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The painting technique and artist’s materials of the renowned Expressionist Emil Nolde (1867–1956) have been examined for the first time by an interdisciplinary team of restorers, art historians, and scientists. The research included an evaluation of Nolde’s studio estate and his text sources from the perspective of art technology, as well as detailed microscopic, imaging, and material-analysis examinations of his paintings. Known as a master of coloring, the choice of canvas, primer, and paint, as well as diverse application techniques are essential to the effect of his pictures. The impressive spectrum of Nolde’s working methods and his struggle to arrive at artistic solutions are explained clearly based on forty-four works from all the phases of his long career.

Die rund 700 erhaltenen Briefe des Dresdner Künstlerpaars Hans Grun­dig (1901–1958) und Lea Grundig (1906–1977) sind in ihrer Art einzigar­tig und bis heute mehrheitlich unver­öffentlicht. Vor allem die Liebes­- und Künstlerbriefe umfassen nicht nur drei Gesellschaftssysteme, sondern auch mehrere Länder. Sie thematisieren Fragen des Verhältnisses von Kunst und Politik, von Religion und Gesell­schaft sowie von Widerstand, Exil und Migration. Im Vorfeld der geplanten Edition geben Beiträge ausgewiesener Autor/­-innen Einblick in die Editionsar­beit und vor allem auch die Dimension und zeitgeschichtliche Umgebung der Korrespondenz. Ihre Erschließung wird die Grundlage für Forschungsprojekte im Kontext deutscher Diktaturerfah­rungen, jüdischer Geschichte, künstle­rischer Milieus und Netzwerke bilden.

• Hintergründe zur Erforschung eines bisher unbekannten Briefwechsels

Die Kunsthalle Mannheim beschäftigt sich anlässlich der Eröffnung des neuen Museumskomplexes 2018 intensiv mit den Auswirkungen des Nationalsozialismus auf das Haus. Dauerausstellung und Katalog beleuchten den permanenten Verlust von über 500 Werken im Zuge der Beschlagnahmungen „entarteter Kunst" 1937, aber auch die 1933 durchgeführte Propaganda-Ausstellung, die am Anfang der nationalsozialistischen Hetzkampagnen gegen die moderne Avantgarde steht. Das Buch zeichnet darüber hinaus die Lebenswege von fünf jüdischen Familien aus Mannheim nach, die als Stifter dem Museum trotz Flucht und Vertreibung auch nach 1945 verbunden blieben. Die komplizierte Suche nach sogenannter NS-Raubkunst wird nachvollziehbar – und auch die Anstrengungen des Museums, begangenes Unrecht aufzudecken und möglichst wieder gut zu machen.

In 2021, the Deutscher Kunstverlag celebrates its 100th anniversary, which is extraordinary in light of the eventful history of Germany, and a not always easy, but always fascinating publishing segment—art—as well as considering the rapid developments in publishing. The publishing house was established in 1921 at the behest of the Prussian State. With its photographs of artistically significant buildings, the archive of its Staatliche Bildstelle (state picture archive) provided the basis for marketing photos in the form of books, pictures, and postcards.

Over the course of a century, innumerable high-quality, significant, beautifully illustrated, but also whimsical publications and standard works have been published. One hundred outstanding books were selected for presentation in this volume—instead of a classic commemorative publication, the publishing house has produced a stimulating bibliophile journey of discovery through the century.

(bilingual edition: English / German)

The "Frauen- und Carolinenbad" bathing facility was opened in Baden near Vienna in 1821. Two hundred years after this event, which was significant from the perspective of both culture and economic and architectural history, this book documents the history of the planning and construction of the building, which has been dedicated to the painter Arnulf Rainer since 2009.

The Frauenbad is one of the most important Classical buildings in Austria. Its designer, the Frenchman Charles de Moreau (1758–1840), was one of the leading architects of this epoch in Austria. The book communicates the results of new research on the architecture of this key European period between the Enlightenment, revolution, and reaction.

(English / German)
Although Concrete Art comes across as very precise, it is only possible to say approximately when the name was born. In his manifesto of the same name, Theo van Doesburg officially introduced the term to art theory in 1930. But the Dutch artist, architect and theorist is said to have conceived it for the first time and applied it to his own works as early as 1924. 100 years later, despite all the uncertainty, this anniversary is a fitting opportunity to question today’s generation of young artists with a stylistic affinity to the movement in detail about their relationship to Concrete Art. What influence have the beginnings of the art movement had on their own visual work? Are its principles still relevant today? And does the same apply to the name? Their statements – in addition to a brief historical overview of the origins of Concrete Art – are a central element of this publication.

• 100 years of Concrete Art – the present and future of an art movement
• Artists: Banz & Bowinkel, Carsten Beck, Anna-Maria Bogner, Nina Brauhauser, Martim Brion, Sebastian Dannenberg, Lena Ditlmann, Fabian Gatermann, Charlotte Giacobbi, Dave Grossmann, Vladiana Ghiulvessi, Toulu Hassani, Erika Hock, Marile Holzer, Silvia Inselvini, Patrizia Kränzlein, Schirin Kretschmann, Sali Muller, Catalin Pislaru, Fiene Scharp, Marco Stanke, Virginia Toma, Amalia Valdés, Jonas Weichsel

So präzise sich die Konkrete Kunst auch gibt, über die genaue Geburtsstunde ihrer Namensgebung lässt sich dagegen nur Ungefähres berichten. Mit seinem gleichnamigen Manifest führte Theo van Doesburg den Begriff 1930 zwar offiziell in die Kunsttheorie ein. Aber bereits 1924 soll ihn der niederländische Künstler, Architekt und Theoretiker erstmals formuliert und für eigene Werke verwendet haben. 100 Jahre später liefert dieses Jubiläum trotz aller Ungewissheit die passende Gelegenheit, die Generation heute junger, dieser Richtung stilistisch nahestehender Künstler/-innen eingehend nach ihrem Verhältnis zur Konkreten Kunst zu befragen. Welchen Einfluss haben die Anfänge der Kunstrichtung auf ihr eigenes bildnerisches Schaffen? Sind ihre Prinzipien auch heute noch aktuell? Und gilt Gleiches auch für ihren Namen? Ihre Statements bilden – neben einem kurzen historischen Überblick über die Anfänge der Konkreten Kunst – ein zentrales Element der Publikation.

