Art

Raffael gilt als das zentrale künstlerische Vorbild der italienischen Renaissance. Bis zur Gründung der öffentlichen Museen im späten 18. Jh. waren seine Werke anderen Künstlern jedoch fast ausschließlich durch Übertragungen in Kupferstiche bekannt. Entscheidend für die Raffel-Rezeption waren dabei die Werke des Zeitgenossen Marcantonio Raimondi und dessen Werkstatt. Die Publikation untersucht die Druckgrafik Raimondis in ihrer Funktion als Vermittler der Bildschöpfungen Raffaels und als Auslöser kreativer Aneignung.

Ende des 16. Jahrhunderts ist in ganz Europa eine gewaltige Bildproduktion des christlichen Martyriums zu verzeichnen. Im Umkreis des Jesuitengenerals Claudio Acquaviva werden Kirchen und Kollegien mit grausamen Opfertoden ausgekleidet, die dann über Druckwerke weltweite Verbreitung finden. Jene Bilder, die das Gesetz, die Entscheidung und die Handlungen tyrannischer Regime als Folterqualen der Märtyrer visualisieren, warnen vor einer Bedrohung der eigenen Rechtsordnung. Die binäre Opposition von Gut und Böse ist nicht allein konfessionell oder politisch zu deuten, sondern als Verhandlung moralisch-juridischer Prinzipien. Die Bilder von Märtyrern und Tyrannen werden somit erstmals sowohl als Figuren der Theologie als auch des zeitgenössischen Rechtsgedankens evident.

In den Kunst- und Kulturwissenschaften unterliegen Forschungs- und Kommunikationsprozesse einem grundlegenden Wandel. Zum einen verspricht die Digitalisierung des Quellenmaterials eine globale Verfügbarkeit "vom Schreibtisch aus", zum andern werden neue Ansätze und Anwendungen in den Informationstechnologien entwickelt, die unter den Schlagworten eHumanities bzw. Digital Humanities die digitale wissenschaftliche Erschließung und Auswertung des vorgefundenen Materials in den Geisteswissenschaften verbessern. Die Beiträge des Bandes setzen sich aus interdisziplinärer Sicht mit unterschiedlichen Ansätzen, Problemen und Fragen bei der Entwicklung dieser Forschungsumgebungen auseinander und wagen einen Blick auf zukünftige Entwicklungen und Forschungsperspektiven in den Digital Humanities.

In Werken der Kunst kann Grau die Abwesenheit von Farbe sein oder selbst eine Farbe, ein Nullpunkt der Malerei oder ihre Summe. Es ist zugleich ein Mittel der (Material-)Imitation und der Abstraktion, ein Modus der Reflexion und ein Medium der Darstellung von Wirklichkeit. Dabei ist die Graumalerei nicht auf das Mittelalter oder das 20. Jahrhundert (etwa bei Jasper Johns, Cy Twombly oder Gerhard Richter) beschränkt. Sie ist ein obligates und immer wieder aktualisiertes Phänomen künstlerischen Schaffens, dessen Wurzeln auf die Antike zurückgehen und das deswegen auch vor dem Hintergrund dieser Tradition und im gattungs- und epochenübergreifenden Zusammenhang wahrgenommen werden muss.

Im Jahr 1989 kuratierte die Fotografin Nan Goldin im New Yorker Artists Space mit Witnesses: Against Our Vanishing die erste Gruppenausstellung zum Thema AIDS, in der unter anderem Fotografien von Philip-Lorca diCorcia, Peter Hujar, Mark Morrisroe und David Wojnarowicz gezeigt wurden.

Ausgehend von diesen fotografischen Repräsentationen untersucht die Studie die künstlerische Deutungshoheit von AIDS. Denn künstlerische Auseinandersetzungen mit der Epidemie wurden mit politischen und moralischen Bedeutungen aufgeladen und als Machtinstrumente im Kampf für die gesellschaftliche Sichtbarkeit von AIDS eingesetzt.

Anhand der Analyse der Ausstellung und sechs Interviews mit New Yorker Künstler/innen und Kuratoren werden neue Erkenntnisse zur künstlerischen, sozialen und politischen Bedeutung von Kunst über AIDS in den USA der späten 1980er Jahre vermittelt.

This book unravels the formation of the modern concept of cultural heritage by charting its colonial, postcolonial-nationalist and global trajectories. By bringing to light many unresearched dimensions of the twelfth-century Cambodian temple of Angkor Wat during its modern history, the study argues for a conceptual, connected history that unfolded within the transcultural interstices of European and Asian projects. With more than 1,400 black-and-white and colour illustrations of historic photographs, architectural plans and samples of public media, the monograph discusses the multiple lives of Angkor Wat over a 150-year-long period from the 1860s to the 2010s.

Volume 1 (Angkor in France) reconceptualises the Orientalist, French-colonial ‘discovery’ of the temple in the nineteenth century and brings to light the manifold strategies at play in its physical representations as plaster cast substitutes in museums and as hybrid pavilions in universal and colonial exhibitions in Marseille and Paris from 1867 to 1937.

Volume 2 (Angkor in Cambodia) covers, for the first time in this depth, the various on-site restoration efforts inside the ‘Archaeological Park of Angkor’ from 1907 until 1970, and the temple’s gradual canonisation as a symbol of national identity during Cambodia’s troublesome decolonisation (1953–89), from independence to Khmer Rouge terror and Vietnamese occupation, and, finally, as a global icon of UNESCO World Heritage since 1992 until today.

Examining Bernini's works from 1665 on, from Paris and Rome, this book demonstrates the wealth of material still to be drawn from close visual and material examination, archival research, and comparative textual analysis. On the whole, this collection deals with Bernini's position as the leading creator of portraits - in oils, marble, monumental architecture, and metaphor - of some of the most powerful political players of his day. These studies speak to the growing distance of Gallic absolutism from the fading dreams of papal hegemony over Europe, and to the complexities of Bernini's role as mouthpiece, obstacle, and flatterer of the Princes of the Papal States.

This volume presents the work of the “Collegium for the Advanced Study of the Picture Act and Embodiment” at the London Warburg Institute. It gathers studies on various topics: on the history and anthropology of the “picture act” (Bildakt); on theoretical and methodological aspects of picture act theory; on the role of image perception in the philosophy of the extended mind; on phenomena related to haptic experience of the image in the Middle Ages and early modern period; on somatic communication processes; on semiotic aspects of iconological thinking; and on the living dynamics of internal and external movement in imagery and language.

Die Fälschungen Wolfgang Beltracchis hinterließen nicht nur große Schäden in finanzieller Hinsicht: Auch in der Wissenschaft und auf dem Kunstmarkt tat und tut sich ein Minenfeld bislang kaum abschätzbaren Ausmaßes auf. Die vorliegende Studie nähert sich den Fälschungen Beltracchis mit einem interdisziplinären Blick, welcher der Komplexität von Fälschungsphänomenen Rechnung trägt: SpezialistInnen aus Kunstgeschichte, Rechtswissenschaft, Kriminalistik, Kunsttechnologie, Kunstmarkt, Sozialpsychologie und Wahrnehmungstheorie beleuchten dabei die verschiedenen maßgeblichen Aspekte.

Galileo’s O, Volume III, is perhaps without peer in the history of the book. In this work, historians in various fields revise the results they presented in the first two volumes, which focused on the New York copy of Sidereus Nuncius, written in 1610. The analysis of this book was conceived as a uniquely multidisciplinary and cooperative undertaking, and many of its findings remain valid. Yet the subject of analysis proved to be the work of an international group of forgers. Volume III describes the chronology and methods by which the discovery of forgery was made – a veritable watershed moment in the continuing struggle between the ever-more refined methods of forgers and new methods used to apprehend them. Ultimately, the work also provides insight into the psychology of specialists who “research themselves” in order to prevent similar errors in the future.

Hat Europa die Zentralperspektive erfunden? Oder existieren nicht auch Alternativen, den optischen Sprung aus zwei in drei Dimensionen zu realisieren, aus dem Bild in den Raum? Diesen Fragen widmet sich das vorliegende Buch aus den Blickwinkeln von Kunstgeschichte, Bildwissenschaft, Mathematik, Informatik, Psychologie, Museumspädagogik und Philosophie. Historisch gesehen ist die mathematisch konstruierbare "Perspektive" ein Produkt der frühen italienischen Renaissance. Seit ihrer Erfindung wurden jedoch immer wieder Zweifel an ihrer ästhetischen Substanz laut, die sich in den nächsten Jahrhunderten insbesondere im ostasiatischen Raum ausbreiteten. Neben der europäischen Bilderwelt werden deshalb auch zahlreiche Beispiele aus der chinesischen, der japanischen und der melanesischen Kultur zum Vergleich dargestellt. Darüber hinaus unterlagen 'Bilder' auch einem epochalen Wandel: Heute verstehen wir darunter nicht nur analoge Medien, etwa Tafelmalereien oder Druckgraphiken, Diagramme, Karten oder Modelle, sondern auch Resultate digitaler Verfahren in Naturwissenschaft und Medizin.

