konservierung ist Kälte seit alters her von fundamentaler Bedeutung für die menschliche Kultur, doch erst mit dem Industriezeitalter wurden Möglichkeiten künstlicher Kühlung ersonnen, die heute selbstverständlich sind. Mit ihr gingen aber auch neue Möglichkeiten der Erkenntnisgewinnung einher. Die gefrorene Bewegung wurde zur Metapher der verlangsamten Aufzeichnung. Ohne Kryotechnik gäbe es auch keine modernen Rechen- und Bildgebungsprozesse. Diesen Möglichkeiten eiskalter Beobachtung stehen Sichtbarkeitsverluste durch Frost oder Niederschlag gegenüber, so wie die künstliche Absenkung von Temperaturen gerade durch ihren Energieverbrauch den Klimawandel weiter anheizt. Die Technik der Kühlung erreicht in jeder Hinsicht neue Tiefst- und Höchstmarken - mit umfassenden Folgen für das Wissen und die Wahrnehmung.

Die Villa Silberblick, in der Friedrich Nietzsche geistig umnachtet seine letzten Lebensjahre verbrachte, war ursprünglich ein bürgerliches Wohnhaus. Nietzsches Schwester Elisabeth Förster-Nietzsche pflegte den Kranken dort nicht nur, sondern wusste auch die kultische Verehrung des Philosophen für ihre eigenen Zwecke zu lenken und richtete im Gebäude das Nietzsche-Archiv ein. Auf wirksame Inszenierung bedacht und geschäftstüchtig, beauftragte sie nach Nietzsches Tod den belgischen Jugendstilkünstler Henry van de Velde, das Archiv zu einer Weihestätte des Nietzsche-Kults umzugestalten. In den ersten Jahren Anziehungspunkt der europäischen Avantgarde, wurde das Archiv durch Elisabeth Förster-Nietzsche später in das Kielwasser der Nationalsozialisten gesteuert, bevor es deswegen in der DDR zum Unort wurde. Der Band erzählt mit vielen farbigen Abbildungen die wechselvolle Geschichte einer Memorialstätte, in der sich Ambivalenz der Moderne widerspiegelt.

Dioramas are devices on the frontier of various disciplines. Their use developed during the nineteenth century, following reforms aimed at developing the educational dimension of museums. This book examines the anthropological dioramas of two North American museums in the early twentieth century: the American Museum of Natural History, New York, and the New York State Museum, Albany. Dioramas featuring human figures are now the subject of harsh criticism; this thorough study of the work of the artists and scientists who made them sheds light on their genesis. Sites for creating and mediating knowledge – combining painting, sculpture, photography, and material culture – dioramas tell a story that is always political. They create visions of otherness and of ancestry within the museum.

Der Park an der Ilm als Teil des Ensembles UNESCO-Welterbe „Klassisches Weimar" ist heute gleichermaßen Gartendenkmal wie Erholungsort. Der Band beschreibt die beispielhafte Entwicklung der anfangs barocken Anlage in der Zeit Goethes zum Landschaftspark im englischen Stil mit den für die Epoche 1770 bis 1830 typischen Entwicklungsphasen. Neben dem Wörlitzer Park entwickelte sich dieser Garten zu einem der modernsten seiner Zeit in Deutschland. Im Gegensatz zu vielen anderen zeitgenössischen Anlagen verzichtete man in Weimar weitestgehend auf allegorisches Beiwerk und setzte auch Denkmale und Architekturen eher sparsam ein. Das abwechslungsreiche Gestaltungs- und Raumkonzept aus künstlerisch geformten und zugleich natürlich anmutenden Partien ist bis heute prägend.

Die Korrespondenz zwischen dem Maler Hans Purrmann (1880–1966) und dem Schriftsteller Karl Scheffler (1869–1951) gibt einen einzigartigen Einblick in die Auseinandersetzung zwischen einem Künstler und seinem Kritiker von den 1920er Jahren über die Zeit des Nationalsozialismus bis zur frühen Nachkriegszeit. Scheffler leitete 1906–1933 in Berlin Kunst und Künstler, eine der renommiertesten deutschen Kunstzeitschriften, und begleitete den erfolgreichen Maler in einer Reihe von Ausstellungsbesprechungen und monografischen Artikeln. Purrmann äußerte sich seinerseits in der Zeitschrift mit Texten über Henri Matisse, den Kunsthandel oder die Südseekunst. Das gemeinsame Verständnis von Kunstentwicklungen und modernen Theorien bildet die Grundlage der Freundschaft und ihres Austauschs über die Grenzen Deutschlands hinaus.

