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Die Staatliche Graphische Sammlung München besitzt einen der weltweit bedeutendsten Bestände an deutschen Einblattholzschnitten des 15. Jahrhunderts. Sie werden in diesem Bestandskatalog erstmals in einem Buch vorgestellt.

Die ersten europäischen Holzschnitte entstanden um 1400. Abbildungen wurden nun für weite Kreise erreichbar und erschwinglich. Durch Gebrauch rasch verschlissen, zählen diese frühen Drucke heute zu den rarsten Kostbarkeiten.

Aber nicht nur als historische Belege sind diese frühen Blätter bedeutend. Es sind überragende Meisterwerke linearer Ausdruckskraft, die zu den ältesten Werken ihrer Art zählen. Keine Sammlung der Welt vermag die Frühzeit des Holzschnitts so überragend zu belegen wie das Münchner Kabinett: Die Wiege der europäischen Druckgraphik wird in diesem Buch zugänglich.

The discovery of Eltz Castle as a tourist site in the 19th century is dealt with, as is the castle's significance in art and literature. 

Nearly one hundered colour illustrations complement the text.

Emil Orlik (1870–1932) war Maler, Grafiker, Fotograf, Exlibris-Künstler, Medailleur und Kunsthandwerker: ein Allround-Talent. Entscheidend für seine künstlerische Entwicklung wurde eine Reise nach Japan 1900/1901, wo er bei japanischen Meistern die Kunst des Holzschneidens erlernte. In Wien war er Mitglied der Secession. 1904 erhielt er einen Ruf als Professor nach Berlin, wo er für Max Reinhardt Bühnenbild- und Kostümentwürfe schuf. In Berlin war Orlik eine feste gesellschaftliche Größe. Seine Porträts von Persönlichkeiten aus Kunst, Theater, Musik, Literatur, Film, Kabarett und Politik sind ein Kaleidoskop des geistigen, kulturellen und Wirtschaftslebens der Weimarer Republik. Orlik unternahm zahlreiche Reisen, die ihn neben Europa und der USA nach China, Korea, Ägypten, Nubien und erneut nach Japan führten. Sein Werk spiegelt seine Neugier auf die Welt und die Vielfältigkeit dieses Ausnahmekünstlers. Sein umfangreiches druckgrafisches Werks – Holzschnitte, Radierungen und Lithografien – wird nun erstmals ausführlich dokumentiert und im vorliegenden Werkverzeichnis präsentiert.

Between Myth and Mass Murder: The First Comprehensive Museum Exhibition on the History of the SS

At hardly any other place did the ideology and terror of the SS stand in such close spatial proximity: Heinrich Himmler, Reichsführer-SS, planned to convert the Renaissance castle in the District of Paderborn into a meeting place for the SS. The large-scale and laborious work was carried out as of 1939 with prisoners from the Niederhagen/Wewelsburg Concentration Camp located on the town periphery. At least 1,285 people died of frailty, hunger, and violence. Local and national histories intertwine at this authentic location. Wewelsburg, for example, was the site of Himmler’s last meeting with select SS-Ober gruppenführer just days before the German military invaded the Soviet Union. The SS leaders were indoctrinated for war within the staged surroundings of a Westphalian castle. The Kreismuseum’s permanent exhibition, “Ideology and Terror of the SS,” at the “Wewelsburg 1933 – 1945 Memorial Museum” comprehensively examines the history of the SS, courageously presenting its ideology and crimes, its appearance and actuality, and its past and aftermath. Original objects from the SS realm of experience, realia from the concentration camp, and the remaining National Socialist architecture provide exceptional access to this subject matter.

Mit „klein aber fein" umschrieben Jan und Friederike Baechle selbst ihre Sammlung. Damit treffen sie den Kern ihrer über Jahrzehnte behutsam aufgebauten Sammlung. Im Mittelpunkt des Sammlerinteresses stand das „lange 19. Jahrhundert" mit all seinen unterschiedlichen Facetten. Die Künstlerliste der 27 Werke weist signifikante Positionen der Kunst des 19. Jahrhunderts auf und stellt als testamentarische Schenkung an das Museum Wiesbaden eine ideale Ergänzung für den vorhandenen Bestand dar und ist ein weiterer Glücksfall im Kontext einer geplanten „Galerie des 19. Jahrhunderts". Das Buch präsentiert ausgewählte Arbeiten des 19. Jahrhunderts aus dem Museum, darunter Werke von Eugen Bracht, Ferdinand Brütt, Karl Hofer, Max Liebermann, Alfred N. Oppenheim, Eugen Spiro, Hans Thoma, Wilhelm Trübner und Ernst Wilhelm Nay.

Bi-lingual edition German - Italian

Glimmering glass beads can be threaded onto thin wire and shaped into flowers - a historical handcraft based in Venice and its famous Murano glass. In this lavishly illustrated book, Georg Ragnar Levi tells the fascinating story of how beaded flowers came to be loved and despised - and at one point in history even banned. So-called French beaded flowers were created in homes, convents, prisons, and workshops, and were used for ornamental and symbolic purposes at baptisms, weddings, and funerals.

The author guides us through the history, techniques, materials, and personal stories behind the craft, showing how the demand for wreaths and bouquets in the early 1900s became the bread and butter of many families in Europe and made the glassworks of Murano and Bohemia prosper.