• 100 Jahre Konkrete Kunst – Aktualität und Zukunft einer Kunstrichtung
• Künstler/-innen: Banz & Bowinkel, Carsten Beck, Anna-Maria Bogner, Nina Brauhauser, Martim Brion, Sebastian Dannenberg, Lena Ditlmann, Fabian Gatermann, Charlotte Giacobbi, Dave Grossmann, Vladiana Ghiulvessi, Toulu Hassani, Erika Hock, Marile Holzer, Silvia Inselvini, Patrizia Kränzlein, Schirin Kretschmann, Sali Muller, Catalin Pislaru, Fiene Scharp, Marco Stanke, Virginia Toma, Amalia Valdés, Jonas Weichsel

1950 wurde im Deutschen Bundestag, aber auch in der Volkskammer der DDR die obligatorische Beteiligung bildender Künstlerinnen und Künstler bei staatlichen Baumaßnahmen im In- und Ausland beschlossen. In 70 Jahren entstanden zahlreiche Kunstwerke, die Politik, Gesellschaft und Architektur sowie die Aufgaben von Institutionen mannigfaltig widerspiegeln. Die Publikation beleuchtet die Bedeutung und Potenziale der Kunst am Bau für Staatsorgane und -behörden, Forschungsinstitute, militärische Einrichtungen und deutsche Vertretungen in aller Welt. Sie erörtert ihre spezifischen Aspekte, etwa das Entstehen der Werke sowie Pflege und Erhalt, und verdeutlicht, wie nahe Kunst am Bau am Alltagsleben sein kann – als Anregung, Stellungnahme und als nationale Visitenkarte, die der Architektur einen zusätzlichen Mehrwert gibt.

In 1950, the obligatory participation of visual artists in state building measures at home and abroad was decreed in the German Bundestag as well as in the parliament of the GDR. Over a period of 70 years, numerous artworks that reflect the politics, society, and architecture as well as the tasks of institutions have been created. The book sheds light on the significance and potentials of building-related art for state authorities and institutions, research institutes, military facilities, and German representation around the world. It discusses its specific aspects, like the creation of the works, as well as their maintenance and preservation, and elucidates how close building-related art can be to day-to-day life—as inspiration, statement, and national visiting card that adds value to architecture.

Glaspasten, Repliken von Gemmen in Glas, waren aufwendig in der Herstellung, seltener und teurer als z.B. Gips-Abgüsse in Daktyliotheken des 18. Jahrhunderts. Hersteller der Würzburger Glaspasten war Philipp Daniel Lippert (1702–1785), der die erste systematisch geordnete, von Verzeichnissen begleitete Daktyliothek herausbrachte. Die Sammlung ist die früheste dieser Art.

Band 2 der Würzburger Glaspasten enthält vorwiegend Abdrücke von Kameen und Intaglien des 16. und 17. Jahrhunderts mit antiken Motiven, deren Originale meist verschollen sind. Im 18. Jahrhundert hielt man die meisten für antik. Erfasst wird hier der Beginn der wissenschaftlichen Gemmen-Forschung, als deren Vorreiter sich J. F. Christ (1700–1756) erweist. Anhang I: Lipperts Bücher. Anhang II: Otto Zwierlein, Plinius zur Kunst des Gemmen-Schneidens.

• Erstmalige Kommentierung der einzelnen Stücke einer „universalen" Daktyliothek

• Einzige Glaspasten-Daktyliothek Philipp Daniel Lipperts

• E-Book des bereits vergriffenen ersten Bandes (erschienen 1986) ist Teil der Publikation

Pastes, replicas of gemstones made from a type of glass, were complex to produce; this made them rarer and more expensive than plaster casts, for example, in 18th century gemstone libraries. The manufacturer of the Würzburg pastes was Philipp Daniel Lippert (1702–1785), who also published the first systematically arranged gemstone library with accompanying indexes. The collection is the earliest of its kind. Volume 2 of the Würzburg Pastes contains mainly impressions of 16th and 17th century cameos and intaglios with antique motifs, whereby most of the originals have been lost. In the 18th century, most of them were considered antique. The beginning of scientific gem research is recorded here, with J. F. Christ (1700–1756) as its pioneer. Appendix I: Lippert’s books. Appendix II: Otto Zwierlein, Pliny on the Art of Gem Cutting.

• First systematic annotation of the individual pieces of a "universal" gemstone library

• Philipp Daniel Lippert’s only gemstone library

• Ebook of the first volume (published in 1986) is part of the publication

Francis La Flesche (1857–1932) lebte zwischen zwei Welten: Als Umonhon (Omaha) kämpfte er für deren Rechte, als Wissenschaftler erforschte er seine eigene Kultur. Er gilt als erster indigener Ethnologe Nordamerikas und steht stellvertretend für die vielen indigenen Akteur/-innen, ohne die ethnologische Sammlungen niemals entstanden wären. Die meisten dieser Personen sind uns nicht mehr bekannt, denn im Zentrum stehen bis heute die europäischen und nordamerikanischen Sammler/-innen. Francis La Flesche bildet eine Ausnahme: Seine Arbeit gibt einen Einblick in indigene Handlungsmacht und deren Widerstand gegen Rassismus und Kolonialismus sowie die aktive Teilhabe am Handel mit Objekten. Das Buch präsentiert zum ersten Mal La Flesches Aufzeichnungen über die Gegenstände, die er der 1894 ins heutige Ethnologische Museum nach Berlin gesandten Sammlung beigab – ein beeindruckendes Zeugnis seiner erfolgreichen Bemühungen, die Kultur der Omaha für künftige Generationen zu bewahren.

Beschützen, heilen oder bestrafen – diese Kräfte schrieben Menschen verschiedener Zeiten und Herkünfte den Bildwerken zu, die hier zum ersten Mal gemeinsam vorgestellt werden: sei es die Skulptur des Mangaaka aus der heutigen Republik Kongo, die Schutzgöttin Mahamayuri aus China oder die Maria auf der Weltkugel aus Süddeutschland. 45 Objekte aus zwei Berliner Museen, entstanden zwischen dem 4. und 19. Jahrhundert, vermitteln ein lebendiges Zeugnis der allgegenwärtigen Bedürfnisse nach Schutz und Orientierung bei der Bewältigung individueller oder gesellschaftlicher Krisen. Sie stehen für die Existenz einer nicht-sichtbaren Welt von Göttern, Geistern oder Ahnen und schufen eine Verbindung zwischen dem Diesseits und einer „anderen Wirklichkeit". Durch ihre museale Präsentation ist ihr Gebrauchszusammenhang oftmals verlorengegangen – ein Umstand, der von den Autor/-innen dieses Buches kritisch reflektiert wird.

Kunstmuseum Basel’s Kupferstichkabinett is home to a unique collection of drawings by late 15^th and early 16^th century German masters. Conceived as a scholarly catalogue, this publication is devoted to a particularly important part of the collection: drawings by Albrecht Dürer and his circle. That circle included those artists who worked in Dürer’s workshop or had an affinity with him artistically: Hans Baldung Grien, Hans Schäufelin, Hans von Kulmbach, Hans Springinklee and Hans Leu the Younger. Most of the works come from the collection of Basel-based lawyer Basilius Amerbach (1533-1591), which was acquired from Amerbach’s heirs by the city of Basel in 1661.