The fifteenth volume of lectures from the Warburg House brings together contributions whose spectrum of content ranges from the dispute over the dome of St. Peter's Basilica in Rome in the mid-18th century to Aby Warburg's scientific and popular educational commitment to the Hamburg Planetarium and the aesthetic treatment of machine and technology. With contributions by Pascal Dubourg Glatigny, Emmanuel Alloa, Alexander Honold, Birgit Recki, and Gertrud Koch.

This volume focuses on notions of temporality in artistic practice. It gathers texts by ten cultural scientists who, by reflecting on the work of an artist or another art- or architecture-related protagonist, examine the subject of temporality, its reference systems, its framework, and its consequential phenomena. The contributors pose questions about the specific characteristics and influences of temporalities.

The various approaches brought together in the volume enable the reader to delve into particular cases in order to contextualize the question of how temporality initiates action and structures of perception, weaves itself into these structures, and thereby shapes our presence, affecting our bodies, our senses, and our communication.

Der Umgang mit Kräften gehört zum Grundinventar künstlerischer Verfahren. Im formgebenden und bewegenden Zugriff auf Material prägen sie sich konkret aus, etwa als Zug und Stoß, Schwere und Levitation, aber auch als Bindung und Auflösung.

Die Beiträge des Bandes untersuchen Vorstellungen von Form- und Bewegungskräften anhand von Beispielen aus Kunst, Musik, Tanz, Theater, Fotografie und Literatur. Gefragt wird dabei nicht nur, wie historische Kraftbegriffe (etwa energeia und vis aus der antiken Rhetorik) aufgenommen, weiterentwickelt und zu mechanischen, metaphysischen und organologisch fundierten Kraftkonzepten in Bezug gesetzt werden. Auch erkunden die Beiträge, wie in der Beschäftigung mit Form und Bewegung je eigene Kraftkonzepte hervorgebracht oder neu perspektiviert werden.

Bilder werden nicht als Kunst geboren. Marcel Duchamp hatte mit seinen Readymades den Kunstbetrieb in eine Debatte über In- und Exklusion von Alltagsdingen in die ‚Hochkunst‘ verstrickt. Seitdem kann man mit Arthur Danto vom „Ende der Kunst" sprechen. Duchamps Kunst-Erweiterung führte zu einer explosionsartigen Vermehrung von Kunstgegenständen und -begriffen, die bis in die Gegenwart anhält. Ferner provozieren Bilder und Objekte aus Nicht-Kunst-Bereichen mit eigener Tradition das Kunstsystem, indem sie Kunstkriterien adaptieren. Die Beiträge dieses Bandes handeln von Provokationen und Interventionen, den Transfers bzw. Vermischungen der Bild- und Objektkulturen und erforschen Bilder, Objekte und Aktionen in ihren kulturellen Kontexten, um dem sich in Auflösung befindenden Kunstsystem auf den Grund zu gehen.

Heavily represented sections of contemporary philosophy subscribe to the notion of "embodiment". However promising this pragmatic turn of events may be, it remains limited in that it interprets the world as a projection of the cognizing "I". By contrast, Image Acts focuses on the counterforce of the form of images. The book subdivides this sphere into three parts: imitation, substitution, and the pure effect of the form. All three parts are contemplated with examples from antiquity through to the present and the iconoclastic controversies of our times. From this reconstruction of the image act springs the element of a new philosophy of affordance.

Der Grundstein für eine öffentliche Kunstsammlung von Weltrang in Berlin wurde 1821 gelegt: Damals erwarb der preußische Staat für das zu gründende Berliner Museum die Gemäldesammlung des Kaufmanns Edward Solly (1776-1844). Dieser kosmopolitische Kunstfreund brachte in Berlin zwischen 1815 und 1820 Tausende Gemälde vor allem aus Italien, Deutschland und den Niederlanden zusammen, viele stammten von bis dahin kaum bekannten, seitdem und bis heute aber hochgeschätzten Künstlern. Die Ausstellung und der begleitende Katalog stellen Meisterwerke, Wiederentdeckungen und „historische Merkwürdigkeiten" in einem repräsentativen Querschnitt vor und eröffnen den Blick in eine Zeit, die einerseits unsere Vorstellungen von Kunst und Museen prägte, andererseits doch so ganz anders auf die Werke blickte, als wir es heute tun.