Wie konnte man 1945 einfach wieder anfangen? Diese Frage stellt sich ganz besonders für die deutschen Museen und ihren Umgang mit der Kunst der Moderne. Die meisten Museen waren stark beschädigt, die modernen Kunstwerke 1937 in der Aktion "Entartete Kunst" konfisziert, zerstört oder verkauft worden. Künstler, Kuratoren und Direktoren waren, wenn sie nicht ihrer jüdischen Herkunft wegen ermordet oder vertrieben worden waren, in den Dienst des Regimes eingetreten, manche widerwillig, manche freudig. Nun galt es, zum Teil mit dem alten Personal, zum Teil mit jungen Kräften, wieder anzufangen. Dieses Buch ist eine erste Bestandsaufnahme des Wiederaufbaus der Moderne-Abteilungen nach dem Zweiten Weltkrieg. Kuratoren, Kunsthistoriker und Provenienzforscher haben sich die Geschichte der wichtigsten Moderne-Museen genauer angesehen: Welche Personen waren verantwortlich, wo waren sie vor 1945 und wofür standen sie? Wo konnten sie welche Kunst ausstellen und mit welchem Geld? Ein besonderes Augenmerk wurde dabei auf den mehr oder weniger starken Einfluss der Besatzungsmächte gelegt. Beiträge zu den theoreti-schen Diskursen der Nachkriegszeit betten die Einzelrecherchen ein.

Bildliche Darstellungen des Propheten Mohammed gab es in Europa schon lange vor dem sogenannten "Karikaturenstreit". Bereits im frühen Buchdruck erscheint Mohammed als Personifikation der abendländischen Vorstellungen vom Islam und zugleich als eine faszinierende, schillernde Figur von gesellschaftlicher Relevanz. Anhand von Druckgraphiken in Koranübersetzungen und Biographien des Propheten aus fünf Jahrhunderten beschreibt die Studie die Konstanten und Wandlungen der Mohammedbilder in ihrem jeweiligen historischen Kontext. Damit leistet das Buch einen bildwissenschaftlichen Beitrag zur Erörterung von Alteritätskonstruktionen, zur Frage von Religionsdarstellungen in der bildenden Kunst und zur Geschichte des Islambildes in Westeuropa.

Migration, kulturelle Vielfalt und Globalisierung gelten als Besonderheiten der postmodernen Welt. Doch bereits um 1600 vernetzten sich die Hofkünstler Rudolfs II. in Prag über regionale und ideelle Grenzen hinweg und entwickelten eine vielstimmige, kosmopolitische Bildsprache. Diese Studie zeichnet nun erstmals diesen Prozess für eine Epoche nach, die gewöhnlich unter den Begriffen des Manierismus, des Naturalismus und des ‚Rudolfinischen' figuriert. Auf den Spuren des Wanderwegs einer Kerngruppe niederländischer Künstler entdeckt sie bislang unbeachtete Facetten einer Stilbildung, die von der Erfahrung kultureller Differenz bestimmt wurde und zugleich von dem Bemühen zeugt, sie in der Kunst aufzuheben. Mit dem Paradigma der discordia concors eröffnet die Autorin einen neuen historischen Horizont, der Prag um 1600 nun auch künstlerisch ins Zentrum des Konfessionsstreits rückt.

After his death, Che Guevara became an idol and was even compared to Jesus Christ. Many images, poems, plays, and films bear witness to this remarkable process, which made studious use of Christian iconography. In this way, Che Guevara became a Christ figure for our times. In order to explain their real affinity, the author examines Jesus as a historical figure and illuminates parallels with Che.

The book explores the historical connections between the notions of architectural interior, subjective space, human interiority, and represented space including virtual space.
In the 18th century the notion of "interiority" understood as a paradigm of human subjectivity came to be articulated in a sustained way in architectural and visual, rather than only literary forms. While the notion of the interior and the processes of "interiorization" were, as Walter Benjamin demonstrated, the defining features of 19th-century bourgeois culture, it is the different forms of conceptual assault on, or deconstruction of interiority that define the approach to space and self in the 20th and 21st centuries. The book examines models of understanding "interiority" as these were developed in relation to notions of space and spatial experience.

Der ökonomische Wandel in China katapultiert Millionen Menschen wie in einer Zeitmaschine in völlig neue Lebensverhältnisse. Im Zentrum der atemberaubenden Veränderung reflektieren die Künste diese Gegenwart. Performance-, Video- oder Medienkunst wechseln unaufhörlich ihre ästhetischen, thematischen und vor allem medialen Schwerpunkte. Die Einflüsse des Kapitalismus und seiner globalen Massenkultur bewirken eine Loslösung ethischer, ästhetischer, erotischer oder politischer Positionen von den Vorgaben kommunistischer Ideologie. Die junge Generation will weniger die Welt erneuern, als vielmehr die Kunst. Die Auseinandersetzung mit der europäischen Kunst ist dabei ebenso präsent wie Rückgriffe auf Konzepte, Begriffe und Symbole des Daoismus oder Konfuzianismus. In den um sich greifenden kreativen Übersetzungsprozessen reflektieren viele die kulturelle Diffusion, die sich durch aggressive Übernahme, kluge Appropriation oder sanfte Assimilation artikuliert.

Aussichten auf Land, 'Landschaft' und Gärten sind ein bestimmendes Merkmal von Palästen und Villen der Frühen Neuzeit in Italien, deren Diskurse über ideale Orte und architektonisch inszenierte Aussichten in diesem Buch erstmals umfassend rekonstruiert werden. Die Wirkungsgeschichte des antiken Topos des ‚Theaters aus Anhöhen' als idealtypische Aussicht einer Villa wird ebenso dargestellt wie die Genese des neuzeitlichen, ungeteilt-rechtwinkligen Aussichtsfensters. Die gebaute fenestra prospectiva (so ein Terminus des römischen Rechts) ist ein prägendes, aber bislang nicht beachtetes Bildmedium, die Aussicht ein wichtiges Thema von Architekten und Auftraggebern der italienischen Renaissance.

Die iranischen Waffen des 15. bis 19. Jahrhunderts sind laut einhelliger Meinung von Fachleuten in ihren Formen und Ornamenten die ästhetisch gelungensten Metallarbeiten ihrer Zeit. Diese Publikation, die erste deutschsprachige seit 1955, stellt Waffentypen, insbesondere aus Damast-Stahl, aus Sammlungen zweier prominenter Museen in den Mittelpunkt. Sie stellt damit weltweit eine der wenigen umfangreichen wissenschaftlichen Bearbeitungen dieses Themas dar, das auch von (Waffen-)Sammlern mit großem Interesse verfolgt wird.
Den Kern der Publikation bildet die kunstgeschichtliche und ästhetische Betrachtung der Waffengattungen und ihrer Ornamentik. Die Waffen werden entsprechend ihrer Typisierung, des Materials und der Ornamentik in ihrer Form und Funktion bestimmt. Das Verhältnis von Form und Funktion sowie deren Umspielung und Transformation in der Ornamentik bestimmen die Herangehensweise an das Material. Untersucht werden die Widerspiegelungen von Schutz, Abschreckung und Drohung in Material und Epigraphie, also die apotropäische Wirkung von Waffe und Rüstung. Das vorgestellte Material ist überwiegend unpubliziert und ergänzt so die wichtigsten Sparten um charakteristische Beispiele.

Welche Strategien nutzen zeitgenössische Künstler im Umgang mit dem Katalog, wie präsentieren sie dort ihre Arbeiten und sich selbst, was lässt sich daraus für den Kunstbegriff ableiten? Wie wird eine Ausstellung in ein Buch übersetzt und dadurch neu aufbereitet? Wie eng oder weit ist der Bezug zur Ausstellung gefasst, und wie ist das Verhältnis zwischen Katalog und Künstlerbuch, dienender Funktion und Autonomie? Der vorliegende Band analysiert exemplarisch Text- und Bildinszenierungen in Ausstellungskatalogen im Bezug auf Geschichte und Konventionen des Mediums. Einbezogen werden auch die Paratexte wie Titel und Danksagungen, ergänzend Gespräche mit einzelnen Künstlern und Gestaltern.

Das Kunstschaffen in der Schweiz des 19. Jahrhunderts war von einem vielfältigen und intensiven Austausch mit dem Ausland geprägt. Die häufig übersehenen Grenzüberschreitungen nimmt dieses Buch zum Anlass, eine neue Konzeption der Schweizer Kunst zu entwickeln. In deren Lichte stellt die Verfasserin exemplarisch an dem Schweizer David-Schüler Hans Jakob Oeri die Zusammenhänge zwischen Kunst, Staatspolitik, Künstlermobilität und Kunstrezeption dar. Sie erschließt zudem erstmals die anderthalb Jahrhunderte umspannende Ideengeschichte der Schweizerischen Kunstakademie. Gestützt auf eingehende Quellenstudien, wirft der Band so ein neues Licht auf die Entwicklung des Schweizer Kunstschaffens.

Der Sammelband fügt dem Diskurs um die Mensch-Ding-Beziehungen einen neuen Aspekt hinzu: Erstmals wird das Artefakt beziehungsweise Design-Objekt mit dem habituellen, spezifisch gestischen Gebrauchsverhalten seiner Nutzer zusammengesehen und die solcherart manifeste Haltung beziehungsweise motorische Handlung als Handhabung und als Quasi-Bild, kurz als ikonisches Gebrauchsmuster analysiert   und zwar nicht nur in theoretischer und künstlerisch-forschender Traktierung, sondern auch in einer Reihe von Fallstudien.
Der Band bietet damit einen umfassenden Einblick in die Fragestellungen aktueller Forschung und vermittelt zahlreiche neue Erkenntnisse zu einer Vielzahl von Objekten der Kunst- und Designgeschichte zwischen Mittelalter und Gegenwart.