• Seminal work on the art of drawing during the German Renaissance
• First scholarly and systematic publication of key works from Basel’s Kupferstichkabinett

Albrecht Dürers Kasseler Bildnis der Elsbeth Tucher gehört paradoxerweise sowohl zu den bekanntesten als auch zu den am wenigsten erforschten Porträts der altdeutschen Kunst. Der vielfältigen Geschichte, die sich hinter dem prominenten Gesicht auf dem früheren 20 D-Mark Schein verbirgt, geht die vorliegende Publikation auf verschiedenen Ebenen nach. Sie berichtet zum einen von der bedeutenden Nürnberger Patrizierfamilie der Tucher und der bürgerlichen Gedächtniskultur um 1500, in die sich das Kasseler Bildnis exemplarisch einreiht. Zum anderen von der Porträtmalerei in Deutschland, die zu jener Zeit an Popularität gewinnt, ihrer besonderen Nürnberger Ausprägung und Dürers Anfängen als renommierter Porträtmaler, innerhalb derer das Tucher-Bildnis eine spezielle Rolle einnimmt.

Als zentraler Künstler der frühen Moderne hat Alexej von Jawlensky (1864 geboren in Torschok/Russland, 1941 in Wiesbaden gestorben) die Möglichkeiten der Malerei wesentlich erweitert. Von einer expressiv farbigen Aneignung der Welt aus entfaltete er das Bild durch die Reduktion der Form und die Steigerung der Farbe zum Ausdruck einer immateriellen und geistigen Wahrheit. Trotz der großen Individualität seines Wegs hat er der Malerei bis zur Gegenwart im Blick auf die Bedeutung der Farbe, des Seriellen und Spirituellen wichtige Anregungen gegeben. Ausstellung und Katalog präsentieren eine exemplarische Auswahl von rund 70 Gemälden und Zeichnungen und vollziehen die Entwicklung der drei großen Themen „Gesicht, Landschaft, Stillleben" nach, auf die sich Jawlensky in seinem Schaffen konzentriert hat.

Lange Zeit galt Genrekunst als Abbild der Wirklichkeit und der Prozess zunehmender Säkularisierung schien die Ursache ihrer Entstehung. Heute herrschen Erklärungen vor, welche die Genrekunst im Sinne gemalter Ethik und Lasterdarstellungen als Beitrag eines christlich-didaktischen Programms werten. Der vorliegende Band erweitert diese Perspektiven. Denn die Genremalerei stellt sich politischen, theologischen wie kunsttheoretischen Fragen und erweist sich als Medium einer im Aufbruch begriffenen Welt. So ist es kein Zufall, dass sich die Anfänge der Genrekunst im 15. Jahrhundert in druckgraphischen Werken – im fortschrittlichsten Reproduktionsmedium jener Zeit – finden. Dabei adressiert sie ein städtisches Publikum, das im Alltag immer wieder dem Problem christlicher Lebensführung gegenübersteht.

Die Publikation versammelt Beiträge mit Interpretationen exemplarischer Genrebilder von Albrecht Dürer, Hieronymus Bosch, Petrus Christus oder Jan Sanders van Hemessen und regt zu einer Neubewertung der Gattung an, um sie als selbstreflexive, konfliktoffene Kunstform sichtbar zu machen.

Die Entwicklungsgeschichte der Architektur in einer furiosen Gesamtschau, neu erzählt als Geschichte einer großen Transformation: von der Baukunst der Antike bis zur ersten Phase des Neubeginns in der Renaissance, von der Entfaltung der modernen Architektur bis zur Gegenwart und ihrer zukünftigen Entwicklung. Nur so war es möglich, Klarheit auch über den Stand der aktuellen Architektur und deren verwirrendes Erscheinungsbild zu erlangen, den Gesamtzusammenhang von Alter Baukunst und Neuer Architektur zu erfassen und dadurch auch die Moderne in einem neuen Licht zu sehen. Es wurde deutlich, dass beide Erscheinungsformen trotz aller Brüche ein einziges, zusammenhängendes Territorium bilden. Ein neuer Versuch also, zu erklären, wie die Architektur zu dem geworden ist, was sie heute ist.

• 2500 Jahre Baugeschichte in einem Band
• reich illustrierter Text mit über 400 ikonischen Abbildungen
• Die erstaunlichen Metamorphosen der Architektur werden nicht nur beschrieben, sondern erklärt

Wie können historische Amish Quilts und zeitgenössische Kunst zueinander in eine Beziehung treten, die nicht auf bloße formale Ähnlichkeiten beschränkt bleibt?

Dieser Frage geht der Begleitkatalog einer Sonderausstellung am Staatlichen Textil- und Industriemuseum Augsburg (tim) nach. Die einzigartige Gegenüberstellung originaler Amish Quilts aus der Zeit von 1890–1950 mit hochkarätigen Arbeiten zeitgenössischer Künstler/-innen überwindet Gattungsgrenzen, Zeit und Raum. Im Fokus steht die Suche nach Antworten auf grundlegende Fragen menschlicher Existenz. So ergeben sich aufschlussreiche Einblicke in die Gründe wie Abgründe heutigen Lebens, traditioneller Wertvorstellungen und gegenwärtiger Kunst.

Protecting, healing, or punishing—people of various eras and origins have attributed such powers to the sculptures that are being presented together here for the first time: be it the sculpture of the Mangaaka from what is today the Republic of Congo, the protective goddess Mahamayuri from China, or the Maria on the globe from Southern Germany. Forty-five objects created between the fourth and the nineteenth century from two museums in Berlin provide a vivid testimony to the ever-present need for protection and orientation when dealing with individual or social crises. They represent the existence of an invisible world of gods, spirits, or ancestors, and create a connection between this world and a "different reality." As a result of how they are presented in museums, their context of use is, however, often lost—a situation that is reflected on by the authors of this book.

Objects that protect people and offer orientation in crisis situations — a universal topic in the history of humankind

Die reich illustrierte Publikation stellt Künstlerinnen und Künstler vor, die in der DDR der 1950er- und 1960er-Jahre wiederholt dem Vorwurf des „Formalismus" ausgesetzt waren. Die Darstellung dieser frühen Kunstopposition führt eindringlich vor Augen, wie ziel- und selbstsicher Maler und Grafiker auch in Phasen rigider Kulturpolitik an der Autonomie der Kunst festhielten und durch ihr beharrliches Austesten und mutiges Überschreiten gesteckter Grenzen sukzessive zu einer Weitung des künstlerischen Korsetts beitrugen. Die Vorstellung repräsentativer Bilder von rund 30 Künstlern sowie die Untersuchung beispielhafter Werkgenesen ermöglichen einen differenzierten Blick auf die Kunst der frühen DDR, bei dem weniger die Kunstpolitik als vielmehr das Kunstwerk selbst Gegenstand der Befragung und Bewertung ist.