Seit jeher hat sich der Austausch der Kulturen auf die Kunst, das Kunsthandwerk und das Design ausgewirkt. Mit den Menschen reisen und migrieren auch Objekte, welche sich an neue Umgebungen und Kontexte anpassen. Der Katalog präsentiert Schmuck, Mode, Textil, Keramik sowie Grafik- und Industriedesign zeitgenössischer junger Designer/-innen und Künstler/-innen. Geprägt sind diese durch eine oft globale und selbst transkulturelle Herkunft und Biografie. Vorgestellt werden globale Netzwerke und Interpretationen von Techniken und Objekten sowie deren Entwicklungen und Botschaften, die sich durch die Mobilität verändert haben. Der gesetzte Fokus auf das Jetzt und die Zukunft zeigt, dass in der Zeit des kulturellen Pluralismus und der Heterogenität, Kunst und Design ohne transkulturelle Begegnungen nicht denkbar sind.

Entstanden in der Kulturhauptstadt 2019 Matera in der Region Basilikata in Süditalien sowie in Wien, präsentiert das zweisprachige Buch ein vielstimmiges Archiv von Sprachbildern und lotet die Themen Identität, Übersetzung, Erwartung, Fremdheit, Scham und Material aus. Persönliche Aufzeichnungen, Essays, Redewendungen, wild aneinandergereiht oder anhand poetischer und alltäglicher Orte methodisch geordnet, werden zu einem Band voller Erinnertem und Imaginiertem verdichtet.

Die Texte der Autorin werden ergänzt durch Gastbeiträge von Chiara Cardelli und Claudia Calcagnile, ein Gespräch mit Ferdinand Schmatz und Zeichnungen von Rudi Klein. Italienischer und deutscher Text alternieren und erzeugen mit den farbigen Abbildungen auf Ausklappseiten am Ende jedes Kapitels eine multiperspektivische Text-Bild-Komposition.

Die Publikation beleuchtet anhand zahlreicher historischer Quellen und mit über 60 Theaterfotografien, Programmheften, Besetzungszetteln, Notentitelblättern und Plakaten die bislang wenig bekannte Geschichte des im damaligen Landwehrkasino (dem jetzigen Museum für Fotografie) eingerichteten Theaters. Das „Neue Theater am Zoo" wurde 1921 eröffnet und bot ein abwechslungsreiches Unterhaltungsprogramm aus Musik-, Sprech- und Tanztheater. Bereits in den frühen 1930er-Jahren wurde die Bühne auch aufgrund der Folgen der Weltwirtschaftskrise aufgegeben. Das Theater im Landwehrkasino steht mit seiner rasanten Abfolge von Direktionen, Namensänderungen, großen Erfolgen und Pleiten exemplarisch für das Berliner Theaterleben der „goldenen Zwanziger Jahre".

This is the first accessible collection of interdisciplinary scholarship that expands on gridded modalities, with a strong affinity to the arts. It strives to inspire new avenues of research by exploring a new horizon of gridded relationships among humans, between humans and the environment, and between human and non-human actors. By bringing together philosophical and more applicable themes, it illustrates how a multifaceted genealogy of the "grid" can operate as an exercise in grasping its inherent complexity and incomplete quality. Built as a collective effort made by a group of researchers, practitioners and designers, it promotes an understanding of gridded modalities as complex networks that interact with other networks, generating new meanings that reflect a change of thought.

Zwischen 1750 und 1753 schuf Giambattista Tiepolo (1696–1770) seine weltberühmten Fresken in der Würzburger Residenz. Anlässlich seines 250. Todesjahrs präsentiert das in der Residenz gelegene Martin von Wagner Museum Zeichnungen, Radierungen und Gemälde Tiepolos, dazu zahlreiche Blätter aus seinem unmittelbaren Würzburger Wirkungskreis: Merkskizzen seines Sohnes Giandomenico ebenso wie Pauskopien seines wichtigsten Mitarbeiters Georg Anton Urlaub. Gezeigt werden vor allem Werke aus dem Besitz des Universitätsmuseums, ergänzt durch internationale Leihgaben. Der geniale Venezianer sollte, so die Hoffnung des Fürstbischofs, "nach seiner gerühmten stärcke der arbeit die schönheit geben." Die Ausstellung zeigt auf, wie dieser Prozess in der Werkstattpraxis Realität wurde.