Im Grenzbereich von Bild, Recht und Ökonomie erhalten Bilder der Infamie und Diffamierung eine brisante Bedeutung. Wo im Spätmittelalter über eine Pädagogik der Scham die Schuldner bestraft werden sollten, um dem Schuld- und Vertragsrecht Beihilfe zu geben, stellen Schandbilder bis heute ein Mittel der moralischen Verurteilung und der diffamierenden Darstellung rechtswidrig handelnder Personen dar. Die Beiträge des Bandes diskutieren sowohl den mit ihnen verbundenen "Bildzauber" als auch die Bedeutung von Ehren- und Schandstrafen in der Rechtspraxis, wie der "pittura infamante" und dem Bildnisgebrauch im Rechtswesen im Allgemeinen.

The question of the (photographic) construction and representation of national identity is not limited to the ‘long 19th century’, but is a current issue in the post-colonial, post-global, digital world. The essays by international contributors aim at studying the relationship between photographic archives and the idea of nation, yet without focusing on single symbolic icons and instead considering the wider archival and sedimental dimension.

Die wiederentdeckte Habilitation Erwin Panofskys

1920 reichte Erwin Panofsky, einer der einflussreichsten Kunsthistoriker des 20. Jahrhunderts, in Hamburg seine Habilitationsschrift zu Michelangelo ein. In den folgenden Jahren arbeitete Panofsky stetig an dem Manuskript weiter, doch veröffentlicht wurde es nie. Seit seiner Emigration 1934 galt es als verschollen. Nach seiner Wiederentdeckung im Zentralinstitut für Kunstgeschichte in München im Jahr 2012 wurde das Manuskript von Panofskys Witwe, der Kunsthistorikerin Gerda Panofsky, ediert. Die Habilitation Panofskys liegt nun erstmals in gedruckter Fassung vor, ergänzt durch eine Einführung der Herausgeberin und das Faksimile des kompletten, handschriftlich korrigierten und ergänzten Manuskriptes.

Museum science, museum analysis, museum history, and museum theory – all this expanding terminology underscores the growing scholarly interest in museums. A recurring assertion is that as an institution, the museum has largely functioned as a venue for the formation of specifically national identities. This volume, by contrast, highlights the museum as a product of transnational processes of exchange, focusing on the period from 1750 to 1940.

By crossing disciplinary boundaries in the field of the humanities, this volume aims to elucidate Muhammad’s visualization in the West vis-à-vis his image in Islam. It does so not by relegating materials to geographical and/or linguistic spheres or by separating texts from images. Rather, it seeks to place various articles in thematic and theoretical conversation so as to explore more broadly how the Prophet has been constructed, visualized, narrated, encountered, revised, adapted, and adopted in multiple cultural traditions, in European and American traditions and in the world of Islam from the medieval era until the modern period.

Max Pechstein (1881–1955) is one of the most prominent German artists of the twentieth century, not least because of his crucial role in the breakthrough of German Expressionism. This long overdue biography combines the portrayal of an outstanding artistic personality with the story of an individual German who struggled through the political upheavals of his time. Pechstein's work is presented in the cultural context of museum politics and art associations, art dealers and critics, market forces and cultural trends.

The publication is the first in a new series on existing and innovative paradigms in Heritage Studies. The series aims at systematising and developing the academic discourse on heritage, which has yielded a wealth and breadth of contributions over the past few years. The publication offers its own emphasis by developing heritage studies with a perspective towards and as a contribution to human development. It thus offers a vision for the construction and establishment of a new discipline. The academic mainsprings and research interests of this repositioning of heritage studies as an academic discipline are discussed by internationally renowned thinkers and heritage practitioners. The publication thus establishes first important points for discussion. Central to this publication are questions concerning the sustainable protection and use of heritage, focussing on the world cultural heritage and intangible cultural heritage, but equally questions on the relation of heritage and memory and how these could mutually enrich our understanding of heritage.

Thousands of people were driven into exile by Germany's National Socialist regime from 1933 onward. For many German-speaking artists and writers Paris became a temporary capital. The archives of these exiles became "displaced objects" - scattered, stolen, confiscated, and often destroyed, but also frequently preserved. This book assesses previously unknown source material stored at the Moscow State Military Archive (RVGA) since the end of the war, and offers new insights into the activities of German-speaking exiles in the 1930s in Paris and Europe. Against the backdrop of current debates surrounding displaced cultural goods and their restitution, this work seeks to facilitate a transnational, interdisciplinary scientific dialogue.

Von der Idee zur Materialität: Grundlagen für die architektonische Entwurfsarbeit

Am Anfang jedes Entwurfs steht die Frage nach der tragenden Idee: Die Idee wird zum Konzept ausformuliert. Das Konzept drückt sich in der Formensprache aus. Die Form fordert ein bestimmtes Material. Der Raum erhält seine Gestalt. Architektur wird erschaffen.
So beschrieben erscheint der Entwurfsprozess geradlinig und einfach. Doch für die Studierenden der Architektur ist er in den meisten Fällen ein schwieriger Lernprozess. Aber: Entwerfen kann man lernen!
Wie sehen konkret die konzeptionellen Möglichkeiten aus, den ersten Schritt zu einer Entwurfsidee zu finden? Welche Methoden können eingesetzt werden, um die Idee weiterzuentwickeln und zu einem architektonischen Konzept zu gelangen? Darüber hinaus heißt Architektur entwerfen in erster Linie (Innen-)Räume entwerfen. Wie aber werden Räume strukturiert anstatt sie bloß zu dekorieren? Welche Rolle spielt dabei der Umgang mit Material und Stofflichkeit?
Basics Entwerfen vereint die Bände Entwurfsidee, Methoden der Formfindung, Materialität und Raumgestaltung jetzt in einem Buch und beantwortet so in einem Zusammenhang die entscheidenden Fragen nach dem Wie und Warum des Entwurfsprozesses.

Seit der Antike haben Migrationsbewegungen eine besondere Bedeutung für die Veränderung von Baukunst und -technik. Diese können etwa durch Kriege, politische Repression, freiwillige Entscheidungen oder durch ökonomischen Druck ausgelöst werden. Immer wieder kam und kommt es dabei zu kulturellen Überprägungen, Transformations- und Verdrängungsprozessen, deren Ergebnisse die Stabilität bzw. Wandlungsfähigkeit einer Gesellschaft und ihrer Baukultur verdeutlichen.

Die Publikation versammelt Beiträge aus der Archäologie, der Bau- und Bautechnikgeschichte, der Denkmalpflege sowie der Kunst- und Architekturgeschichte. In Einzelfallstudien werden epochenübergreifend die Mechanismen untersucht, die zur Transformation des Bauens als Folge von individuellen und kollektiven Einwanderungen geführt haben.

Rudolf (von) Alt malte und aquarellierte Menschen, Landschaften, Dörfer und Städte in den Kronländern der Habsburger Monarchie, auf der Krim, in Italien und in Deutschland. Mit seinen Bildern dokumentierte er auch Wiens Wandel zur Weltstadt von den 1820er-Jahren bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts.

Stefan Oláh fotografiert Architektur, Lebens- und Kulturräume vom Himalaya bis Brasilien – und in Wien.

In Alt Wien Neu werden Bilder Rudolf (von) Alts und Fotografien von Stefan Oláh einander gegenübergestellt. Die Positionen der Künstler sind fast die gleichen, ebenso die Blickrichtungen. Die Motive sind ähnlich – oder sie sind es auch nicht.

Der Historiker Leonhard Weidinger leitet die Bildpaare mit kenntnisreichen Texten zu den Gebäuden, ihrer Geschichte und ihrer Umgebung ein.

Dieses Handbuch für Designbusiness wurde in seiner dritten Auflage völlig überarbeitet und erweitert – es gibt Orientierung in relevanten Fragen der Berufspraxis, Existenzgründung und Unternehmensentwicklung in der Designwirtschaft.
Von der selbstständigen Identität über Modelle und Pläne bis zu Bedingungen und Möglichkeiten werden die beruflichen und unternehmerischen Perspektiven im Design ausführlich analysiert. Statt allgemeiner Ratschläge und Tipps stehen persönliche Voraussetzungen und Handlungsempfehlungen unter subjektiven und objektiven Aspekten im Vordergrund – also Mente-, Sozio- und Artefakte.
Erik Spiekermann hat ein Vorwort verfasst und in themenspezifischen Interviews kommen Experten und Profis aus den Designer-Berufsverbänden zu Wort. Literaturempfehlungen, Personen-/ Sach-Indexe und Tabellen dienen der Orientierung.

Joachim Kobuss ist als Autor, Coach, Dozent und Publizist aktiv. Er betreibt unter seiner Marke DesignersBusiness® ein Büro für designökonomische Entwicklung und unter © Unternehmen:Design ein Institut für designpolitische Entwicklung. Er berät Designer aller Designbereiche, Unternehmen in ihrer Zusammenarbeit mit Designern, ist in der Lehre an Design-Hochschulen tätig, in Netzwerken aktiv, kooperiert mit Förderinstitutionen und engagiert sich als Experte für die Designwirtschaft im Rahmen der Initiative Kultur- und Kreativwirtschaft der Bundesregierung in Deutschland.