Bilingual edition German / Italian

Editione bilingue – Tedesco/Italiano

Quella dei fiori di perline è un’arte antica e straordinaria, di origine veneziana; una manualità che pareva perduta, ma che sopravvive nel tempo. Le fioriture perenni sono realizzate con minute perline di vetro di Murano e boeme, montate su un finissimo filo di ferro.

Le recensioni definiscono il volume riccamente illustrato di Georg Ragnar Levi "una rivelazione". L’autore conduce con naturalezza il lettore attraverso la storia, le tecniche, i materiali e i racconti personali che accompagnano le creazioni floreali.

(English / French edition)
Glimmering glass beads can be threaded onto thin wire and shaped into flowers – a historical handicraft, rooted in Venice and its famous Murano glass. In this lavishly illustrated book, author and collector Georg Ragnar Levi tells the fascinating story how beaded flowers came to be loved and despised – at one point in history even banned. So-called French beaded flowers were created in homes, convents, prisons and workshops, and were used for ornamental and symbolic purposes at baptisms, weddings, and funerals. Dr. Levi guides us through the history, techniques, materials, and personal stories behind the craft, showing how the demand for wreaths and bouquets in the early 1900s became the bread and butter of many European families, and made the glassworks of Murano and Bohemia prosper

• Bilingual edition in English and FrenchNew bilingual edition in both English and French
• Inspiring and knowledgeable insights into a forgotten handicraft

• "A feast of discovery" according to reviews

Fotografien sind kulturhistorische oder zeitgeschichtliche Dokumente mit einem schier unerschöpflichen Themenspektrum und damit für Forschung und Vermittlung zentrale Informationsquellen. Doch auch als Form des Kunstschaffens wird die Fotografie zum Gegenstand von Sammlungen und vielbeachteten Ausstellungen. Der Band stellt die Stufen der technischen Entwicklung der Fotografie bis zur Gegenwart vor. Die Lichtbild-Techniken von den Anfängen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts werden in ihren Herstellungsverfahren beschrieben, die jeweiligen konservatorischen Problemstellungen skizziert und Maßnahmen vorgeschlagen. Nicht zuletzt widmet sich ein Beitrag den Aspekten der Langzeitarchivierung digitaler Bildaufnahmen. Die Publikation bietet übersichtlich und reich bebildert praktische Hilfen zur Identifikation und gibt Hinweise auf spezielle Risiken bei der Handhabung. Ausführliche Informationen zur Archivierung, Präsentation und zu konservatorischen Maßnahmen erleichtern den Umgang mit diesen empfindlichen Materialien.

Der beliebte Band liegt nun als durchgesehene, aktualisierte Auflage vor!

In den 1920er- und 1930er-Jahren waren Fotogedichte ein fester Bestandteil illustrierter deutscher Zeitschriften, danach gerieten sie in Vergessenheit. Der Bildband Fotopoesie bringt diese populäre Kunstform nun erstmals wieder ans Licht und offenbart deren beeindruckende intermediale Kreativität. In zwanzig thematischen Kapiteln – von den Jahreszeiten über Arbeit, Film, Sport und Werbung bis hin zu Liebe und Politik – entfaltet sich ein einzigartiges Zusammenspiel von Wort und Bild. Große Lyriker:innen wie Mascha Kaléko, Erich Kästner und Joachim Ringelnatz begegnen bedeutenden Fotokünstler:innen ihrer Zeit, darunter Yva, Umbo und Sasha Stone. Sprach- und Lichtbild-Poesie verschmelzen zu faszinierenden Kunstwerken, deren Dokumentation eine medien- und kulturgeschichtliche Lücke schließt.

• Wiederentdeckung einer intermedialen Kunstform
• Poesie in Wort und Bild
• Interdisziplinäre Forschung zum Fotogedicht als selbstständige Gattung

(English / German)
Francis Bacon’s portrait of his first partner Peter Lacy is somehow simultaneously attractive and repulsive. The monumental portrait dating from 1962 was unknown to the public for a long time. Shortly after it was painted, Italian film director Michelangelo Antonioni acquired the work and it remained in private hands for decades. This is a key work, created at a turning point in Bacon’s oeuvre. Markus Rath embeds the painting into Bacon’s visual world for the first time. The English painter reveals a biographically oriented representationalism in the portrait, concentrating his compositional arrangement on the stage-like interior and forcing a contrast between the two-dimensional ground and the colour-saturated figure – these are pioneering approaches to composition that shaped his late work decisively.

Anziehend und abstoßend zugleich ist Francis Bacons Bildnis seines ersten Lebenspartners Peter Lacy. Das monumentale "Portrait" aus dem Jahr 1962 war lange Zeit vor der Öffentlichkeit verborgen. Kurz nach seiner Entstehung erwarb es der italienische Regisseur Michelangelo Antonioni und es blieb jahrzehntelang in Privatbesitz. Dabei entpuppt es sich als ein Schlüsselwerk, das an einem Wendepunkt entstand. Markus Rath führt erstmals diese Stränge zusammen und bettet das Gemälde in Bacons Bildwelt ein. Der englische Maler bekennt sich darin zu einer biografisch orientierten Gegenständlichkeit, konzentriert sein kompositorisches Schema auf den bühnenartigen Innenraum und forciert den Kontrast zwischen flächigem Grund und farbgesättigter Figur – wegweisende kompositorische Verfahren, die sein Spätwerk entscheidend prägen sollten.