Inwiefern ist Kunst antisemitisch? Welche Rolle spielt Antisemitismus im Feld der Kunst? Diese Fragen sind aktueller denn je – besonders seit der documenta fifteen und dem zuletzt zunehmenden Antisemitismus im Zusammenhang mit dem Krieg in Israel und Palästina. Die Beiträge des Bandes erörtern, welche Bedeutung Antisemitismus für Künstler*innen, Kunsttheoretiker*innen und weitere Akteur*innen des Kunstbereichs bereits vor Beginn der NS-Herrschaft hatte und wie Bildprogramme, Netzwerke und politische Organisationen ihn kultivierten und propagierten. Untersucht werden rechte und völkische Strömungen, zentrale Figuren der klassischen Moderne und die Rolle des Antisemitismus für linke Künstler*innen der Weimarer Republik.

• Bedeutung und Wirksamkeit von Antisemitismus in der Kunst vor 1933

• Neue Forschungsbeiträge zu Ernst Ludwig Kirchner, Johannes Itten, Gerhard Marcks, Emil Nolde, Paul Schultze-Naumburg, Hans Thoma

Der Reflexion von Architektur widmen sich Künstler*innen heute mit gesteigertem, ökologischem und sozialem Interesse. Ihre Werke spiegeln und hinterfragen oft spielerisch und humorvoll Lebensräume und Lebensentwürfe. Rund 100 Werke aus fünf Jahrhunderten führt die Ausstellungspublikation zusammen: Gemälde, Zeichnungen, Fotografien und Skulpturen der Sammlung begegnen Videoarbeiten und Installationen zeitgenössischer Künstler*innen. In ihnen geht es um Architektur als anthropologische Selbstbeschreibung, als Bühne oder Archiv sozialer, ökonomischer und politischer Verhältnisse, kollektiver und individueller Geschichte und Utopien.

• Die Architektur in der Kunst vom 17. bis 21. Jahrhundert
• Ausstellung: Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, geplant ab Ende 2024

• Künstler*innen: Franz Ackermann, Robert Delaunay, Otto Dix, Lyonel Feininger, Günther Förg, Vincent van Gogh, Alexander Kanoldt, Karl Hubbuch, Brabara Klemm, Dionisio González, Niclas Goldbach, Axel Lieber, Julia Oschatz, Judith Hopf, Isa Melsheimer, Nicolas Daubanes, Alain Delorme, Rebecca Ann Tess, Stephen Craig, Samuel Beckett und Henrique Oliveira, Giovanni Battista Piranesi, Sean Scully und viele mehr

Der Einsatz von Schutzmaßnahmen vor Naturgefahren ist zentraler Aspekt der alpinen Kultur. Dabei verwundert es, dass die Diskussion darüber fachintern geführt wird, in der Öffentlichkeit jedoch kaum wahrzunehmen ist. Die Zusammenschau von Schutzarchitekturen, dem imaginierten Bild der Alpen und dem langsamen Prozess der Adaptierung der öffentlichen Bildwelten an den Zustand der Verbauungen, führt nun zusammen was bis dato getrennt betrachtet wird. Nämlich, dass die touristisch konsumierten Landschaften mit einem nicht unerheblichen Aufwand erst stabilisiert werden müssen. Das Buch zeigt auf, wie die Produktion von Sicherheitsräumen im Spannungsfeld von Ästhetik und Technik wirksam wird und bietet Perspektiven auf Landschaft, die über die vermeintliche Unberührtheit von Natur hinausführen.

• Interdisziplinäre Studie über die Bildproduktion alpiner Sicherheitsarchitekturen
• Erschließung eines weiten Feldes an Bilddokumenten
• innovativer Beitrag zur „politischen Landschaft"

Arm-rings are among the most common items of jewellery. From the earliest times, they have appeared in various shapes and materials. The wearing of leg-rings was limited to the Bronze and Iron Ages. Together with spiral rings and mountings, arm- and leg-rings form an essential aspect of our archaeological legacy. They not only decorated the body but also accumulated value. This volume offers a comprehensive, systematic guide to the object groups. Typical forms are presented, described, and illustrated in a study of jewellery in German-speaking countries from the Palaeolithic era to the Middle Ages. This reference work is aimed at any interested reader but also provides a practical tool for recording and indexing museum and archaeological collections.

• First comprehensive systematics of pre- and early historical arm and leg ornaments
• Suitable for academics as well as interested amateurs

Ab 1789 brachen auch Künstler im Zuge der Emigration zahlreicher Menschen aus Frankreich auf. Die meisten trieb der Niedergang des Kunstmarkts außer Landes, als unausweichliche Folge politischer Instabilität. Doch die Dynamik der Radikalisierung nach innen und des Krieges nach außen ließ Arbeitsmigration und Exil ineinander übergehen.

Ob nun offiziell als Emigranten geführt oder nicht: Künstler wie Elisabeth Vigée-Lebrun, Jean-Laurent Mosnier, Henri-Pierre Danloux und Louis Gauffier behaupteten sich während des Jahrzehnts der Französischen Revolution erfolgreich in Rom, Florenz, London, Hamburg und Sankt Petersburg. Der Band unternimmt die erste Gesamtbetrachtung der transnationalen Œuvres dieser »artistischen Wanderer« zwischen Transfer, Akkulturation und Innovation.

Als „König der Illustration" wird Max Slevogt, der berühmte deutsche Impressionist, von Zeitgenossen gefeiert. Dieser Ausstellungskatalog widmet sich erstmals intensiv seiner einzigartigen Zusammenarbeit mit dem einflussreichsten Verleger Berlins der Weimarer Republik, Bruno Cassirer, die diesen Ruf begründete. In Cassirers Verlag erschien der größte Teil von Slevogts umfangreichen innovativen Illustrationswerken. Der Verleger regte den Künstler immer wieder zu Projekten an und ermöglichte ihm Freiräume für neue Themen und moderne Gestaltungslösungen. Auf der Grundlage der umfassenden erhaltenen Korrespondenz zwischen Slevogt und Cassirer werden zudem zahlreiche neue Erkenntnisse über ihren Erfolg und ihr Netzwerk, über den zeitgeschichtlichen Kontext ihres Wirkens und über das persönliche Verhältnis dieser beiden herausragenden Persönlichkeiten präsentiert.