Die kunsthistorische Forschung und Lehre ist aufs Engste mit der Mediengeschichte verzahnt. Durch die Digitalisierung ergeben sich hier neue Perspektiven.

Der Band wirft vor diesem Hintergrund einen differenzierten Blick auf die Vielfalt kunsthistorischer Lehrmedien, indem er nach der Geschichte, den Prämissen, aber auch den Grenzen kunsthistorischer Medienpraxis fragt. Fallstudien widmen sich den unterschiedlichen Medien und ihrer Verwendung für die Wissensproduktion innerhalb der Kunstgeschichte. Beiträge u.a. von Alexandra Axtmann, Peter Bell, Matthias Bruhn, Bernd Carqué, Ortwin Dally, Ute Dercks, Philipp Goldbach, Erkki Huhtamo, Joseph Imorde, Rossella Monaco, Hubert Locher, Maria Männig, Susanne Müller-Bechtel, Robert S. Nelson, Franziska Scheuer, Barbara Schrödl, Andreas Zeising.

Bilingual Edition (English / German)

Oskar Kokoschka (1886–1980), the wild child of Viennese modernism, a versatile master of image and word, the progenitor of a much-imitated doll fetish, and an anti-fascist defamed by the Nazis as “degenerate”, was the epitome of the radical, political artist.

Kokoschka revisited: This publication presents new research findings as well as differentiated and critical insights in the life and work of a fascinating artist.

Oskar Kokoschka hat sich als „Oberwildling“ der Wiener Moderne, als Multitalent in Bild und Wort, als Schöpfer eines viel rezipierten Puppenfetischs und als prominenter, von den Nazis als „entartet" diffamierter Künstler und Antifaschist in den Kanon einer explizit widerständigen Moderne eingeschrieben – als Inbegriff des radikalen, politischen Künstlers.

Kokoschka revisited: Die Publikation versammelt als Ergebnis einer internationalen Tagung am Oskar Kokoschka Zentrum der Universität für angewandte Kunst Wien aktuelle Forschungen aus Kunst- und Kulturwissenschaft, Zeitgeschichte, Literatur- und Theaterwissenschaft, Gender Studies und Biografieforschung. Auf Basis bislang unbekannter Quellenfunde beleuchtet sie Leben und Werk des faszinierenden Künstlers neu und hinterfragt kritisch seine wirkmächtigen Narrative.

Person und Musik Mozarts faszinieren bildende Künstler bis heute. Zum 100-jährigen Jubiläum des Mozartfests Würzburg gehen eine Ausstellung im Martin von Wagner Museum und der begleitende Katalog dieser langen Wirkungsgeschichte nach. Neben originalen Zeugnissen Mozarts spannen rund 60 Kunstwerke – unter anderem von Chagall, Klee und Slevogt – einen Bogen von Porträts und Denkmälern, die das Bild des Komponisten nachhaltig bestimmen, über Bühnenbilder zur Zauberflöte bis hin zur abstrakten Malerei. Die Ausstellung legt einen besonderen Akzent auf die schöpferischen Energien, die Mozarts Schaffen freisetzte und den Wandel von der Darstellung beliebter Opernszenen und -figuren seit dem frühen 19. Jahrhundert hin zur Reflexion von Kompositionsprinzipien im 20. Jahrhundert und der Gegenwart.

In den letzten Jahren hat das theoretische und praktische Interesse an Diagrammen stark zugenommen. Kultur- und Bildwissenschaft, Philosophie, Medientheorie, Gestaltung und Kognitionsforschung sind gleichermaßen am epistemischen Gebrauch diagrammatischer Bild- und Denkformen interessiert. Bislang gibt es jedoch keine gemeinsame Lektürebasis, die die Diskussionen zu diesem Thema bündelt.