Alexander Bretz ist Rechtsanwalt in Berlin und spezialisiert auf die Beratung und Vertretung von Unternehmerinnen und Unternehmern aus den Bereichen Mode-, Produkt-, und Kommunikationsdesign sowie Visual Merchandising. Er ist als Redner und Dozent an Hochschulen tätig und als Verwaltungsdirektor der MD. H Mediadesign Hochschule am Standort Berlin, dort auch als Dozent für Recht, Management und Ökonomie im Mode- und Medienbereich

„Ahmet Oran steht in der Tradition monochromer, durch das Informel mitbestimmter Malerei. ... Es ist eine leise Bestimmtheit, die das Wesen seiner Gemälde ausmacht, die zwischen Mark Rothko, Gotthard Graubner und Hubert Scheibner anzusiedeln sind“ (Peter Baum).
Oran studierte zunächst in Istanbul Malerei und übersiedelte 1980 nach Wien, wo er bei Adolf Frohner mit Diplom abschloss. Sein großer Durchbruch gelang ihm 1995, als er bei einem Wettbewerb mit dem 2. Preis ausgezeichnet wurde.
Orans Arbeiten sind geprägt von der Materialität der Oberfläche. Die Reproduktionen erfordern höchste Fertigkeit in Lithographie und Druck sowie eine sensible grafische Aufbereitung, die vom renommierten Grafikbüro Bohatsch und Partner umgesetzt wurde.
Das Buch ist keine geschlossene Werkschau, sondern eine erste in fragmentarischen Werkgruppen gebündelte Zusammenfassung von Ahmet Orans bisherigem Oeuvre, beginnend bei den aktuellen Werkzyklen. Das Ende des Buches bildet eine chronologische Visualisierung der im Buch reproduzierten Werke.

Ein blutverschmierter Duschvorhang, ein Feuerzeug, das ein Flugzeug im Anflug auf die Twin Towers zeigt, plüschige Penis-Puschen: Die heutige Warenwelt ist geprägt von Stilvielfalt, Ironie und Trash – dem sogenannten schlechten Geschmack sind keine Grenzen gesetzt.
Dieses Buch geht der seltsamen Faszination des Skurrilen, Ekligen und Provokanten auf den Grund. Dabei stehen nicht nur Geschmacklosigkeiten auf dem Prüfstand, auch politisch unkorrekte Dinge finden in diesem Buch ihren Platz.
Auf Doppelseiten werden Produkte aus den unterschiedlichsten Bereichen einander gegenübergestellt - die teils überraschenden Konfrontationen entwickeln dabei einen ganz eigenen Reiz. Einführende Essays renommierter Autoren wie Volker Albus beleuchten zusätzlich verschiedene Aspekte rund um das Thema Design, Moral und Ironie.

Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen gilt als eine der wichtigsten deutschen Sammlungen für moderne und zeitgenössische Kunst. Mit dem Gründungsjahr 1961 liegt die außergewöhnliche Entstehungsgeschichte inmitten des Wirtschaftswunders und damit im Spannungsfeld zwischen kultureller Erneuerung und Restauration, der Repräsentation eines neuen Staatsverständnisses und der Wiedereingliederung in den internationalen Staatenbund.

Die Autorin untersucht Gründungsgeschichte und Sammlungsaufbau bis zur endgültigen Konsolidierung Ende der 1960er-Jahre. Sie betrachtet Leben und Wirken des Gründungsdirektors Werner Schmalenbach – seine Kindheit und Jugend in der Schweiz, seine Begegnung mit der „entarteten Kunst" sowie seine Rolle als Wegbereiter moderner Kunst in der jungen Bundesrepublik.

Der Bestandskatalog widmet sich einem bisher kaum erschlossenen Teil des Sammlungsbestandes des Städel Museums. Alle Werke – darunter Gemälde von Adam Elsheimer, Georg Flegel oder Johann Heinrich Roos – sind sowohl kunsthistorisch als auch gemäldetechnologisch nach den neuesten naturwissenschaftlichen Methoden umfassend untersucht worden. Unter Einbeziehung des jeweiligen kulturhistorischen Hintergrunds gelingen dadurch neue Erkenntnisse zu Entstehung, Zuschreibung, Identifikation oder Deutung der einzelnen Gemälde. Die Zusammenschau bietet spannende Einblicke in die Sammlungs-, Ausstellungs- und Forschungsgeschichte und eröffnet ein Panorama auf die vielschichtige Kunstproduktion im frühneuzeitlichen Deutschland.

Bi-lingual edition German - Italian

Glimmering glass beads can be threaded onto thin wire and shaped into flowers - a historical handcraft based in Venice and its famous Murano glass. In this lavishly illustrated book, Georg Ragnar Levi tells the fascinating story of how beaded flowers came to be loved and despised - and at one point in history even banned. So-called French beaded flowers were created in homes, convents, prisons, and workshops, and were used for ornamental and symbolic purposes at baptisms, weddings, and funerals.

The author guides us through the history, techniques, materials, and personal stories behind the craft, showing how the demand for wreaths and bouquets in the early 1900s became the bread and butter of many families in Europe and made the glassworks of Murano and Bohemia prosper.

Bilingual edition German / Italian

Editione bilingue – Tedesco/Italiano

Quella dei fiori di perline è un’arte antica e straordinaria, di origine veneziana; una manualità che pareva perduta, ma che sopravvive nel tempo. Le fioriture perenni sono realizzate con minute perline di vetro di Murano e boeme, montate su un finissimo filo di ferro.

Le recensioni definiscono il volume riccamente illustrato di Georg Ragnar Levi "una rivelazione". L’autore conduce con naturalezza il lettore attraverso la storia, le tecniche, i materiali e i racconti personali che accompagnano le creazioni floreali.

Adolf von Hildebrand gilt als einer der bedeutendsten Bildhauer in Deutschland um 1900. Sein reiches Schaffen entfaltete sich zwischen der Münchner Prinzregentenzeit und der Italienbegeisterung der Deutsch-Römer. Er befreite die Bildhauerei des 19. Jahrhunderts von jedem überflüssigem Dekor und wurde so zu einem Wegbereiter der Moderne. Schon früh gelangten Werke des Künstlers in die Sammlung der Neuen Pinakothek und konnten durch den Erwerb des Werkstattnachlasses zu einem einzigartigen Bestand von über 200 Werken wachsen. Neben vollendeten Arbeiten finden sich darunter Modelle für Idealplastiken, Reliefs, Bildnisse, Architekturen, Brunnen, Denkmäler und Grabmäler. In dem durchgehend illustrierten Bestandskatalog werden die Werke von Fabian Pius Huber zum ersten Mal im Detail erfasst und mit dem Gesamtwerk des Künstlers und seiner Zeit in Beziehung gebracht. Bereichert wird der Katalog durch Beiträge u. a. von Bernhard Maaz „Adolf von Hildebrand – Werk und Mensch in seiner Zeit", und Franziska Kolba „Der Werkprozess bei Adolf von Hildebrand".

Oft erzählen Bilder Geschichten. Bilder haben aber auch selbst eine Geschichte, wenn sie auf dem Weg in ein Museum durch viele Hände gegangen sind. Sie verfügen über eigene Biografien. Der Autor, der sich auf Ergebnisse einschlägiger Provenienzforschung stützt, geht den Lebensbeschreibungen von Kunstwerken aus dem Wallraf-Richartz-Museum Köln auf die Spur: So musste die Stadt Köln 19 Jahre um ein Gemälde von Cranach gegen die Tochter Hermann Görings prozessieren; der Erwerb eines anderen Gemäldes musste teuer bezahlt werden, weil man es als Geschenk nicht haben wollte, und ein mutiger Museumsdirektor setzte seine Kunstankäufe gegen viele Widerstände durch.

In diesem Buch für alle Museumsbesucher und Leser, die mehr über die Exponate erfahren wollen, werden die Geschichten hinter den Bildern lebendig.

Ludwig I., der Gründer der Neuen Pinakothek, hat neben seiner Sammlung zeitgenössischer Malerei von Angelika Kauffmann bis Arnold Böcklin auch Skulpturen bedeutender Bildhauer wie Antonio Canova und Bertel Thorvaldsen angekauft. Hinzu kamen etliche Büsten von Bildhauern wie Christian Daniel Rauch und Friedrich Tieck, die ursprünglich für die Walhalla oder die Ruhmeshalle bestimmt waren. Schließlich ließ der König durch Bildhauer wie Johann Halbig zahlreiche Dichter sowie Maler porträtieren, von denen er zuvor Gemälde erworben hatte. Auf diese Weise entstand eine außergewöhnliche Sammlung von Porträtbüsten aus Gips, die als Pantheon zeitgenössischer Künstler in der Neuen Pinakothek aufgestellt war. Alle diese Skulpturen aus der Sammlung Ludwigs I. wurden nun erstmals wissenschaftlich bearbeitet. Der vorliegende Band, der erste des auf drei Bände angelegten Bestandskataloges sämtlicher Skulpturen des 19. Jahrhunderts in der Neuen Pinakothek, stellt die Werke in farbigen Neuaufnahmen vor und beleuchtet den Kontext ihrer Entstehung.