• Erste Publikation zur einzigartigen Zusammenarbeit Max Slevogts mit Bruno Cassirer
• Erschließung zahlreicher bisher unpublizierter Quellen
• Slevogt als Illustrator
• Ausstellungen: Landesmuseum Mainz, 28. November 2025 bis 8. März 2026; Moderne Galerie, Saarlandmuseum Saarbrücken, 27. März 2026 bis 5. Juli 2026; Liebermann-Villa am Wannsee, 3. Oktober 2026 bis 18. Januar 2027

Augustusburg Palace in Brühl was entered in the UNESCO World Heritage List in 1984. In this compact, generously illustrated book, several historians and art historians present the palace's history, superb architecture, grand gardens and exquisite interiors.

Augustusburg Palace in Brühl, a World Heritage site with spacious gardens, is the work of highly acclaimed European artists, including Balthasar Neumann and François de Cuvilliés. Clement-August of Bavaria, archbishop and elector of Cologne, engaged them to build and decorate what he intended to make his summer residence. In his day Clement-August was one of the most brilliant dignitaries of the Holy Roman Empire. In addition to the electorate of Cologne, he also ruled the dioceses of Hildesheim, Osnabrück, Paderborn and Münster, and was Grand Master of the Teutonic Knights. Augustusburg Palace and its gardens impressively demonstrate his demand for prestige.

Johann Conrad Schlaun began the construction of the palace on the foundations of a medieval moated castle. In 1728, Clement-August turned the project over to François de Cuvilliés, who worked with such brilliant artists as Balthasar Neumann, Dominique Girard and Carlo Carlone.

2020 wurde der 75. Jahrestag der Befreiung von Auschwitz gefeiert.Gleichzeitig verschwinden unaufhaltsam die letzten Überlebenden, während in Auschwitz Phänomene des Massentourismus wahrzunehmen sind. Angesichts dieses Umbruchs ist es wichtig, den Begriff der Erinnerung zu diskutieren und auch zu fragen: Was sehen dort die vielen Besucher? 2017 und 2018 hat Frédéric Mougenot die beiden Vernichtungslager sowie die Orte des sogenannten Interessengebietes fotografiert, welches nach 1945 größtenteils vergessen wurde. So zeigt sich in den Fotografien auch eine unsichtbare Grenze, welche Erinnerungskultur von schrittweisem Verschwinden trennt.

Zwischen 1986 und 1989 fanden abseits des offiziellen DDR-Kulturbetriebes 13 Jenaer Hofvernissagen statt, die einem breiten Publikum freie Formen bildender Kunst, Literatur, Musik, Film und Theater zugänglich machten. So entstand in Jena eine ‚kulturelle Parallelwelt‘, in der alternative Handlungsmuster und Lebensentwürfe öffentlich sichtbar wurden. Der Ausstellungskatalog vermittelt die Entstehung und Entwicklung der Hinterhof-Veranstaltungen und spannt mit Kunstwerken aus der Zeit der Vernissagen, der ‚Nachwendejahre‘ und der Gegenwart den Bogen zum Heute.

Neben zeit-, kultur- und kunstgeschichtlichen Aufsätzen sowie Werkbetrachtungen vermitteln zahlreiche historische Quellen, Fotografien und Kunstwerke das Wirken einer überregional bedeutsamen, selbstbestimmten Kulturszene in den letzten Jahren der DDR.

Werkzeuge gehören in den meisten historischen und kulturgeschichtlichen Museen zum Sammlungsbestand. Sie spiegeln Arbeit und Handwerk vergangener Jahrhunderte wider. Die Bestimmung der Werkzeuge und ihrer Funktion stellt aufgrund ihrer vielfältigen Aufgaben oder des speziellen Einsatzes immer wieder eine Herausforderung dar.

Die vorliegende durchgehend bebilderte Begriffssammlung befasst sich mit drei Werkzeuggruppen, erläutert ihren Gebrauch und ihre Geschichte: Äxte und Beile; Feilen, Raspeln und Schaber; Hacken, Haken, Harken und Hauen. Damit erweist sich der Band als unentbehrliches Hilfsmittel bei der Inventarisation von Sammlungsgegenständen und ist zugleich ein fundiertes Kompendium für jeden Interessierten an historischen wie modernen Typen und Ausprägungen des Handwerkszeugs.

Kunsthaus NRW in Aachen-Kornelimünster houses around 5,000 works of art by artists with a link to North Rhine-Westphalia - an outstanding collection echoing the history of the federal state. This publication presents the collection’s most important acquisitions from 2000 onward and discusses a total of 166 artistic positions.

The collection catalogue, designed as a practical encyclopaedia, fulfils the need for an overview of art in NRW from 2000 to 2023 that is both readable and durable. The compendium is supplemented with an introductory essay on the trends leading directly to 21^{st-century art as well as short essays on the classification of concepts fundamental to contemporary art such as gender, politically engaged art, postcolonial discourses and questions of identity or time-based art. Biographies of all the artists represented complete this unique reference work.}

Über vier Jahrzehnte prägte Barbara Klemm als Fotografin der Frankfurter Allgemeinen Zeitung mit ihren eindrucksvollen Schwarz-Weiß-Aufnahmen das kollektive Bild des politischen und kulturellen Deutschlands der Nachkriegszeit. Ihre Aufnahmen – von den ikonischen Momenten des Mauerfalls 1989 bis hin zu eindringlichen Porträts politischer Größen wie Willy Brandt – sind weit mehr als bloße Dokumente der Zeitgeschichte. Mit ihrem einzigartigen Blick verlieh sie historischen Ereignissen und Personen eine Aura, die bis heute nachwirkt. Das Buch versammelt ihre bedeutendsten Fotografien und zeigt, warum Barbara Klemm als eine der wichtigsten zeitgenössischen Fotografinnen Deutschlands gilt. Ein herausragendes visuelles Zeugnis unserer Geschichte, festgehalten in Bildern, die bleiben.

• Künstlerbuch der renommierten FAZ-Fotografin
• Bildikonen der deutschen Zeitgeschichte
• Ausstellung: Hessischer Landtag, Wiesbaden, 26. März bis 6. April 2025; Museum Wiesbaden, ab 26. März 2025

Mitte der 1920er Jahre begann die junge Kunsthandwerkerin Else Stadler-Jacobs aus Pasing bei München mit textilen Materialien zu experimentieren. Besonders Bast faszinierte sie – ein damals im Kunsthandwerk kaum genutztes Material. Mit viel Geschick und einem außergewöhnlichen Gespür für Formen und Farben entwarf sie dekorative Tierfiguren, die bald internationalen Anklang fanden. Bereits 1930 belieferten ihre Modelle renommierte Kaufhäuser in Chicago, San Francisco, London und Budapest.