In Form einer Anthologie bietet dieser Reader klassische und innovative Schlüsseltexte zur Diagrammatik aus unterschiedlichen Perspektiven an. Diese enthält Texte zu theoretischen, praktischen und historischen Dimensionen des Denkens und Darstellens mit und von Diagrammen seit der griechischen Antike. Ein kommentierter Bildteil veranschaulicht die reiche Geschichte der Diagrammatik anhand konkreter Beispiele.

Die Pflanze hatte in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Konjunktur als Ideengeberin für die künstlerische Form. In Kunsthochschulen und im Kunstgewerbe kursierten Vorlagenwerke, deren didaktische Bildlichkeit bislang wenig erforscht wurde. Das Buch liefert nicht nur einen Beitrag zur Theorie und Geschichte der Bildvorlagen von Pflanzen, sondern zeigt auch die große Aktualität des Vegetabilen in der Kunst der Gegenwart auf. Es untersucht Vorstellungen von kultureller Erneuerung, die mit dem steten Rhythmus des Keimens, Wachsens und Blühens der Pflanze verbunden sind, wie auch die politische Instrumentalisierung der Flora in Kategorien des Heimischen und Nationalen. Das Bild der Pflanze entfaltet sich dabei am Kreuzungspunkt von Botanik und Ästhetik.

Das Europäische Hansemuseum, bereichert seit Mai 2015 die Museums- und Kulturlandschaft Lübecks und Norddeutschlands. Es zeigt die facettenreiche Entwicklung des anfänglichen Kaufmannsbundes hin zu einer nordeuropäischen Großmacht mit einem Netz von über 200 Partnerstädten.

Im Norden der Lübecker Altstadt, als Teil des Europäischen Hansemuseums, erhebt sich das St. Maria Magdalenen Kloster – besser bekannt als Burgkloster. Es ist eine der bedeutendsten Klosteranlagen Norddeutschlands. Durch die einzigartige naturräumliche Lage am schmalen Landzugang zur Stadt, ist der Ort einer der wichtigsten Siedlungsplätze Lübecks. Die im Laufe von Jahrhunderten gewachsene Geschichte des Klosterhügels ist eng mit der Entwicklung der Stadt und der Hanse verbunden.

Der Kleine DKV-Kunstführer zum Burgkloster Lübeck bietet einen Einblick in die Geschichte dieses Hauses und begleitet Besucherinnen und Besucher mit einer Vielzahl an Farbabbildungen durch die Räume.

The catalogue is dedicated to diverse aspects of the rediscovery of color in the glass art of the nineteenth and twentieth century. The influential color theories of Isaac Newton, Michel Eugène Chevreul, Owen Jones, or Johannes Itten, which created the theoretical basis, are addressed as well as methods for producing stained glass developed by artists such as Clement Heaton, Charles Wasem, or Marcel Poncet, and Islamic art, which served as a source of inspiration. The examination of color and the expansion of the existing color palette in glass art are then presented based on works created within the context of the opalescent era in American stained glass, the Bauhaus, and the revival of Swiss stained glass by the St-Luc group of artists.

Mit den neuesten Entwicklungen der Bio-Art verwirklicht sich scheinbar ein Jahrtausende alter Menschheitstraum - der Traum vom Künstler als zweitem Gott und Schöpfer eines eigenen, belebten Universums. Erstmals treten heute KünstlerInnen mit dem Anspruch auf, tatsächliche, genetisch veränderte Lebewesen nach ihren Vorstellungen als Kunstwerke zu erschaffen. Eingelöst scheint, was zuvor als unerreichbarer Fluchtpunkt künstlerischen Strebens, als Beschreibungsmetapher, Modellvorstellung und Qualitätskriterium für Kunst galt, daß nämlich Kunstwerke ‚Lebewesen' sind oder sich doch am besten durch Konzepte erfassen lassen, die dem Bereich biologischer Lebensvorgänge enstammen. Die Fragen nach der visuellen Umsetzung von Theorien und Topoi des ‚lebenden Kunstwerks' in ihrer historischen Entwicklung bestimmen dieses Buch: In welchen Formen vollzieht sich der künstlerischer ‚Belebungs'-Akt? Wie wird das ‚Leben' nicht nur an die Bildwerke heran-, sondern hineingetragen? Wo liegen die Bedingtheiten der Artefakte und mit welchen Mitteln werden sie versuchsweise überschritten? Schließlich: Wie verändert sich auf Seiten des Betrachters die Wahrnehmung eines derart die Grenzen von Kunst und Leben in Frage stellenden Objekts? In jedem Fall erfolgt eine solche visuelle Aktualisierung von ‚Lebendigkeit' im Kunstwerk stets in Verbindung mit geschlechtsspezifischen Konzeptualisierungen des ‚Lebens': In den Vorstellungen über die Kreativität des Künstlers/der Künstlerin und der Wirkung des Kunstwerks werden biologische Prozesse, gendering und künstlerische Schöpfung aufeinander projiziert.