Im Mittelpunkt der Studie steht eine spezifische Gruppe nahezu einfarbiger Wandmalereien mit sakralen Sujets des italienischen 14. und 15. Jahrhunderts, deren Farbreduktion nicht mit der Intention von Materialevokation zu erklären ist. Neben den frühen Beispielen, die eine Ausführung in Ockertönen aufweisen, sind die meisten Wandbilder dieses Genres grün.

Anhand präziser Fallstudien sowie eines umfangreichen Katalogs beleuchtet die Autorin erstmals die inhaltliche Tiefe des Phänomens, indem sie neue Erkenntnisse hinsichtlich der Farb- und Materialsemantik liefert. Darüber hinaus kann die massive Verbreitung dieser Form von Monochrommalerei dank der Zusammenführung bisher kaum beachteter und unbekannter Bildzyklen glaubensgeschichtlich bzw. kirchenpolitisch verortet werden.

Zu den prachtvollsten Gattungen archäologischer Funde gehören die Halsringe. Sie bestehen aus Bronze, Silber oder Gold, sind aufwendig hergestellt und reich verziert. In der Vorzeit wurden sie von ausgewählten Männern, Frauen und Kindern getragen, repräsentierten Stand und Würde des Trägers und zeichneten ihn innerhalb seiner Gesellschaft aus.

In Mitteleuropa gibt es Halsringe seit dem Beginn der Bronzezeit um 2200 v. Chr. Sie kommen bis in die Völkerwanderungszeit um 500 n. Chr. vor, bei den Ostseeanrainern sogar noch bis in das 10. und 11. Jahrhundert.

Im vorliegenden Band 7 der Reihe Bestimmungsbuch Archäologie werden die einzelnen typischen Formen vorgestellt, beschrieben und abgebildet. Dazu kommen Angaben zur Datierung und Verbreitung der Formen sowie weiterführende Informationen.

Die im Nordflügel des Dresdener Residenzschlosses eingerichtete Dauerausstellung stellt die aus dem Besitz der sächsischen Kurfürsten überlieferten Prunkgewänder der Zeit um 1550 bis 1650 vor. Dieser einzigartige Schatz europäischer Mode- und Textilgeschichte der Renaissance und des Frühbarocks, der nach mehr als 75 Jahren endlich wieder der Öffentlichkeit zugänglich ist, soll nun auch mit einem Ausstellungsführer gewürdigt werden. Er berücksichtigt jedes der 27 ausgestellten Herrschergewänder (6 vollständige Kostümensembles, 11 Anzüge mit Wams und Hose, 4 Damenkleider, 6 einzelne Obergewandstücke) wie auch neben diesen ausgestellte Fürstenbildnisse, Accessoires und preziöse Prunkwaffengarnituren.

Künstler waren seit der Renaissance auf einen Kanon vorbildhafter Motive und Formen verpflichtet, was immer wieder Gegenreaktionen auslöste. Insbesondere bildparodistische Verfahren eigneten sich für eine kunstimmanente Kritik an Autoritäten und ästhetischen Normen sowie zur Formulierung von Autonomie- und Statusansprüchen. Obwohl derartige Gegenbilder in der frühen Neuzeit überaus präsent waren, sind sie bisher nur selten in den Blick der Forschung geraten.

Diesem Desiderat widmet sich der vorliegende Band. Aus kunsthistorischer, literaturwissenschaftlicher und bildwissenschaftlicher Perspektive leisten die Fallstudien einen Beitrag zum Verständnis vormoderner Bildparodien, indem sie deren Einsatz in Modernisierungsdiskursen und in konkreten Konfliktsituationen beleuchten.

Davor Konjikušić legt erstmals eine umfassende Darstellung und Kontextualisierung der zwischen 1941 und 1945 entstandenen Fotografie der jugoslawischen Partisanen vor. Dem Autor geht es dabei nicht nur um eine ästhetische Darstellung der Fotografien, sondern um die Geschichte ihrer Anwendung und Funktion innerhalb einer der größten europäischen antifaschistischen Bewegungen während des Zweiten Weltkrieges.

Mit Hilfe der Fotografien wird der Werdegang einer Bewegung nachgezeichnet, die - dem scheinbar sicheren Untergang geweiht - dennoch den verlustreichsten Krieg der Menschheitsgeschichte überlebte. Dieses Buch gibt neue Antworten auf die Frage nach der Rolle des Mediums Fotografie und ihrer Bedeutung und Indienstnahme in sozialen Bewegungen.

J.W. von Goethe fand den Winter unerträglich. Diese „schlimmsten Monate" zwangen ihn in die „Dachshöhle" seiner Schreibstube, während die Prachtzimmer seines Hauses ungeheizt bleiben mussten. Selbst das berühmte „Junozimmer" betrat er wochenlang kein einziges Mal. Goethe musste haushalten: Brennholz war teuer, da Deutschland um 1800 eine erste Energiekrise erlebte. Aus diesem Grund interessierten ihn nicht nur moderne Sparöfen aus Berlin; er entwarf sogar eigenhändig zwei seiner Zimmeröfen, für die sich selbst der berühmte Architekt Friedrich Gilly erwärmen konnte.

Wie aber sahen die damaligen Öfen aus und wie wurden sie geheizt? Am Beispiel der historischen „Stubenöfen" in Weimar wird diesen Fragen nachgegangen. Der anhängende Katalog listet die Weimarer Öfen erstmals detailliert auf.

Kunst entfaltet ihre Wirkung in der Betrachtung. Noch bevor wir sie interpretieren, erfassen wir sie durch ein inspizierendes Sehen, ein „Abtasten", durch das ein Urteil entsteht. Es geht der inhaltlichen Interpretation voraus – und das Zusammenspiel von Form und Inhalt wird zum Kunsterlebnis. Anders als klassische Sammlungsführer widmet sich diese Publikation der ästhetischen Erfahrung, die über Gattungsgrenzen hinweg die vergleichende Betrachtung und Präsentation von Meisterwerken aus Gemäldegalerie und Bode-Museum ins Zentrum stellt. Das sinnliche Erleben von Kunst über Formen, Oberflächen, Materialität und Bewegung und ihre Bedeutung wird anhand von etwa 50 ausgewählten Werken für die Leserschaft durch verschiedene Epochen kuratiert und in zahlreichen Detailaufnahmen anschaulich vermittelt.

Die reich illustrierte Publikation stellt Künstlerinnen und Künstler vor, die in der DDR der 1950er- und 1960er-Jahre wiederholt dem Vorwurf des „Formalismus" ausgesetzt waren. Die Darstellung dieser frühen Kunstopposition führt eindringlich vor Augen, wie ziel- und selbstsicher Maler und Grafiker auch in Phasen rigider Kulturpolitik an der Autonomie der Kunst festhielten und durch ihr beharrliches Austesten und mutiges Überschreiten gesteckter Grenzen sukzessive zu einer Weitung des künstlerischen Korsetts beitrugen. Die Vorstellung repräsentativer Bilder von rund 30 Künstlern sowie die Untersuchung beispielhafter Werkgenesen ermöglichen einen differenzierten Blick auf die Kunst der frühen DDR, bei dem weniger die Kunstpolitik als vielmehr das Kunstwerk selbst Gegenstand der Befragung und Bewertung ist.

German-english edition
Xanti Schawinsky (1904–1979) was a master of improvisation—in the field of stage design, as a photographer, and as a creator of exhibition buildings and large-scale photomontages. While his late works are quite well known, his early works have remained nearly undiscovered. New documents from the estate facilitate an unobstructed view of this protagonist of the Bauhaus Dessau. The publication focuses on Schawinsky’s early work, his position as head of the graphic design department of the building authority in Magdeburg starting in 1929, his designs for theater stages in Zwickau, and the photomontages that he created in cooperation with Gropius for the German Building Exhibition of 1931 and the Pennsylvania Pavilion for the World Fair of 1939. These works show Schawinsky to be an innovative photographer and trailblazer in modern design.

• New insights into hitherto unpublished sources from the estate
• A look at the up to now almost undiscovered early work 

Xanti Schawinsky (1904–1979) war ein Meister der Improvisation. Ob im Bereich Bühnengestaltung, als Fotograf oder künstlerischer Schöpfer von Ausstellungsbauten und großflächigen Fotomontagen, seine überraschenden Ideen begleiteten ihn vom Dessauer Bauhaus über das Black Mountain College bis an die New Yorker Universität. Während seine späten Arbeiten inzwischen durch Ausstellungen und Publikationen bekannt sind, blieb sein Frühwerk nahezu unentdeckt. Neue Dokumente aus dem Nachlass – Briefe von Walter Gropius, autobiografische Aufzeichnungen und ein Fundus zahlreicher Aufnahmen aus dem Magdeburger Stadtarchiv – erlauben einen unverstellten Blick auf diesen Protagonisten des Dessauer Bauhauses. Die Publikation richtet daher den Fokus auf Schawinskys Frühwerk, seine Anstellung als Leiter der Graphikabteilung des Magdeburger Hochbauamts ab 1929, seine Entwürfe für Theaterbühnen in Zwickau und seine gemeinsam mit Gropius geschaffenen Fotomontagen für die Deutsche Bauausstellung 1931 sowie den Pennsylvania Pavillon für die Weltausstellung 1939. Gerade diese Arbeiten weisen Schawinsky als innovativen Fotografen und Wegbereiter modernen Designs aus.