Mit keiner französischen Stadt hat Potsdam so viel gemein wie mit der prachtvollen Residenz des franzö­sischen Sonnenkönigs Ludwig XIV.: Versailles. Ist nicht zuletzt die Stadt Potsdam zu dem geworden, was sie heute ist, weil im 17. und 18. Jahrhun­dert die preußischen Regenten dem französischen Hof nacheiferten? Mit den französischen Impressionisten aus der Sammlung Hasso Plattner im Museum Barberini und den Schlössern Sanssouci und Neues Palais mit ihren französischen Rokoko­Gemälden be­herbergen Potsdamer Institutionen künstlerische Highlights aus unserem Nachbarland. Diese herausragenden Orte der Kunst sind zentrale Stationen eines neuen Stadtrundgangs, den die Stiftung Preußische Schlösser und Gärten und das Museum Barberini gemeinsam entwickelt haben.

• Spaziergang durch die französische Seite Potsdams

Der Mann mit dem Schlapphut von Frans Hals gehört zu den bekanntesten Meisterwerken der Kasseler Gemäldegalerie. Schon Lovis Corinth bekannte 1907 bei seinem Besuch: "der Franz Hals hat genau so gemalt wie ich. […] Ich brauche mich gar nicht zu verstellen." Das Ergebnis war eine schöpferische Kopie nach dem Gemälde, welche - bei aller Unterschiedlichkeit - die Seelenverwandtschaft beider Künstler offenbart. Erstmals sind beide Werke in Schloss Wilhelmshöhe gemeinsam zu sehen. Ergänzt werden sie durch eine moderne Paraphrase von Sławomir Elsner, die vom Museumsverein Kassel e. V. erworben wurde. Auch sie belegt: Frans Hals inspiriert bis heute!

• Frans Hals «Der Mann mit dem Schlapphut»
• Lovis Corinth
• Sławomir Elsner

Franz Lenk (1898–1968) was one of the most well-known painters of Neue Sachlichkeit. The publication offers a current perspective on his oeuvre and artistic career. It poses questions not only about his artistic role models, but also about his worldview and how it is manifested in his painting. For instance, Lenk’s ambivalent position during the years from 1933 to 1945 is analyzed and assessed within the context of the events of the time. Biographical and art-historical insights, including about the group "Die Sieben" (The Seven) and his participation in the exhibitions of the Carnegie Institute in Pittsburgh in the 1930s, are incorporated into the presentation. The exhibition and catalogue present numerous works from twenty-four private and public collections in Germany and Switzerland.

Franz Graf von Pocci (1807–1876) war nicht nur Zeremonienmeister, Opernintendant, Komponist, Schriftsteller und Erfinder des Kasperl Larifari, sondern ein geradezu besessener Zeichner. „Und hättʼ ich wohl an hundert Händʼ / mit Burgen kämʼ ich nie zu Endʼ!", dichtete er selbst über seine Leidenschaft, ständig die Bildphantasie spielen zu lassen. Sie kreiste um erfundene Landschaften oder illustrierte seine Texte, konnte aber auch genauso gut in unbestechlicher Boshaftigkeit seine Kollegen in Verwaltung und Künstlerschaft als Karikaturen aufspießen.

Der Bestand der Staatlichen Graphischen Sammlung München wurde durch eine bedeutende Stiftung von 82 Zeichnungen jüngst bereicherte. Daneben dokumentiert das Buch auch erstmals den Zeichner Ludwig Graf von Otting (1818–1894), der bei der Vereinigung »Altengland« Poccis Nachfolger als zeichnender Chronist wurde.

Dieser opulente Katalog stellt die erste umfassende Publikation zum Erfurter Haupt-Nachlass des Landschaftsmalers Friedrich Nerly (1807–1878) dar. Bereits kurz nach seinem Tod traf das umfangreiche Konvolut in Erfurt ein und führte zur Gründung des Angermuseums. Der reiche Bestand an Gemälden und Ölstudien ermöglichte es in Verbindung mit dem Korpus an Zeichnungen, den Maler in all seinen Facetten zu erforschen. Seine Lebensreise führte ihn zunächst nach Hamburg zu dem Kunstpädagogen Carl Friedrich von Rumohr, der bald mit seinem Schüler nach Italien aufbrach. Hier fand Nerly seine neue Wahlheimat und schuf bereits in Rom spektakuläre Ölstudien. Seine Hauptschaffenszeit verbrachte er als "celebre pittore" in Venedig, malte als erfolgreichster ausländischer Maler für die ganze Welt und erfand als Trendsetter das venezianische Mondscheinbild.

• Nerly als früher Trendsetter – die Erfindung des venezianischen Mondscheinbildes
• Eine erfolgreiche Künstlerkarriere im Zeichen von Mobilität und beginnender Globalisierung
• Ölstudien aus Olevano, Terracina und Tivoli – Höhepunkte einer neu entstehenden Gattung

Ausstellung im Angermuseum Erfurt
17. November 2024 bis 23. Februar 2025

(English / German)
Portrait and genre painting in the 19th century

Friedrich von Amerling (1803–1887) was one of Vienna’s most important portraitists. His oeuvre reads like a who’s who of the 19th century. He received commissions from the Habsburg court, the Austrian nobility, and the haute bourgeoisie, because no other portraitist could blend realism and idealism so aptly. In addition, throughout his life Amerling studied his own appearance in a series of self-portraits and portrayed many of his fellow artists. He became particularly popular for his depictions of young women, and stories circulated about little clues inserted into their costumes.