Um die wachsende Nachfrage zu bedienen, beschäftigte Stadler-Jacobs zahlreiche Frauen, die ihre kunstvollen Tiere in Heimarbeit fertigten. In den Wirtschaftswunderjahren erlebte ihre Manufaktur einen regelrechten Boom und bot bis zu 50 Frauen Arbeit. Über Jahrzehnte hinweg schuf sie mehr als 100 Tierarten – von heimischen Waldbewohnern bis hin zu exotischen Kreaturen.

Fast wäre ihr beeindruckendes Lebenswerk in Vergessenheit geraten. Doch 50 Jahre nach dem Ende ihrer Produktion wurde es auf einem Dachboden in München wiederentdeckt. Daniel Karrasch und Christoph Sauter haben sich auf Spurensuche begeben: Sie erzählen die bewegende künstlerische und wirtschaftliche Erfolgsgeschichte dieser außergewöhnlichen Frau, beleuchten ihre künstlerischen Wurzeln im München der Zeit nach 1900 und rekonstruieren den aufwendigen Herstellungsprozess ihrer Basttiere. Ein reich bebilderter Katalogteil, ergänzt durch historische Aufnahmen, bringt die fantasievolle Welt der „Bastowerkstatt" zurück ans Licht.

• Ausstellung Hutmuseum, Lindenberg, 2. März bis 14. September 2025

Ludwig I., der Gründer der Neuen Pinakothek, hat neben seiner Sammlung zeitgenössischer Malerei von Angelika Kauffmann bis Arnold Böcklin auch Skulpturen bedeutender Bildhauer wie Antonio Canova und Bertel Thorvaldsen angekauft. Hinzu kamen etliche Büsten von Bildhauern wie Christian Daniel Rauch und Friedrich Tieck, die ursprünglich für die Walhalla oder die Ruhmeshalle bestimmt waren. Schließlich ließ der König durch Bildhauer wie Johann Halbig zahlreiche Dichter sowie Maler porträtieren, von denen er zuvor Gemälde erworben hatte. Auf diese Weise entstand eine außergewöhnliche Sammlung von Porträtbüsten aus Gips, die als Pantheon zeitgenössischer Künstler in der Neuen Pinakothek aufgestellt war. Alle diese Skulpturen aus der Sammlung Ludwigs I. wurden nun erstmals wissenschaftlich bearbeitet. Der vorliegende Band, der erste des auf drei Bände angelegten Bestandskataloges sämtlicher Skulpturen des 19. Jahrhunderts in der Neuen Pinakothek, stellt die Werke in farbigen Neuaufnahmen vor und beleuchtet den Kontext ihrer Entstehung.

Adolf von Hildebrand gilt als einer der bedeutendsten Bildhauer in Deutschland um 1900. Sein reiches Schaffen entfaltete sich zwischen der Münchner Prinzregentenzeit und der Italienbegeisterung der Deutsch-Römer. Er befreite die Bildhauerei des 19. Jahrhunderts von jedem überflüssigem Dekor und wurde so zu einem Wegbereiter der Moderne. Schon früh gelangten Werke des Künstlers in die Sammlung der Neuen Pinakothek und konnten durch den Erwerb des Werkstattnachlasses zu einem einzigartigen Bestand von über 200 Werken wachsen. Neben vollendeten Arbeiten finden sich darunter Modelle für Idealplastiken, Reliefs, Bildnisse, Architekturen, Brunnen, Denkmäler und Grabmäler. In dem durchgehend illustrierten Bestandskatalog werden die Werke von Fabian Pius Huber zum ersten Mal im Detail erfasst und mit dem Gesamtwerk des Künstlers und seiner Zeit in Beziehung gebracht. Bereichert wird der Katalog durch Beiträge u. a. von Bernhard Maaz „Adolf von Hildebrand – Werk und Mensch in seiner Zeit", und Franziska Kolba „Der Werkprozess bei Adolf von Hildebrand".

(Bilingual edition: English / German)

CoBrA is one of the most important artist groups of Art Informel. The name is derived from the first letters of the three capital cities of Copenhagen, Brussels, and Amsterdam — the centers from which the CoBrA artists took action. Little is still known here in Germany about the concrete origins of the art movement. The exhibition and catalogue of the same name attempts a broad examination of the group’s origins: with the focus on the reconstruction of the movement prior to its official establishment in November 1948. It aims to present a representative cross-section of the movement that includes the largest possible number of artists as well as the greatest possible concentration of forms of expression and topics characteristic of the movement. Roughly fifty paintings, thirty sculptural works, fifty graphic reproductions and photographs as well as individual ceramics and textiles from international collections are presented.

First consideration of the origins of this art movement, which was so central to the development of the art of the twentieth century

CoBrA gehört zu den wichtigsten Künstlergruppen des Informel. Der Name leitet sich aus den Anfangsbuchstaben der drei Hauptstädte Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam ab – die Zentren, von denen aus die CoBrA-Künstler/-innen agierten. Über die konkreten Anfänge der Kunstbewegung gibt es hierzulande nur wenig Kenntnis. Die Ausstellung und der gleichnamige Katalog versuchen die Anfänge breit angelegt zu untersuchen: Im Fokus steht die Rekonstruktion der Bewegung vor der offiziellen Gründung im November 1948. Abgebildet werden soll ein repräsentativer Querschnitt der Bewegung, der sowohl eine möglichst hohe Anzahl an Künstler/-innen als auch eine möglichst hohe Dichte an für die Bewegung charakteristischen Ausdrucksformen und Themenkreisen umfasst. Präsentiert werden etwa 50 Gemälde, 30 skulpturale Arbeiten, 50 Grafiken und Fotografien sowie einzelne Keramiken und Textilien aus internationalen Sammlungen.

(Bilingual Edition: English / German)

The publication presents the entire collection of printing plates depicting battles of the Chinese emperor that are still in existence. They show scenes of Chinese military campaigns between 1755 and 1828. Of the originally eighty-eight printing plates, only thirty-seven are still known today, thirty-four of them in the Ethnological Museum in Berlin.

The book tells the history of the plates’provenance and describes the history of copperplate engraving in China. The process in which the printing plates were created and the motifs found in the pictures of battles are also explained. The magnificent copper plates, which are part of the exhibition in the Wang Shu Room of the Humboldt Forum, bear witness to the history of missionaries in China, the military campaigns and politics of the Chinese emperor, the transnational interrelation of culture and craft, and ultimately the craft of copperplate engraving itself.

(English / German)

The series Notizen zu Uecker publicizes the research of GUI fellowship holders. In Nick Böhnke's study Berührung im Entzug. Struktur, Temporalität und Haptik des malerischen Handelns an den frühen Strukturreliefs Günther Ueckers for volume 3 of the series, the concept of 'action' is expanded to incorporate the artist's painterly approaches up until the 1960s. The author examines aspects of the relief in Uecker's work, in the intermediate field of image and performativity and paying particular attention to the social upheaval during those years. The focus is on the significance of touching and grasping, on the sensual and tactile moments in the creation of Uecker's now iconic works.