Der Zeitraum von 1570 bis 1670 ist eine Epoche großer Kriege, welche das östliche Mitteleuropa prägten. Doch schwiegen die Künste in diesen Zeiten keineswegs. Ein Faktor war die Migration von Künstlern innerhalb Ostmitteleuropas sowie aus dem Westen und Süden des Kontinents in die Region. Die Maler und Bildhauer, die aus den Niederlanden nach Danzig zogen, die Künstler und Handwerker aus Rom oder Norditalien an, die für den Adel tätig wurden. Kaiser Rudolf II., der für seinen Prager Hof die besten Künstler Europas gewinnen wollte, und nicht zuletzt die geistlichen Orden, die im Zuge der Gegenreformation eine neue Formensprache nach Ostmitteleuropa brachten, trugen bei zu einem facettenreichen künstlerischen Schaffen am langen Übergang von der Spätrenaissance zum Barock.

• Grundlegendes Werk zur Kunstgeschichte Ostmitteleuropas
• Europäische Netzwerke

Die Zeit von 1919 bis 1945 ist in Italien geprägt vom politischen und gesellschaftlichen Ringen um eine neue Ordnung, zu der die Verständigung mit der katholischen Kirche gehört. Diese Übereinkunft schafft die Voraussetzungen für eine beispiellose Expansion und Neuerung sakraler Architektur. Die Studie zeigt die wechselvolle Suche nach einem modernen katholischen Kirchenbau im Spannungsfeld traditionsverbundener und fortschrittlicher Denkweisen.

Ästhetische Erfahrungen sind ohne spezifische Objekte grundsätzlich nicht zu denken. Welche Folgen hat diese Objektbezogenheit für das Wesen ästhetischer Erfahrung? Inwieweit bestimmen ästhetische Objekte die Art ihrer Erfahrung mit und damit auch ihre reflexiven und praktischen Folgen? Die Beiträge des Bandes verfolgen ihr Thema einerseits empirisch, durch die Untersuchung konkreter ästhetischer Objekte aus Kunst, Populärkultur und Religion, zum anderen aber auch durch fachhistorische und theoretische Reflexionen. In Auseinandersetzung mit theoretischen Neujustierungen wie Posthumanismus, Akteur-Netzwerk-Theorie, objekt-orientierter relationaler Ontologie, spekulativem Realismus werden die herkömmlichen sozialkonstruktivistischen Erklärungsmodelle überwunden zugunsten einer Bestimmung des Ästhetischen als notwendiges Wechselspiel aus Objekt und Erfahrung, bei dem beides eng aufeinander bezogen ist, ohne dass aber das eine im jeweils anderen tatsächlich auch aufginge.

Die Prachthandschriften aus dem Umfeld Karls des Großen zählen zu den Schätzen der mittelalterlichen Buchkunst. Sowohl in den Werken der "Hofschule" als auch in der "Gruppe des Wiener Krönungsevangeliars" spielen imitierte Materialien eine große Rolle. Ilka Mestemacher ergründet erstmals die Ästhetik, Ikonographie und Technik der gemalten Marmorsäulen und Edelsteine. Der Fokus auf Materialien ermöglicht zugleich, das Verhältnis der Buchmalerei zu zeitgenössischer Architektur und Goldschmiedekunst zu beleuchten. Darüber hinaus wird der christliche Diskurs um Naturnachahmung thematisiert. Mit ihren zahlreichen Farbabbildungen bietet die Monographie einen völlig neuen Blick auf die karolingischen Prachthandschriften.

Das Streben nach einer Königskrone, die Veredelung einer klugen Finanzpolitik oder die Verewigung glorreicher Siege – all dies spiegelt sich im Glanz der Bronzen Massimiliano Soldani Benzis. Wer um 1700 die Venus Medici oder andere originalgroße Antikenkopien aus der Hand des Florentiner Münzmeisters besaß, wie die Liechtenstein oder die Marlborough, erwarb damit nicht nur ein technisch brillantes Meisterwerk, sondern ein Privileg, denn sie stammten aus einer der bedeutendsten Antikensammlungen ihrer Zeit, jener der Medici. Soldani, auf Geheiß Großherzogs Cosimo III. in Rom und Paris ausgebildet, schuf raffinierte Neuschöpfungen der antiken Originale, die nur über diplomatische Netzwerke zu erlangen waren, lange bevor der Kunstmarkt des 18. Jahrhunderts Antikenkopien zu einem Massenprodukt werden ließ.

Beim Atmen – im Prozess von ständigem Austausch und Grenzüberschreitung zwischen Organismus und Umwelt – wird Luft als «immaterielles» Material aktiv. Der Band versammelt erstmals Studien zum Atem aus Perspektive der Künste, Geisteswissenschaften sowie experimentellen wissenschaftlichen und gestalterischen Praktiken.

Mit Fokus auf die Zeit von 1900 bis heute umfasst die Publikation bewusst eine Epoche, in welcher Luft ein prekäres Medium ist: Ob im Kontext von Klimawandel und globaler Pandemie, Raumfahrttechnologien oder im Giftgaskrieg – Luft ist von Menschen miterzeugt und manipuliert. In diesem Spektrum zeigt sich der Atem selbst als schwer zu fassende, aber wesentliche Substanz, die Verbindungen zwischen Physischem, Symbolischem, Technologischem und Sozialem sichtbar macht

Die Typographia Medicea (1584–1614) hatte eine Sonderstellung unter den römischen Offizinen inne – unterstützt von Papst Gregor XIII. und finanziert durch Ferdinando de'Medici produzierte sie Bücher auf Arabisch und Chaldäisch, die wissenschaftlichen und missionarischen Ansprüchen zugleich gerecht werden sollten. Diese Studie wertet die umfangreichen erhaltenen Rechnungsunterlagen und Geschäftskorrespondenzen im Hinblick auf die Frage aus, wie sie sich im Netzwerk europäischer Druckereien und des internationalen Buchmarktes positionierte. Am Beispiel der arabischen und arabisch-lateinischen Evangelien gibt sie Einblicke in den Ablauf und die Kosten des Produktionsprozesses der Bücher, Aushandlungspraktiken mit der päpstlichen Zensurbehörde, Buchagenten und Diplomaten.

Das Buch gehört zu den neun CVMA- Bänden, in denen die mittelalterlichen Glasmalereien Sachsen-Anhalts dokumentiert sind. Es enthält die Standorte im Süden des Bundeslands, ohne die Dome in Halberstadt und Naumburg. Die Verglasungen erstrecken sich über einen Zeitraum vom 13. bis ins 16. Jahrhundert, von den frühen Grisaillen in Schulpforte und einen Wurzel-Jesse-Zyklus in Merseburg bis hin zu vorreformatorischen, farbenprächtigen Glasmalereiimporten aus Nürnberg in Eisleben. Sie zeigen, wie die Kunstgattung in einer zentralen Region Europas zu unterschiedlicher Zeit Anleihen aus Ost und West, Nord und Süd bezog und zu ganz eigenen Lösungen gelangte. Wie gewohnt besticht der Band durch hochwertige Farb- und Schwarzweißaufnahmen sowie durch eine grundlegende kunsthistorische und historische Einbettung der Bestände.

Petrarca hat sich intensiv mit den bildenden Künsten seiner Zeit auseinandergesetzt. Er besaß ein Madonnenbild Giottos und beauftragte Simone Martini mit dem einzigartigen Frontispiz seines Vergilcodex. Seine Werke sind Schlüsseltexte für die Entdeckung der Landschaft und die humanistische Villenkultur ebenso wie für das weibliche Porträt und die Triumphikonographie der Renaissance und des Barock. Der mit Petrarca verbundene Mythos des Dichterfürsten bietet bis in die Moderne hinein eine produktive Projektionsfläche für Literaten und Künstler gleichermaßen. Die Beiträge des Bandes eröffnen im Dialog zwischen Literaturwissenschaft und Kunstgeschichte neue Perspektiven auf zentrale Aspekte von Leben und Werk Petrarcas und seine Bedeutung als Ausstrahlungsphänomen der europäischen Kulturgeschichte.

Vermeer van Delft gilt als der bedeutendste Schilderer holländischen Lebens im sog. Goldenen Zeitalter. Viele Studien zu seinen Gemälden haben sich mit der Entschlüsselung verborgener Zusammenhänge und symbolischer Bezüge beschäftigt. Bisher ging die Forschung dabei davon aus, dass die Philosophie Spinozas und Descartes' den Maler beeinflusst haben könnte. Andeas Prater zeigt hingegen, dass und wie bestimmte Maximen und Sentenzen Epikurs und seines lateinischen Herolds Lukrez in Vermeers Malerei Eingang gefunden haben. Epikur wurde im 17. Jahrhundert wiederentdeckt und hinsichtlich seiner lange in Verruf geratenen Lehre von Freude und Lust rehabilitiert. Die bisher völlig unbeachteten und unbekannten Aspekte lassen das Werk des großen holländischen Malers in einem ganz neuen Licht erscheinen.