Amerling’s approximately 1,200 paintings are collected here for the first time in an illustrated catalog raisonné. Several essays discuss the painter’s outstanding artistic talent, his life, his models, his collection, and his residence.

• Volume 13 of the series Belvedere catalog raisonné
• Portrait and genre painting in the 19th century
• Catalog raisonné of one of the most important Austrian portrait and genre painters of the 19th century

Porträt- und Genremalerei im 19. Jahrhundert

Friedrich von Amerling (1803–1887) zählt zu den bedeutendsten Porträtisten in Wien. Sein Œuvre liest sich wie ein „Who’s who“ des 19. Jahrhunderts. Der Hof, der Adel und das gehobene Bürgertum erteilten ihm Aufträge, denn keiner vermochte es wie er, Sein und Schein so treffend ineinander zu verweben. Daneben beobachtete sich Amerling sein Leben lang selbst in einer Reihe von Selbstporträts und hielt viele seiner Künstlerkollegen in Porträts fest. Besondere Beliebtheit erlangte er durch seine Darstellung junger Frauen; deren Verkleidung erzählt kleine Geschichten.

Amerlings etwa 1.200 Gemälde sind hier zum ersten Mal in einem bebilderten Werkverzeichnis vereint. Mehrere Essays berichten vom herausragenden künstlerischen Talent des Malers, von seinem Leben, seinen Modellen, seiner Sammlung und seinem Wohnsitz.

• Werkverzeichnis eines der bedeutendsten Porträt- und Genremalers des 19. Jahrhunderts in Österreich
• Präsentation von rund 1.200 Werken; mit Beiträgen von Martin Böhm, Udo Felbinger, Sabine Grabner, Katharina Lovecky und Stella Rollig
• Band 13 der Reihe Belvedere Werkverzeichnisse, herausgegeben von Stella Rollig und Luisa Ziaja

Future Bodies from a Recent Past brings to life a hitherto little-noticed phenomenon in art and sculpture in particular: the reciprocal interpenetration of bodies and technology. With 120 works by 59 artists—primarily from Europe, the USA and Japan—the exhibition is dedicated to the major technological changes since the post-war period and examines their influence on our notions of bodies. With contributions on topics such as the influence of changing production technologies, materialities, and concepts of the body, but also interdisciplinary considerations of body-technology relations, a multi-perspective history of contemporary sculpture will be outlined.

• Fascinating interlinking of the body and technology
• 120 works by 59 artists from Europe, the United States, and Japan

Future Bodies from a Recent Past brings to life a hitherto little-noticed phenomenon in art and sculpture in particular: the reciprocal interpenetration of bodies and technology. With around 120 works by 60 artists—primarily from Europe, the USA and Japan—the exhibition is dedicated to the major technological changes since the post-war period and examines their influence on our notions of bodies. With contributions on topics such as the influence of changing production technologies, materialities, and concepts of the body, but also interdisciplinary considerations of body-technology relations, a multi-perspective history of contemporary sculpture will be outlined.

Francis La Flesche (1857–1932) lebte zwischen zwei Welten: Als Umoⁿhoⁿ (Omaha) kämpfte er für deren Rechte, als Wissenschaftler erforschte er seine eigene Kultur. Er gilt als erster indigener Ethnologe Nordamerikas und steht stellvertretend für die vielen indigenen Akteur/-innen, ohne die ethnologische Sammlungen niemals entstanden wären. Die meisten dieser Personen sind uns nicht mehr bekannt, denn im Zentrum stehen bis heute die europäischen und nordamerikanischen Sammler. Francis La Flesche bildet eine Ausnahme: Seine Arbeit gibt einen Einblick in indigene Handlungsmacht und deren Widerstand gegen Rassismus und Kolonialismus sowie die aktive Teilhabe am Handel mit Objekten. Das Buch präsentiert zum ersten Mal La Flesches Aufzeichnungen über die Gegenstände, die er der 1894 ins heutige Ethnologische Museum nach Berlin gesandten Sammlung beigab – ein beeindruckendes Zeugnis seiner erfolgreichen Bemühungen, die Kultur der Omaha für künftige Generationen zu bewahren.

Die europäische Kunstszene des 16. Jahrhunderts war von der Person und dem Werk Michelangelo Buonarrotis dominiert. Der rasche künstlerische Aufstieg, die laute Verehrung und die Erhebung von Michelangelo zur Norm und unübertreffbaren Autorität in der Kunst lösten jedoch schon im Cinquecento Kritik aus. Eine der kritischen Kunsttechniken, die damals verwendet wurden, um Normen zu delegitimieren, Konkurrenten herabzusetzen und Kunstwerke schmähend zu diskreditieren, war die Bildparodie. Die Studie widmet sich der Untersuchung dieser besonderen Technik der Komisierung und Devaluation durch eine systematische und exemplarische Erforschung der „negativen" Rezeption von Michelangelo in der nord- und mittelitalienischen Kunst der Zeit.

