De Gruyter

Der Band erzählt die Geschichte der Archiv- und Forschungsbibliothek von ihren Anfängen im 16. Jahrhundert bis in die Gegenwart und nimmt die Leserinnen und Leser mit auf einen Rundgang durch ihre Sammlungs- und Wissensräume: Im historischen Bibliotheksgebäude führt der Weg vom Renaissancesaal mit der Ausstellung „Cranachs Bilderfluten" in den Rokokosaal von 1766 und weiter in den Bücherturm. Über das Tiefmagazin erreicht man das 2005 eröffnete Studienzentrum mit dem zentralen Bücherkubus. Thematische Beiträge stellen die vielfältigen Sammlungen vor: Sie nehmen Handschriften aus der Zeit vor dem Buchdruck ebenso in den Blick wie die Flugschriften der Reformationszeit, die weltweit größte Faust-Sammlung oder die sog. Aschebücher, die seit dem Brand 2004 restauriert werden.

This catalogue provides a spectacular overview of painting on the theme of football in European artistic modernism. Here, painting gets to the bottom of football’s mystique. And vice versa, since football with its aesthetics, dynamics, rites, and contradictions inspires artists and reveals innovative, surprising perspectives and artistic possibilities. This culminates in impressive interplay between the two worlds. Accessing 20^th-century European art through football and deciphering the fascinating as well as contradictory game of football as a European phenomenon through the perspective of modernist painting uncovers new knowledge in both fields.

More than 100 works of art from national and international collections are examined. The catalogue is designed along the same conceptual lines as the European Championship itself: each nation participating in the EURO 2024 is represented by at least one artist, so underlining the fundamental concept of a diverse but united Europe.

Artists: Sybil Andre, Dieter Asmus, Willi Baumeister, Cecil Walter Hardy Beaton, Peter Blake, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Ithell Colquhoun, Charles Cundall, Salvador Dalí, Giulio D’Anna, Raoul de Keyser, Nicolas de Staël, Alexander Deineka, Robert Delaunay, Brendan Ellis, George Eisler, Paul Feiler, Ludvig Find, Hubert Andrew Freeth, Fritz Genkinger, Harald Giersing, John Heartfield, Bernhard Heisig, Robert Henderson Blyth, Peter Howson, Hundertwasser, Miloš Jiránek, Ilja Kabakow, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Pyke Koch, Maria Lassnig, Karel Lek, Elizer Lissitzky, Rene Magritte, Jarmo Mäkila, Kasimir Malewitsch, Colin Middleton, Joan Miró, Omer Mujadzic, František Xaver Naske, Paul Nelson, Rainer Neumaier, Christopher Nevinson, Felix Nussbaum, Claes Oldenburg, Wolfgang Petrik, Pablo Picasso, Sigmar Polke, Peter Rohn, Alexander Nikolajewitsch Samochwalow, Thorsten Schlüter, Valentin Sidorov, Jens Sondergaard, Warwara Fjodorowna Stepanowa, Ivan Tabaković, Lawrence Tonybee, Bart van der Leck, Alan Welsford, Thomas Webster, Rik Wouters et al.

Die Ausmalung der Martialkapelle im Papstpalast von Avignon war ein voller Erfolg, der dem Maler Matteo Giovannetti die bedeutendsten Aufträge am päpstlichen Hof des 14. Jahrhunderts bescherte. Es gelang ihm, ein stimmiges Programm päpstlicher Autorität zu entwerfen, das von der Kunstgeschichte bisher jedoch noch nicht entschlüsselt wurde. Insbesondere die Art der Einbindung der monumentalen Zyklen in die engen Kapellenräume sorgte immer wieder für Verwirrung. Den Schlüssel zur Neuinterpretation liefert in diesem Buch das intendierte Publikum. Durch eine Rekonstruktion mittelalterlicher Sehgewohnheiten gelingt der Autorin eine würdigende Neuinterpretation von Giovannettis Malerei und Raumentwürfen, die weitreichende Implikationen für unser Verständnis von mittelalterlicher Kunst bereithält.

• Neuinterpretation der Malerei Matteo Giovannettis am päpstlichen Hof von Avigno
• Ein neuer Blick auf die Sehgewohnheiten des Mittelalters
• Raumwahrnehmung und rezeptionsästhetische Überlegungen für die Kunst des Mittelalters

(English / German)
Francis Bacon’s portrait of his first partner Peter Lacy is somehow simultaneously attractive and repulsive. The monumental portrait dating from 1962 was unknown to the public for a long time. Shortly after it was painted, Italian film director Michelangelo Antonioni acquired the work and it remained in private hands for decades. This is a key work, created at a turning point in Bacon’s oeuvre. Markus Rath embeds the painting into Bacon’s visual world for the first time. The English painter reveals a biographically oriented representationalism in the portrait, concentrating his compositional arrangement on the stage-like interior and forcing a contrast between the two-dimensional ground and the colour-saturated figure – these are pioneering approaches to composition that shaped his late work decisively.