Max Slevogt berührte als ein äußerst vielseitiger, multidisziplinärer Künstler viele verschiedene Kreise. Als ein führendes Mitglied der Berliner Secession, dann der Preußischen Akademie der Künste war er gesellschaftlich hervorragend vernetzt und nach der Jahrhundertwende bis in die zwanziger Jahre eine Zentralfigur der Kunstszene in Deutschland. Die Beiträge des Bandes verorten Max Slevogt in einer Intellektuellengeschichte des späten Kaiserreichs und der Weimarer Republik und nehmen so eine kunst- und kulturgeschichtliche Einordnung seines Schaffens vor. Das szientifische Denkbild des Netzwerkes verspricht, die überaus komplexe künstlerische Praxis Max Slevogts von ihren geistigen, materiellen und kommunikativen Voraussetzungen her zu beschreiben. Die Konstitution seiner Künstler-Identität und seines Œuvres gegen dabei Hand in Hand und bilden als netzartige Strukturen reziproke Wechselwirkungen aus.

Vom 16. bis ins 20. Jahrhundert gerieten Künstlerinnen und Künstler, die im Ausland reisten und dabei Landschaften zeichneten oder malten, häufig unter Spionageverdacht, insbesondere, wenn sie sich in angespannter politischer Lage in Grenzregionen, nahe Festungen oder Kriegsfronten aufhielten. Mehr als 240 Berichte über solche Anschuldigungen haben sich erhalten. Ulrike Boskamp zeigt, wie sehr diese topischen Anekdoten als Mittel der (Selbst-)Inszenierung von Künstlerinnen und Künstlern genutzt wurden und welche Zeichnungen mit dem Spionageverdacht in Verbindung gebracht wurden. Die Quellen eröffnen gleichzeitig einen Zugang zur militärischen Dimension historischer Landschaften und ihrer sozialen Geografie, insbesondere im Hinblick auf den Umgang mit topografischen Bildmedien und auf deren Relevanz für das Militär. So werden hier erstmals die Spionagevorwürfe gegenüber Künstlerinnen und Künstlern analysiert und damit gleichzeitig eine Schnittstelle zwischen künstlerischem und militärischem Bildgebrauch in den Blick genommen.

• Künstlerische Forschung im Werk Oswald Wieners (1935–2021)
• Der denkpsychologische Ansatz von Wiener
• Über die Verknüpfung von Informatik und Selbstbeobachtung

• Auch in englischer Sprache erhältlich Oswald Wiener's Theory of Thought 978-3-11-065961-0

Bei der Öffnung und Erneuerung des künstlerischen Werkbegriffs in den 1960er und 1970er Jahren spielten die Wechselbeziehungen zwischen Wort und Bild, Literatur und bildender Kunst eine entscheidende Rolle. Die Autorin analysiert anhand von Fallbeispielen aus dem deutschsprachigen Raum die dynamische und expansive Kreativität von künstlerischen Grenzgängern wie Wolf Vostell, Dieter Roth, Joseph Beuys und Jochen Gerz. Die in dem Band untersuchten Werke aus den Bereichen der Visuellen Poesie, der Aktionskünste und der Intermedia-Art sowie der Konzeptkunst und der Photo-Texte definierten eine prozessuale, partizipative und intermediale ästhetische Praxis, die bis heute nachwirkt.

Aby Warburg is regarded as one of the great pioneers of modern cultural studies. This book brings together texts by many of the most renowned researchers in the field who have been influenced by his work. They address his extraordinary impact on the understanding of cultural transmission and the influence of images and texts across time and space. What emerges is the continuing significance of Warburg for our own times. No one concerned with the many forms of the survival of the past in the present and the infinitely complex relationships between images and society will want to miss this book.

Published in cooperation with the Warburg Institute, London and with the assistance of a grant from the Italian Academy for Advanced Studies in America at Columbia University, New York.

Ökologien des Ausdrucks antwortet auf aktuelle Ansätze zur Rekonzeptualisierung von Kunst und Natur, Lebendigkeit und agency. "Ausdruck" evoziert zunächst den traditionellen Gegensatz von Körper und Geist, Subjekt und Objekt, Natur und Kultur. Diese Dichotomien werden jedoch in jüngerer Zeit zunehmend durch "neue" Materialismen, relationale Ontologien und perspektivische Kosmologien infrage gestellt. In multidisziplinären Annäherungen, die von Kunst- und Filmgeschichte bis zur Philosophie und Wissenschaftsgeschichte reichen, stellen die Beiträge des Bandes "Ausdruck" jenseits der anthropozentrischen Kategorien eines überkommenen naturalistischen Weltbilds vor. An den historischen und theoretischen Ausprägungen des "Expressiven" lassen sich die vielfältigen Überlagerungen und produktiven Übernahmen zwischen biologischen, ästhetischen und psychologischen Wissensfeldern nachzeichnen.

Das Buch zeigt erstmals auf, wie die unsichtbare Pflanzenseele in Kunst, Film, Tanz und Wissenschaft Frankreichs dargestellt und mit religiösen und biologischen Konzepten vermischt wurde. Die Bandbreite der Visualisierungen reicht von romantischen Personifikationen im frühen Film über fleischfressende zoomorphe Monster bis zu Ornamenten bei František Kupka und Loïe Fuller, die Pflanzenbewegungen zu einem abstrakten Dynamismus stilisierten. Auch der neu erfundene Zeitrafferfilm zeigt das langsame Leben der Pflanzen beschleunigt und schreibt ihnen so Willen und Ausdruck zu. Die Kunst- und Bildgeschichte der postevolutionären anima vegetativa verdeutlicht, dass der vegetabile Animismus Konzeptionen von Natur, Wahrnehmung und Wirkmacht hinterfragt und damit auch den Sonderstatus des Menschen.

Welche Strategien und Mechanismen trugen dazu bei, die　öffentliche Persona des dänischen Bildhauers Bertel Thorvaldsen (1770–1844) zu erschaffen? Die Autorin betrachtet die Verbreitung seines Ruhms und des beispiellosen Künstlerkultes um Thorvaldsen als Teil einer celebrity-Kultur, die in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Europa entstanden ist und die auf medialer Vermittlung basiert. Der Fokus richtet sich auf Visualisierungen des Künstlerkultes, angefangen bei Thorvaldsens eigenen Werken und zeitgenössischen Porträts über seine Ateliers in Italien und Dänemark bis hin zu seinem,von ihm selbst initiierten Museum in Kopenhagen, das zugleich sein Mausoleum werden sollte.

Am künstlerischen Umgang mit dem Naturmaterial Stein, seiner Verwendung und malerischen Nachahmung, lassen sich wesentliche Fragen der frühneuzeitlichen Kunstproduktion und Kunsttheorie diskutieren. Die Anthologie versammelt Quellentexte von der Antike bis in das 18. Jahrhundert, mit denen der schriftliche Diskurs über Stein – Marmor, Porphyr und Edelstein – und die Semantisierung des Materials rekonstruiert werden können. Mit mehr als 40 kommentierten Texten von Künstlern, Kunsttheoretikern, Humanisten, Vertretern der Kirche sowie Philosophen gibt die Quellensammlung einen Einblick in den Steindiskurs des europäischen Kulturraums in der Vormoderne. Die Quellenkommentare ordnen die teils erstmals oder neu übersetzten Textpassagen in die für sie relevanten ideengeschichtlichen Kontexte ein.

Halle-Neustadt ist die vierte und letzte neue Stadt der DDR. Sie wurde in den 1960er-Jahren als sozialistische Modellstadt von Richard Paulick konzipiert. Zum Konzept der Stadt gehörte die programmatische Integration architekturbezogener Kunst. Sie sollte in einer Synthese mit der Architektur die gesamte sozialistische Stadt ideell bereichern.

Die Publikation erklärt die Idee und die Strategie, nach denen architekturgebundene Kunst für das gesamte Stadtprojekt konzipiert war. Vorgestellt werden die Themen, welche die Kunstwerke visualisieren sollten, aber auch, wie die Wahrnehmung der Kunst für die Stadtbewohner geplant wurde. Die Autorin zeigt auf, wie die künstlerische Gesamtgestaltungskonzeption Halle-Neustadts. ursprünglich gedacht war, basierend auf einer Synthese von Kunst und Architektur.

Caravaggios Gemälde verfügen über ein hohes Maß an Irritierendem, Uneindeutigem und Provokantem. Sie weichen von den tradierten visuellen Mustern ab, unterlaufen Darstellungskonventionen und verschieben durch die Erweiterung des Gattungsspektrums die Grenzen des Bildwürdigen. Wie lassen sich die offenkundig kalkulierten Verstöße gegen die Prinzipien der Angemessenheit und der Evidenz der Darstellung erklären in einer Zeit, in der in zuvor nicht gekannter Weise die religiöse Bildsprache normiert und auf die Ideale der katholischen Reform ausgerichtet werden sollte? Dieser Frage geht die vorliegende Studie nach und entwirft ein Modell der Beschreibbarkeit für die Veränderungen in der Malerei um 1600.

Die Digital Humanities fördern die Zusammenarbeit zwischen den Wissenschaftsdisziplinen. Das gilt für die Arbeitsmethoden und -organisation sowie für den Entwurf von Forschungsstrategien und die Formulierung von Erkenntniszielen. Beide Seiten werden in dem Band bezüglich ihrer Möglichkeiten und Grenzen in unterschiedlichen sachlichen und theoretischen Perspektiven im Umfeld des Verbundprojektes "Wesersandstein als globales Kulturgut" diskutiert.