• Die erste umfassende Studie über die bildliche und schriftliche Kritik an Michelangelo in Nord- und Mittelitalien im 16. Jahrhundert.
• Eine Studie über die Theorie, Funktion und Erscheinungsformen der Bildparodie in der frühen Neuzeit.

Künstler waren seit der Renaissance auf einen Kanon vorbildhafter Motive und Formen verpflichtet, was immer wieder Gegenreaktionen auslöste. Insbesondere bildparodistische Verfahren eigneten sich für eine kunstimmanente Kritik an Autoritäten und ästhetischen Normen sowie zur Formulierung von Autonomie- und Statusansprüchen. Obwohl derartige Gegenbilder in der frühen Neuzeit überaus präsent waren, sind sie bisher nur selten in den Blick der Forschung geraten.

Diesem Desiderat widmet sich der vorliegende Band. Aus kunsthistorischer, literaturwissenschaftlicher und bildwissenschaftlicher Perspektive leisten die Fallstudien einen Beitrag zum Verständnis vormoderner Bildparodien, indem sie deren Einsatz in Modernisierungsdiskursen und in konkreten Konfliktsituationen beleuchten.

(English / German)
Figurative painting in the 20th century
Georg Eisler (1928–1998) showed unwavering commitment to figurative painting and depicted his environment with a critical eye. Throughout his life, he devoted himself to a variety of themes that reveal his unique view of the world. His primary interest was people in their social and societal contexts.

In addition to mundane subjects such as coffee house scenes, still lifes, and portraits both of well-known contemporaries and his own acquaintances, he critically examined social and political issues and dealt with these through his art. He also drew on personal experiences, such as his period of exile in Britain, in his paintings.

This publication is the first comprehensive catalog raisonné of Eisler’s diverse oeuvre, spanning more than 1,700 paintings.

• Volume 12 of the series Belvedere catalog raisonné
• Figurative painting in the 20th century
• Catalog raisonné of a figurative painter and chronicler of the 20th century

Figurative Malerei im 20. Jahrhundert

Georg Eisler (1928–1998), konsequent verhaftet in der figurativen Malerei, stellte seine Umwelt mit kritischem Blick dar. Dabei widmete er sich zeitlebens einer Vielzahl an Themenkomplexen, die seine differenzierte Sicht auf die Welt verdeutlichen. Sein Interesse gilt primär dem Menschen – in seinem sozialen und gesellschaftlichen Kontext.

Neben profanen Themen wie Kaffeehauszenen, Stillleben und Porträts bekannter Persönlichkeiten sowie eigener Bekanntschaften zeigte er kritisch gesellschaftliche und politische Fragestellungen auf und bearbeitete diese künstlerisch. Auch persönliche Erlebnisse, wie seine Zeit im britischen Exil, arbeitete er malerisch auf.

Mit dieser Publikation liegt Eislers vielfältiges malerisches Œuvre mit mehr als 1.700 erfassten Gemälden erstmals in einem umfassenden Werkverzeichnis vor.

• Werkverzeichnis eines figurativen Malers und Chronisten des 20. Jahrhunderts
• Präsentation von mehr als 1.700 Werken; mit Beiträgen von Dieter Kleinpeter, Susanne Neuburger, Ana Petrović / Marjana Uhde und Stella Rollig
• Band 12 der Reihe Belvedere Werkverzeichnisse, herausgegeben von Stella Rollig und Luisa Ziaja

German-English-French edition

The work of Swiss artist Alberto Giacometti (1901-1966) represents a unique contribution to modernist sculpture. Known for his elongated, expressive figures from the period after 1945, he was also a notable member of the Surrealist group around André Breton between 1930 and 1935. To mark the anniversary "100 Years of Surrealism", the exhibition and catalogue shed light on Giacometti’s surrealist oeuvre, exploring how the surrealist element continues in his post-war works. His friendship and artistic ties with Max Ernst are also examined for the first time. The richly-illustrated, trilingual catalogue presents Giacometti's surrealist-influenced sculptures together with paintings, drawings and prints.

• In-depth examination of Alberto Giacometti’s surrealist work, also beyond his direct affiliation with the Surrealist group

Deutsch-englisch-französische Ausgabe

Das Werk des Schweizer Künstlers Alberto Giacometti (1901–1966) gehört zu den eigenständigsten Beiträgen zur Skulptur der Moderne. Bekannt für seine lang gestreckten, ausdrucksstarken Figuren der Zeit nach 1945 war er zwischen 1930 und 1935 namhaftes Mitglied der surrealistischen Gruppe um André Breton. Anlässlich des Jubiläums „100 Jahre Surrealismus" beleuchten Ausstellung und Katalog das surreale Schaffen Giacomettis und gehen der Frage nach, wie sich das surrealistische Moment auch in seinen Arbeiten der Nachkriegszeit fortsetzt. Erstmals wird dabei auch seine freundschaftliche und künstlerische Verbindung zu Max Ernst in den Blick genommen. Der reich illustrierte dreisprachige Katalog präsentiert Giacomettis surrealistisch geprägte Skulpturen zusammen mit Gemälden, Zeichnungen und Grafiken.