• A fresh perspective on Günther Uecker and his work
• A significant contribution to contemporary art theory

Die Schriftenreihe Notizen zu Uecker macht die Forschungsergebnisse der Stipendiat*innen des GUI der Öffentlichkeit zugänglich. Mit Nick Böhnkes Untersuchung Berührung im Entzug. Struktur, Temporalität und Haptik des malerischen Handelns an den frühen Strukturreliefs Günther Ueckers für Band 3 der Reihe wird der Begriff des ‚Handelns‘ um malerische Ansätze des Künstlers bis in die 1960er-Jahre erweitert. Im Zwischenbereich von Bild und Performativität und unter besonderer Berücksichtigung der gesellschaftlichen Umbrüche dieser Jahre, untersucht der Autor Aspekte des Reliefs in Ueckers Werk. Der Fokus liegt dabei auf der Präsenz des Berührens sowie dem (Be)Greifen, den sinnlichen und taktilen Momenten der Entstehung von heute ikonischen Werken Ueckers.

• Günther Uecker und sein Werk in neuer Perspektive
• Wichtiger Beitrag zur zeitgenössischen Kunsttheorie

(English / German)
The terms "figure" and "ground" became fundamental to art-historical analysis and writing over the course of the twentieth century. But is this dichotomy suited to describe premodern art and artifacts? In Between Figure and Ground: Seeing in Premodernity, essays by Claudia Blümle, Gottfried Boehm, Péter Bokody, Beate Fricke, Bruno Haas, David Young Kim, Aden Kumler, Christopher Lakey, Karin Leonhard, Jürgen Müller, Veronica Peselmann, Christoph Poetsch, Raphael Rosenberg, Tom Steinert, Nicola Suthor, Noa Turel, and Saskia C. Quené call into question long-standing habits of seeing and understanding figure-ground relations, expand art-historical vocabularies, and productively challenge anachronistic attachments to modernist paradigms. Offering new approaches and methodological reflections from art history and theory, Bildwissenschaft, and art historiography, this volume provides stimulating answers to the question:　What can be seen and described between premodern figures and grounds?

• Figure and ground in the context of art-historical analysis
• Transcends binary structures
• seeing and understanding figure-ground relations

„Figur" und „Grund" sind zentrale Begriffe der Kunstwissenschaft. Sie entstammen jedoch einer Kunstgeschichte der Moderne. Inwiefern diese dichotomen Leitbegriffe des Sehens auch geeignete Leitbegriffe einer Kunstgeschichte der Vormoderne sein können, ist jedoch weitgehend unhinterfragt geblieben. Dieser Band stellt mit Beiträgen von Claudia Blümle, Gottfried Boehm, Péter Bokody, Beate Fricke, Bruno Haas, David Young Kim, Aden Kumler, Christopher Lakey, Karin Leonhard, Jürgen Müller, Veronica Peselmann, Christoph Poetsch, Raphael Rosenberg, Tom Steinert, Nicola Suthor, Noa Turel und Saskia C. Quené etablierte Sehgewohnheiten in Frage und fordert anachronistische Bindungen an modernistische Paradigmen heraus. Bildtheoretische, kunsthistorische, historiographische und methodologische Ansätze stehen dabei gleichermaßen zur Debatte. Was lässt sich zwischen Figur und Grund sehen und beschreiben?

• Figur und Grund im Kontext der kunsthistorischen Analyse
• zentrale Aspekte der Diskussion
• neue Forschungsfragen

(English / German)
As space conditions perception, the analysis of relationships between image and space is highly significant. The current popularity of immersive spaces proves the strong affective potential of space and forms part of a long art historical tradition, upon which this volume offers critical reflection. Building on the methodological considerations inspired by the "spatial turn" and the "pictorial turn," the authors bring together approaches from image and architectural studies to formulate a new image-space methodology. The ten case studies of profane and sacred image-space ensembles from different eras and cultures discuss the types and functions of such ensembles as well as their respective aesthetic strategies, the related reception mechanisms, and performative uses.

• Introduction in Methods of the Analysis of Image-Space Relationships
• Interpretations of Image-Space Ensembles from the Middle Ages to the 21st Century
• Study of the Relationship between Ideas of Space and Spatial Perception

Da der Raum unsere Wahrnehmung konditioniert, besitzt die Analyse der Zusammenhänge von Bild und Raum hohe Relevanz. Die derzeitige Hochkonjunktur immersiver Räume belegt das starke affektive Potential des Raums und steht in einer langen kunsthistorischen Tradition, die dieser Band kritisch reflektiert. Aufbauend auf den von «spatial turn» und «pictorial turn» angeregten methodischen Überlegungen, führen die Autor:innen bild- und architekturwissenschaftliche Methoden im Sinne einer neuen Bild-Raum-Wissenschaft zusammen. In zehn Fallstudien zu profanen und sakralen Bild-Raum-Ensembles aus unterschiedlichen Epochen und Kulturräumen werden die Arten und Funktionen von Bild-Raum-Bezügen sowie die jeweiligen Wirkungsstrategien, Rezeptionsmechanismen und performativen Nutzungen diskutiert.

• Einführung in Methoden der Analyse von Bild-Raum-Bezügen
• Exemplarische Interpretationen von Bild-Raum-Ensembles vom Mittelalter bis ins 21. Jahrhundert
• Untersuchung des Zusammenhangs von Raumkonzepten und Raumwahrnehmung

Erstmalig wird in diesem Buch Renoirs Auseinandersetzung mit Mode und Textilien untersucht, um einen neuen Zugang zum zunächst gefeierten und im 20. Jahrhundert unter Kitschverdacht geratenen Künstler zu eröffnen. In der bildwissenschaftlichen Analyse hinterfragt Agnes Sawer das Klischee des „Malers des Glücks" und zeigt, wie Renoir mittels textiler Strukturen und Texturen eine innovative und für die nächste Künstlergeneration wegweisende Bildgestaltung entwickelte. Dafür wurden Werke betrachtet, die in der Renoir-Forschung bisher kaum berücksichtigt wurden. Die Autorin beleuchtet die Stoffpracht der Interieurbilder und die Darstellung von Mode, Accessoires sowie Handarbeiten in den Frauenbildnissen und zeigt am Gemälde Bal du Moulin de la Galette auf, dass Textilien selbst Renoirs Bildkompositionen durchdringen.