Briefe gehörten für Warburg zu den wichtigsten Formen des gedanklichen Austausches. In der Korrespondenz mit Familie, Freunden und Kollegen äußerte er sich ausführlich über seine Ideen und Forschungen. Die Briefauswahl dokumentiert und kommentiert in Form einer indirekten Biographie Leben und Werk vom Beginn des Studiums 1886 bis zu Warburgs Tod 1929, also von den ersten Referaten bis zur Arbeit am unvollendet gebliebenen Mnemosyne-Atlas. An die Seite des wissenschaftlichen Autors Warburg tritt dabei ein geistreich und literarisch formulierender Verfasser, der auch das politische Zeitgeschehen kritisch beobachtet und kommentiert. Der Band stellt Warburgs Briefe in einer exemplarischen und kommentierten Auswahl von ca. 800 Schreiben vor.

What are the conceptual correspondences and gaps between theories of nature, ecology, environment, and aesthetics? This volume addresses the ecological and aesthetic dimensions of human interaction with geographical, geological, botanical, zoological, astronomical, and climatic formations. Other than literary ecocriticism which led to heated debates, this book deals with the ecological turn in visual studies, a territory of research still in its infancy. Art history is thus engaging in the crucial exchange between ecological and aesthetic studies. The contributions adopt a historical as well as a transcultural perspective reaching from the earliest known human interaction with the natural environment to the present day.

Ausgehend von Archivmaterial aus der Studienzeit Ludwig Heinrich Heydenreichs richtet diese Publikation den Blick auf historische Unterrichtsformen im Fach Kunstgeschichte sowie auf die engen Verflechtungen von kunsthistorischer Lehre und Forschung. Heydenreichs Aufzeichnungen machen den Gang eines Hamburger Studenten von der Immatrikulation bis zur Promotion in allen Details nachvollziehbar. Gleichzeitig erlauben sie Einblicke in die Abläufe am Kunsthistorischen Seminar Hamburg sowie an der Kulturwissenschaftlichen Bibliothek Warburg. Der Band enthält Mitschriften der Gotik Vorlesungen Erwin Panofskys (1925/26) ebenso wie detaillierte Aufzeichnungen der Methoden-Übungen Aby Warburgs inkl. aller Referate und auch Bildtafeln, die die Studierenden für ihre Vorträge zu arrangieren hatten.

From 19 June until 8 September 2019, the Benaki Museum presented the first-ever exhibition in Greece devoted to Avigdor Arikha, a modern master of figurative painting. The exhibition showcased more than fifty of his works gathered from the artist’s own collection (now part of private collections and the artist’s estate), as well as deportation childhood drawings, and a selection of pages from some of the artist’s sketch books. This impeccably produced three-volume slipcased edition chronicles the exhibition and its contents in painstaking detail.

Take in the range of Arikha's achievement In this thoroughly illustrated catalog, alongside his art the book includes six of his essays on art, which are in equal measure perceptive, erudite, and forceful. These are accompanied by valuable critical commentaries and essays on Arikha and his work by, amongst others, Jean Clair, Monica Ferrando, and Michael Peppiatt. The catalogue closes with a wealth of illuminating reference material documenting the artist’s life and career, as well as rarely before seen archival photographs of Arikha himself.

Francis Bacon and Michael Peppiatt were close friends for over thirty years. As Peppiatt, the editor of this volume, tells us in his illuminating Introduction, the two would regularly embark on night-time “odysseys around London and Paris”, “ordering extravagant vintages, raising toasts to all and sundry, talking and laughing immoderately.”

Francis Bacon’s conversation was witty, provocative, and profound. In this volume, his long-time friend, curator, chronicler, and biographer has gathered Bacon’s most memorable aphorisms, evoking both the force of the artist’s personality and the range of his interests.

These sayings, assembled for the first time in Only Too Much Is Enough, form a brilliant accompaniment to Bacon’s works, conveying not only a sceptical and sometimes disquieting outlook on human relationships, but also keen insights into his creative process.

“My entire poetic production is founded upon Wittgenstein’s later writings. Although it has sat on my shelf for decades, I never actually read the Tractatus. But I always loved the idea of it; I am a conceptual writer, after all.”–– Kenneth Goldsmith

A major philosophical work, one of the most important written in the twentieth century, Tractatus Logico-Philosophicus is Ludwig Wittgenstein’s attempt to conquer reality through logic. Written as a series of precisely numbered propositions, it elucidates the relationship of language to logic and to reality, ending with an infamous statement of breathtaking clarity: “What can be said at all, can be said clearly; and what we cannot talk about we must pass over to silence”.

Originally conceived as part of ERIS’s Marginalia series of hand-annotated classics, this special edition consists of sixty-two original artworks inspired by the famous tract. Collages, drawings, sketches, handwritten comments, blacked-out and blanched text, shopping receipts and scans-within-scans—these are some of the techniques that appear in the pages of this book.

Kenneth Goldsmith, on his maiden voyage into the unforgiving rigour of Wittgenstein’s Tractatus, shows no appetite for timidity. His works, placed side-by-side with the original text, reveal the breadth and depth not just of its original author’s genius, but also of the intervening artist’s creative fervour. This is a unique book, beautifully presented in large bound format, and including a handwritten afterword by the artist.

Avigdor Arikha was one of the most important artists of the twentieth century. He was born in Romania to German-speaking Romanian Jewish parents and spent most of his life in Paris. A talented child, he started drawing early on. During the Second World War, he was deported to a concentration camp in the Ukraine, where he drew the horrors he witnessed. These drawings saved his life. During the 1950s, he established himself in Paris and was enjoying a successful career as an abstract painter. In 1965, a Caravaggio exhibition prompted him to convert to drawing from life. He stopped using colour until 1973, when he started again to paint. He worked with a religious, almost war-like, intensity until his death.

Arikha was also an erudite and passionate scholar, endowed with a deep understanding of the history of art and its techniques, well-versed in world history and fascinated by science. He wrote many essays and curated important exhibitions of masters such as Poussin, Velázquez and Ingres.

In this collection of essays that he wrote between 1965 and 1994, Arikha expounds on art and artists (Mantegna, Velázquez, Poussin, David, Ingres, Degas, Matisse, and more), technique, seeing, and the state of culture in his day, which, one could argue, is no more hopeful today—almost thirty years later—than it was then.

Going beyond strictly legal and property-oriented aspects of the restitution debate, restitution is considered as part of a larger set of processes of return that affect museums and collections, as well as notions of heritage and object status. Covering a range of case studies and a global geography, the authors aim to historicize and bring depth to contemporary debates in relation to both the return of material culture and human remains. Defined as contested holdings, differing museum collections ranging from fine arts to physical anthropology provide connections between the treatment and conceptualization of collections that generally occupy separate realms in the museum world.

Museums flourished in post-apartheid South Africa. In older museums, there were renovations on the go, and at least fifty new museums opened. Most sought to depict violence and suffering under apartheid and the growth of resistance. These unlikely journeys are tracked as museums became a primary setting for contesting histories. From the renowned Robben Island Museum to the almost unknown Lwandle Migrant Labour Museum, the author demonstrates how an institution concerned with the conservation of the past is simultaneously a site for changing history.

A photo-illustrated record of Chilean protest art, along with reflections on artistic antecedents, global protest movements, and the long shadow cast by Chile’s authoritarian past.

From October 2019 until the COVID-19 lockdown in March 2020, Chile was convulsed by protests and political upheaval, as what began as civil disobedience transformed into a vast resistance movement. Throughout, the most striking aspects of the protests were the murals, graffiti, and other political graphics that became ubiquitous in Chilean cities.

Authors Terri Gordon-Zolov and Eric Zolov were in Santiago to witness and document the protests from their very beginning. The book is beautifully illustrated with over 150 photographs taken throughout the protests. Additional photos will be available on the publisher’s website.

From the introduction:
In the conclusion, we take stock of the crisis of the nation-state in the contemporary era. This chapter brings events into the present moment, noting the ways President Piñera took advantage of the COVID-19 pandemic to reclaim the streets of Santiago, a phenomenon echoed in countries across the globe. While most of the global protest movements were forced to go underground (or into the ether), the Black Lives Matter movement surged in the United States and drew massive amounts of support both domestically and abroad, suggesting a continued wave of grassroots protests. We close with reflections on the continued relevance of walls in a virtual world, the testimonial role that protest graphics play, and the future outlook for revolutionary movements in Chile and worldwide.

Effective visual communication has become an essential strategy for grassroots political activists, who use images to publicly express resistance and make their claims visible in the struggle for political power. However, this “aesthetics of resistance” is also employed by political and economic elites for their own purposes, making it increasingly difficult to distinguish from the “aesthetics of rule.” Through illuminating case studies of street art in Buenos Aires, Bogotá, Caracas, and Mexico City, The Aesthetics of Rule and Resistance explores the visual strategies of persuasion and meaning-making employed by both rulers and resisters to foster self-legitimization, identification, and mobilization.

A characteristic trait of the maritime museums is that they are often located in a contemporary and/or historical environment from which the collections and narratives originate. The museum can thereby be directly linked to the site and its history. It is therefore vital to investigate the maritime museums in terms of relationships between landscape, architecture, museum and collections. This volume unravels the kinds of worlds and realities the Nordic maritime museums stage, which identities and national myths they depict, and how they make use of both the surrounding maritime environments and the architectural properties of the museum buildings.