• Eingehende Betrachtung des surrealen Schaffens von Alberto Giacometti auch jenseits seiner Zugehörigkeit zur surrealistischen Gruppe
• Ausstellung Max Ernst Museum Brühl des LVR, Brühl, 1.9.2024 – 15.1.2025

Mangelnde Wartung und Vandalismus haben dem Hotel seit der Schließung 1946 arg zugesetzt. Vor dem Hintergrund der Würdigung der Anlage als Gesamtwerk und einer sorgfältigen Bestandsaufnahme ist es möglich, den Entwurfsprozess von den ersten Skizzen bis zur Ausführung zu verfolgen.

Vor der Mitte des 18. bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts war der kleine Ort Raimundsreut im Hinteren Bayerischen Wald das Zentrum der volkstümlichen Hinterglasmalerei in Ostbayern. Mehr als 20 Maler lieferten diese bei der Landbevölkerung höchst begehrten Heiligenbilder für die "gute Stube" oder als Andenken von einer Wallfahrt.

Diese Bilddokumentation präsentiert mehr als 200 bisher unveröffentlichte Hinterglasbilder aus zwei Privatsammlungen.

Institutions, associations, and company boards presented magnificent birthday presents to Prince Regent Luitpold of Bavaria (1821–1912), one of the most well-known representatives of the House of Wittelsbach, on the occasion of his round birthdays in 1891, 1901, and 1911. As high-quality handcrafted works, they combine artistic techniques from goldsmithing to cut leather to watercolor painting. Their stylistic spectrum ranges from variants of historicism to Art Nouveau. These treasures, which are part of the holdings of the Bavarian National Museum, shed light on the vital cultural development during the span of time around 1900, also known as the "Prinzregentenzeit," or Regency period, and the magnificent celebrations of the birthday of a prince shortly before the end of the monarchy in Germany.

Nuremberg developed into an international trading center in the heart of Europe between 1300 and 1600. Economy, politics, art, and culture were closely intertwined. This catalog traces the city’s expanding networks from the late Middle Ages to the Renaissance and critically reflects on Nuremberg’s role in an increasingly globalized world. The city’s success as an international hub of knowledge and an innovative industrial center enabled its cultural flourishing during the time of Albrecht Dürer. However, this prosperity was also built on the exploitation of resources, the booming arms trade, and early colonial activities. This publication sheds light on these lesser-known aspects of Nuremberg’s history and presents fascinating objects from international collections.

• Exhibition, Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg, September 25, 2025 to March 22, 20
• History of early globalization with a focus on Nuremberg
• Fascinating exhibits
• Unexpected and critical perspectives on art

(English / German edition)
Many sprayers who do not abandon graffiti as a temporary phase of youthful rebellion, but have made it central – as name-writing – to their now legal work, are reminiscent of the 20^th century Expressionists and their self-referential positions. Using the example of Basel graffiti legend Sigi DARE von Koeding, who died at an early age, the author explores whether everything that Expressionism originally represented and still stands for today can be rediscovered in the brightly-coloured, expressive works of one of the best name-writers.

• The name-writing of graffiti-sprayers as a new stylistic movement in art
• Graffiti Expressionism
• Sigi DARE von Koeding

Viele Sprayer, die Graffiti nicht nur als kurze Phase des jugendlichen Aufbegehrens längst abgehakt, sondern als Name-Writing in den Mittelpunkt ihres nunmehr legalen Schaffens gestellt haben, erinnern an die selbstreferenziellen Positionen der Expressionisten des 20. Jahrhunderts. Am Beispiel der bereits früh verstorbenen Basler Graffiti-Legende Sigi DARE von Koeding wird der Frage nachgegangen, ob in den starkfarbigen, ausdruckskräftigen Arbeiten eines der besten Name-Writer vielleicht aktuell all das wieder zu entdecken ist, wofür der Expressionismus ursprünglich stand und heute noch steht.

• Das Name-Writing der Graffiti-Sprayer als neue Kunst-Stilrichtung
• Graffiti Expressionism
• Sigi DARE von Koeding

Gewöhnlich führte eine Grand Tour von einem Ort nördlich der Alpen zu den historischen Sehenswürdigkeiten Italiens. Im Fall von Emel’jan Michailowitsch Korneev (1782–nach 1839) begann die Reise jedoch in St. Petersburg, brachte ihn über Sibirien an die Grenze zur Mongolei und schließlich auf die Krim, von wo aus es weiterging nach Griechenland und Kleinasien. Am Schluss dieser Reise stand die klassische Tour durch Italien. Jahre später folgte sogar noch die Umrundung der ganzen Welt als Expeditionszeichner an Bord eines russischen Schiffes.

Die Präsentation der noch nie zuvor gezeigten Graphiken der italienischen Reise von E.M. Korneev im Münchner Stadtmuseum gibt Anlass, erstmals auch die faszinierende Künstlerpersönlichkeit einem Publikum außerhalb Russlands zu erschließen.

Katalog zur Ausstellung der Staatlichen Graphischen Sammlung München in der Pinakothek der Moderne
vom 13. Oktober 2018 bis 6. Januar 2019

Die italienische Kunst fand in der Monumentalmalerei der Renaissance und des Barock zu faszinierenden, oft überwältigenden Lösungen. Michelangelos »Sixtinische Decke«, das »Jüngste Gericht«, Fresken Raffaels und Annibale Carraccis zählen zu den eindrucksvollsten Schöpfungen der Kunstgeschichte. Über Jahrhunderte hinweg prägten Holzschnitte, Kupferstiche und Radierungen die Vorstellung von diesen Meisterwerken maßgeblich mit. Welche Strategien wurden entwickelt, die Dekorationen druckgraphisch zu inszenieren? Wie gelang es, Kuppelmalereien in die ebene Fläche des Papiers zu übertragen? Antwort auf diese Fragen geben hochkarätige Blätter und Montagen von Mantegna bis Tiepolo, von Andrea Andreani, Giulio Bonasone bis Carlo Cesio.