Der künstlerische Hochdruck als Ursprung der Medienkunst bietet Jahrtausende überspannende Entwicklungslinien. Diese sind in der Sammlung von Herwig Tachezi nach zu vollziehen und bilden den Ausgangspunkt für die Beschäftigung der Studierenden der Universität für angewandte Kunst Wien mit den historischen Meisterwerken des Hochdrucks. Als „Junge Meister“ beschäftigen sich diese mit den unterschiedlichen Werken der „Alten Meister“. Die Annäherung an die historischen Werke erfolgt dabei auf vielfältige Weise, konzeptuell, formal, ästhetisch oder auch technisch. Ergänzt werden die Arbeiten der Studierenden durch Werke von Jan Svenungsson und Michael Schneider.

Für die Nationalgalerie und das Zentralarchiv der Staatlichen Museen zu Berlin hrsg. von Sven Haase und Petra Winter

Katalog zur Ausstellung in der Nationalgalerie, Museum Berggruen, Berlin, vom 22. November 2018 bis 19. Mai 2019

Mit Beiträgen von Benjamin Fellmann, Sven Haase, Doris Kachel, Gabriel Montua, Antonio Rogus und Janna Stolte

Wie wird ein Kunstwerk populär? Wer waren die Eigentümer? Und unter welchen Umständen hat es seine Besitzer gewechselt? Das Interesse an der Geschichte von Kunstwerken, insbesondere für den Zeitraum der Jahre 1933–1945, wächst unaufhörlich – und die Provenienzforschung liefert hierzu bisher unbekannte und erstaunliche Antworten. In Zusammenarbeit mit dem Zentralarchiv der Staatlichen Museen zu Berlin präsentiert die Nationalgalerie eine Ausstellung, welche die Biographien der Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen von Künstlern wie Picasso, Braque, Laurens, Klee und Matisse aus dem Bestand des Museum Berggruen neu erzählt.

Einleitende Essays und Biographien zu ausgewählten Werken veranschaulichen in diesem Katalog die Geschichte der Privatsammlung von Heinz Berggruen und zugleich die Komplexität der Provenienzen: Vertreten sind nicht nur die berühmten Händler und Sammler Daniel Henri Kahnweiler, Alfred Flechtheim oder Douglas Cooper, auch der Kunstraub der Nationalsozialisten in Deutschland und Frankreich, das Umfeld Picassos sowie die Popularisierung der Klassischen Moderne in Amerika werden thematisiert. Vortreffliche Abbildungen der Werke, Fotos von Rückseiten, historische Aufnahmen, Porträts der Besitzer, ein Verzeichnis der untersuchten 135 Kunstwerke mit ausführlichen Provenienzangaben und ein Glossar zu den erwähnten Personen runden den Band ab.

Die Postgenomik und die Molekularbiologie sind Ausgangspunkte für eine Sammlung von Zeichnungen und Installationen aus 20 Jahren künstlerischer Praxis und künstlerischer Perspektive auf eine zunehmend mediale Kommunikationswelt, in der Feinheiten einer individuellen Sprache verloren gehen. Die verallgemeinerte Evolutionstheorie und die Extended Synthesis in der theoretischen Biologie haben Arbeiten der Künstlerin und Wissenschaftlerin Petra Maitz bis heute inspiriert. Daraus formte Maitz eine umfassende These der chemischen Weltveränderung und zeigt mittels Zeichnung Visualisierungen von Evolution im kulturwissenschaftlichen Sinn. Wissenschaftler und Wissenschaftlerinnen aus Medizin und Biologie und deren Forschungen werden aus künstlerischer Sicht vorgestellt.