• Erste umfassende Studie zu Mode und Textilien in Renoirs Malerei
• Neuer Ansatz in der Renoir-Forschung mit einem Fokus auf Bildsujets, die bisher kaum berücksichtigt wurden

Im Frankreich des späten 17. und während der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts erfuhr das portrait historié eine ungekannte Blütezeit. Angehörige des Hochadels und finanzstarken Bürgertums setzten sich auf diesen Bildnissen in mythologischen oder historisierenden Kostümen in Szene. Welche Interessen verfolgten die Auftraggeber? Weshalb wandten sich Künstler wie Nicolas de Largillierre, François de Troy oder Jean-Marc Nattier dem Bildtypus zu? Inwiefern nahmen die Werke Bezug auf den architektonischen Raum, für den sie geschaffen wurden, und in welchem Verhältnis standen sie zu den kulturellen Praktiken der Zeit, etwa höfischen Maskeraden, dem Theater, der galanten Dichtung?

Der Band bietet eine grundlegende Untersuchung des bislang unerschlossenen Bildtypus. Neben kunsttheoretischen und kunstkritischen Texten greift die Autorin auf Inventare, Briefe, Beschreibungen von Schlössern und Festen, Dichtung und Theaterlivrets zurück, rückt aber vor allem die Kunstwerke selbst als Ausdruck höfischer Porträtkultur in den Vordergrund.

Für die Nationalgalerie und das Zentralarchiv der Staatlichen Museen zu Berlin hrsg. von Sven Haase und Petra Winter

Katalog zur Ausstellung in der Nationalgalerie, Museum Berggruen, Berlin, vom 22. November 2018 bis 19. Mai 2019

Mit Beiträgen von Benjamin Fellmann, Sven Haase, Doris Kachel, Gabriel Montua, Antonio Rogus und Janna Stolte

Wie wird ein Kunstwerk populär? Wer waren die Eigentümer? Und unter welchen Umständen hat es seine Besitzer gewechselt? Das Interesse an der Geschichte von Kunstwerken, insbesondere für den Zeitraum der Jahre 1933–1945, wächst unaufhörlich – und die Provenienzforschung liefert hierzu bisher unbekannte und erstaunliche Antworten. In Zusammenarbeit mit dem Zentralarchiv der Staatlichen Museen zu Berlin präsentiert die Nationalgalerie eine Ausstellung, welche die Biographien der Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen von Künstlern wie Picasso, Braque, Laurens, Klee und Matisse aus dem Bestand des Museum Berggruen neu erzählt.

Einleitende Essays und Biographien zu ausgewählten Werken veranschaulichen in diesem Katalog die Geschichte der Privatsammlung von Heinz Berggruen und zugleich die Komplexität der Provenienzen: Vertreten sind nicht nur die berühmten Händler und Sammler Daniel Henri Kahnweiler, Alfred Flechtheim oder Douglas Cooper, auch der Kunstraub der Nationalsozialisten in Deutschland und Frankreich, das Umfeld Picassos sowie die Popularisierung der Klassischen Moderne in Amerika werden thematisiert. Vortreffliche Abbildungen der Werke, Fotos von Rückseiten, historische Aufnahmen, Porträts der Besitzer, ein Verzeichnis der untersuchten 135 Kunstwerke mit ausführlichen Provenienzangaben und ein Glossar zu den erwähnten Personen runden den Band ab.

The Chinese photographer Lu Guang occupies himself with the socioeconomic and ecological issues connected with China’s "industrial revolution", which call to mind the problems of Western nations in the nineteenth and twentieth century. His photographs reflect the consequences of intensive coalmining and the environmental destruction that accompanies it. They impressively document the collateral damage that China’s emergence as an economic superpower and producer for the international demand has caused.
Lu Guang also captures the social life worlds of people who live on the poverty line in these industrial landscapes in powerful pictures. The catalogue accompanying his first monographic exhibition in Germany presents roughly 100 works with which Lu Guang makes us aware that: "There is only one earth, which we share."

Schon seit dem 19. Jahrhundert ist die frühe Planungsgeschichte von St. Peter in Rom zu Beginn des 16. Jahrhunderts ein wichtiges Thema kunsthistorischer Forschung. Dabei steht der sog. Pergamentplan von Donato Bramante, der lediglich als Entwurfsfragment erhalten ist, im Fokus der wissenschaftlichen Untersuchungen. In vorliegender Studie wird dieser Plan umfassend analysiert und mit anderen Text- und Bildmaterialien in einen historischen Kontext gesetzt, der von architektonischen Vorläufern aus der spätantiken Kaiserzeit bis zur barocken Planungsphase von St. Peter im 17. Jahrhundert reicht. Auf Grundlage verschiedener wissenschaftlicher Vorgehensweisen soll vor allem die Grundsatzfrage beantwortet werden, ob es sich beim Pergamentplan um einen Zentral- oder Longitudinalbau gehandelt hat.

Friedrich Preller the Elder’s mythological landscapes shaped the ideal of a 19th-century art concept oriented on the classical canon. The painter, who worked in Weimar, left behind a large oeuvre of paintings, drawings and prints, only some of which have been catalogued to date. His letters provide information about his clients, work processes and pictorial ideas and bring to life his journeys to Italy, through the Alps, and to Norway. They allow a precise reconstruction of five decades of intense creative activity. Preller corresponded with numerous 19th-century personalities, including fine artists, composers, art dealers and publishers, as well as his students.

• Letter Culture of Romanticism
• Artist travels
• Hitherto unpublished source material

Die reich bebilderte Publikation zur Sammlung des Bröhan-Museums, das 1973 von dem Sammler und Unternehmer Karl H. Bröhan (1921–2000) gegründet wurde, gibt einen Überblick über die wichtigsten designhistorischen Strömungen zwischen 1890 und 1940. Vom französischen Art Nouveau und dem englischen Arts and Crafts Movement über den Jugendstil und die deutsche Werkstättenbewegung, die Wiener Moderne und den internationalen Art Déco bis zur funktionalistischen Gestaltung der 1930er-Jahre wird anhand von 100 Objekten oder Objektpaaren lebendige Kunst- und Sammlungsgeschichte vermittelt. Ein eigener Abschnitt ist den Künstlerinnen und Künstlern der Berliner Secession gewidmet. Ein Muss für Fans von Jugendstil, Art Déco und funktionalistischem Design!

This lavishly illustrated publication on the Bröhan Museum’s collection, established in 1973 by entrepreneur and collector Karl H. Bröhan (1921–2000), surveys the main trends in the history of design between 1890 and 1940. From French Art Nouveau and the British Arts and Crafts movement, the book proceeded to Jugendstil and the German Werkstätten, Viennese Modernism and the international Art Déco movements, then all the way on to the functionalist design of the 1930s. It uses 100 objects or pairs of objects to vividly communicate the history of art and collecting. A special section is devoted to the artists of the Berlin Secession. A must for fans of Jugendstil, Art Déco and functionalist design!