Die Staatliche Graphische Sammlung München stellt in einer Überschau herausragende Beispiele dieses bisher wenig beachteten Zweiges der Druckgraphik in den Mittelpunkt. Der Ausstellungskatalog zeigt, wie sich Kunst in neue Kunst verwandelt, wie Komplexes und Großes ins leicht Lesbare und Handliche der Graphik übersetzt wurde. Neben ausgewählten Hauptwerken erfasst der Katalog den Gesamtbestand von fast 1.000 Blättern nach Wand- und Deckenbildern, unter anderem aufgeschlüsselt nach Druckgraphikern, erfi ndenden Malern und Orten.

(English / German)
The series Notizen zu Uecker (Notes on Uecker) makes the research results of the Günther Uecker Institute's fellows accessible to the public. The emphasis of the sponsored projects is on a lively examination of Günther Uecker's work. In volume 2, the art scholar Xiao Xiao devotes herself to spiritual concepts from the East Asian region. The focus of her analysis is on the intriguing proximity of philosophical notions of 'action' in the Chinese Daoist tradition and Uecker's artistic practice. Xiao Xiao shows how the notions of wuwei ['non-intervention'], ganying [correlative resonance], and ziran [from-self-so] make determinable movements of thought that are deeply inscribed in Uecker's artistic creative processes.

• Günther Uecker and his work in a new perspective
• Important contribution to contemporary art theory
• bilingual german-english

Die Schriftenreihe Notizen zu Uecker macht die Forschungsergebnisse der StipendiatInnen des Günther Uecker Instituts der Öffentlichkeit zugänglich. Der Akzent der geförderten Projekte liegt auf einer lebendigen Auseinandersetzung mit dem Werk Günther Ueckers. In Band 2 widmet sich die Kunstwissenschaftlerin Xiao Xiao spirituellen Begriffen aus dem ostasiatischen Raum. Der Fokus ihrer Analyse liegt auf der verblüffenden Nähe philosophischer Vorstellungen von ‚Handlung‘ in der chinesisch-daoistischen Tradition und Ueckers künstlerischer Praxis. Xiao Xiao zeigt auf, wie die Begriffe wuwei [‚Nicht-Eingreifen‘], ganying [korrelative Resonanz] und ziran [von-selbst-so] Denkbewegungen bestimmbar machen, die den künstlerischen Schaffensprozessen Ueckers tief eingeschrieben sind.

• Günther Uecker und sein Werk in neuer Perspektive
• Wichtiger Beitrag zur zeitgenössischen Kunsttheorie
• zweisprachig deutsch-englisch

Das archäologische Bestimmungsbuch »Gürtel« behandelt eine außergewöhnliche archäologische Fundgruppe, die sich durch besonders vielfältig gestaltete und reich verzierte Stücke auszeichnet. Gürtel nehmen eine besondere Rolle bei der Ausstattung römischer Soldaten, als Würdezeichen fränkischer Krieger oder in der Frauentracht ein. Neben der Zusammenstellung ganzer Gürtelgarnituren und Gürtelketten gilt die Aufmerksamkeit den Einzelteilen wie Schnallen, Gürtelhaken und Riemenzungen. Jeder Typ wird durch eine exakte Beschreibung seiner Form und Varianten, durch Angaben zu Alter und Verbreitung sowie durch Hinweise auf die Verwendung der Beschläge gekennzeichnet.

In der Reihe »Bestimmungsbuch Archäologie« werden archäologische Fundgegenstände aus dem deutschsprachigen Raum zeitlich übergreifend von den Anfängen bis in das Hochmittelalter vorgestellt. Jeder Band ist systematisch gegliedert und wurde speziell für die Bestimmung von archäologischen Sammlungsbeständen konzipiert. Er ist wissenschaftlich fundiert, umfassend bebildert und eignet sich für den Fachmann ebenso wie für Studenten oder Heimatforscher und interessierte Laien.

Zu den prachtvollsten Gattungen archäologischer Funde gehören die Halsringe. Sie bestehen aus Bronze, Silber oder Gold, sind aufwendig hergestellt und reich verziert. In der Vorzeit wurden sie von ausgewählten Männern, Frauen und Kindern getragen, repräsentierten Stand und Würde des Trägers und zeichneten ihn innerhalb seiner Gesellschaft aus.

In Mitteleuropa gibt es Halsringe seit dem Beginn der Bronzezeit um 2200 v. Chr. Sie kommen bis in die Völkerwanderungszeit um 500 n. Chr. vor, bei den Ostseeanrainern sogar noch bis in das 10. und 11. Jahrhundert.

Im vorliegenden Band 7 der Reihe Bestimmungsbuch Archäologie werden die einzelnen typischen Formen vorgestellt, beschrieben und abgebildet. Dazu kommen Angaben zur Datierung und Verbreitung der Formen sowie weiterführende Informationen.

(Bilingual Edition: English / German)

Hanna Nagel’s focus as an artist was on drawing and graphic prints. Like no other woman artist of her time, she examined the relationship between men and women as well as the problematic balancing act between professional work and motherhood. Her work following her studies in Karlsruhe was at first characterized by objective precision. With her move to Berlin, she, however, distanced herself from the stringent drawing style of Neue Sachlichkeit. The oft-biographical works executed with a brush and pen in Indian ink are formally more complex and painterly, whereby the impression of these so-called "Dunkle Blätter" (Dark Works) corresponds to the narratively and symbolically charged topics chosen. The focus of the exhibition and catalogue is on the works of the 1920s and the early 1930s.

• Rediscovering an outstanding draftswoman and graphic designer of Neue Sachlichkeit and a pioneer of feminist art

• Wiederentdeckung einer herausragenden Zeichnerin und Grafikerin der Neuen Sachlichkeit und Pionierin feministischer Kunst

• Ausstellung: Kunsthalle Mannheim, 8.4.-3.7.2022

Der Katalog begleitet die Große Landesausstellung in der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe und umfasst rund 250 Exponate aus zahlreichen internationalen Sammlungen, darunter intime Andachtsbilder, leuchtende Glasgemälde, charaktervolle Porträts, humanistische Denkbilder und sinnliche Akte, zu denen auch die berühmten Sündenfalldarstellungen und die drastischen Hexenszenen zählen. Mit Einführungen und Exponat-Texten, die sich an ein breiteres Publikum richten, sowie vielen Abbildungen bietet er einen einzigartigen Überblick über das Werk dieses großen Malers, Zeichners und Druckgraphikers.

Hans Baldung Grien was one of the most unusual German artists of the Renaissance. In an epoch of profound radical change, he created a varied and independent body of work that continues to fascinate us to this day.

The catalogue accompanies a major regional exhibition at the Staatliche Kunsthalle Karlsruhe and features some 250 exhibits from numerous international collections, including intimate devotional pictures, luminous glass paintings, character portraits, and sensual nudes, among which can also be found the artist’s well-known representations of the Fall of Man (Adam and Eve) and his drastic witch scenes. With introductions and texts on exhibits aimed at a wider audience, as well as many illustrations, this publication offers a unique overview of the work of this great painter, draftsman and printmaker.

Der vorliegende Band hat sich der Aufgabe gestellt, Baldung neu in den Blick zu nehmen. Reich bebildert, versammelt er 25 Beiträge renommierter internationaler Forscherinnen und Forscher, die sich unterschiedlichen Aspekten im Schaffen des Straßburger Künstlers widmen. Hierzu zählen seine Zusammenarbeit mit Glasmalern, die kreative Verwandlung traditioneller Ikonographie, der medienreflexive Umgang mit der Helldunkel-Zeichnung, die rätselhaften Sündenfall- und Hexen-Darstellungen sowie sein Verhältnis zu Dürer.

Mit großem Einsatz förderte Hans Purrmann nach 1945 das neu erwachende Kunst- und Kulturleben in der Pfalz. Wichtiger Ansprechpartner war für ihn der SPD-Politiker und Geschäftsführer der Pfälzischen Sezession Willibald Gänger. Erstmals liegt nun ihr Briefwechsel der Jahre 1950–1960 vor. Die Briefe, ergänzt um sechs Quellentexte, geben Aufschluss über Purrmanns Einbindung in die Planungen der Pfälzischen Sezession und beschreiben sein Verhältnis zum Malerkollegen Rolf Müller-Landau. Durch viele Seitenblicke auf Purrmanns Vernetzung mit der Nachkriegskultur sowie auf Projekte des Deutschen Künstlerbundes und den damals virulenten Streit zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit bilden sie eine wertvolle Ergänzung für das Verständnis der Kunst der 1950er-Jahre.

Hans-Hendrik Grimmling (*1947 in Zwenkau bei Leipzig) ist einer der wichtigsten Maler seiner Generation in Deutschland und war Mitinitiator des legendären 1. Leipziger Herbstsalons 1984, einer Ausstellung, die als Meilenstein der unangepassten DDR-Kunst gilt. Seit mehr als 40 Jahren bewegt sich seine Malerei an den Rändern der Abstraktion. Ihn beschäftigt die Erfahrung des Loslassens, des Lösens von der Figur, vom Narrativ, von der ostdeutschen Identität, das Ausbrechen aus den vorbestimmten Formen des Körperlichen. Grimmling visualisiert sein Thema: das menschliche Drama der Existenz, den Kampf, die Tragödie. Große Flächen, weite Schwünge und ineinander verkettete Bänder ziehen sich als schwarze Bahnen über die Leinwand. Das Schwarz setzt sich durch, wird zum Rausch und über zwei Jahrzehnte hinweg zum einzigen Bildinhalt. Die vorliegende Publikation ist die erste Monografie, die das Gesamtwerk des Malers vorstellt.

• Retrospektive eines unangepassten DDR-Künstlers: ein Überblick mit Werken aus fünf Jahrzehnten
• Ausstellung: Kunstmuseum Magdeburg. Kloster Unser Lieben Frauen, 14.09.2014 bis 08.02.2025, Buchvorstellung im Januar 2025