Anziehend und abstoßend zugleich ist Francis Bacons Bildnis seines ersten Lebenspartners Peter Lacy. Das monumentale "Portrait" aus dem Jahr 1962 war lange Zeit vor der Öffentlichkeit verborgen. Kurz nach seiner Entstehung erwarb es der italienische Regisseur Michelangelo Antonioni und es blieb jahrzehntelang in Privatbesitz. Dabei entpuppt es sich als ein Schlüsselwerk, das an einem Wendepunkt entstand. Markus Rath führt erstmals diese Stränge zusammen und bettet das Gemälde in Bacons Bildwelt ein. Der englische Maler bekennt sich darin zu einer biografisch orientierten Gegenständlichkeit, konzentriert sein kompositorisches Schema auf den bühnenartigen Innenraum und forciert den Kontrast zwischen flächigem Grund und farbgesättigter Figur – wegweisende kompositorische Verfahren, die sein Spätwerk entscheidend prägen sollten.

Band 4.1 des Werkverzeichnisses von Michael Müller greift das Thema der Darstellbarkeit des Holocaust und des künstlerischen Umgangs mit dem Bösen auf. Er widmet sich Werken, die vier Gemälde von Gerhard Richter mit dem Titel „Birkenau" kommentieren und einen grausamen historischen Sachverhalt im Vernichtungslager Auschwitz II/Birkenau in unterschiedlicher Form künstlerisch aufzuarbeiten versuchen. Die kritischen Kommentare zu Richter werden durch viele weniger auffällige, stillere, ja verwundete Werke von Müller begleitet, die 2022/23 im Museum im Kulturspeicher Würzburg und 2023 in der St. Matthäus-Kirche in Berlin zu sehen waren. Das Verzeichnis auf Deutsch, Englisch und Chinesisch dokumentiert die wichtigsten Werke dieser anspruchsvollen künstlerischen Auseinandersetzung und kontextualisiert sie in einem ausführlichen Essay des Kunsthistorikers Lukas Töpfer.

Der Einsatz von Schutzmaßnahmen vor Naturgefahren ist zentraler Aspekt der alpinen Kultur. Dabei verwundert es, dass die Diskussion darüber fachintern geführt wird, in der Öffentlichkeit jedoch kaum wahrzunehmen ist. Die Zusammenschau von Schutzarchitekturen, dem imaginierten Bild der Alpen und dem langsamen Prozess der Adaptierung der öffentlichen Bildwelten an den Zustand der Verbauungen, führt nun zusammen was bis dato getrennt betrachtet wird. Nämlich, dass die touristisch konsumierten Landschaften mit einem nicht unerheblichen Aufwand erst stabilisiert werden müssen. Das Buch zeigt auf, wie die Produktion von Sicherheitsräumen im Spannungsfeld von Ästhetik und Technik wirksam wird und bietet Perspektiven auf Landschaft, die über die vermeintliche Unberührtheit von Natur hinausführen.

• Interdisziplinäre Studie über die Bildproduktion alpiner Sicherheitsarchitekturen
• Erschließung eines weiten Feldes an Bilddokumenten
• innovativer Beitrag zur „politischen Landschaft"

Der Band widmet sich erstmals dem Konzept der Spontaneität aus kunstwissenschaftlicher Perspektive. Der Begriff, der heute im Kreativbereich angesiedelt ist, wurde im 19. Jahrhundert, als mit der Fotografie ‚spontane Bilder‘ entstanden, für die Bildkünste virulenter. Doch mit Spontaneität verbundene Vorstellungen vom künstlerischen Schöpfungsakt, seiner Geschwindigkeit, seiner Unmittelbarkeit und Freiheit bis hin zu einer gewissermaßen selbsttätigen Schöpfung des Werks waren seit langem präsent. Wie sich die jeweiligen Zuschreibungen zu den Herstellungsprozessen verhalten wird anhand exemplarischer Werke seit der Frühen Neuzeit diskutiert. Den wesentlich älteren Diskursen um das spontane Bild in China und in Japan, über deren Rezeption im Westen wenig bekannt ist, sind eigene Beiträge gewidmet.

• Erstmalige Auseinandersetzung aus kunstwissenschaftlicher Perspektive mit dem Konzept der Spontaneität
• Spontaneität in westlicher und ostasiatischer Kunst
• Kritische Auseinandersetzung mit Zuschreibungen von Unmittelbarkeit, Schnelligkeit, Freiheit und der selbsttätigen Werkschöpfung

Während der Industrialisierung wurde die Seseke – ein Nebenfluss der Lippe – begradigt, eingedeicht und in einen offenen Abwasserkanal umgebaut. Zwischen den 1980er-Jahren und 2014 hat der Lippeverband im Rahmen des „Sesekeprogramms" das Gewässer wieder naturnah gestaltet. Dieser Wandel wurde von dem interkommunalen Kunstprojekt „Über Wasser gehen" begleitet, das im Rahmen von RUHR.2010 an dem Fluss und seinen Nebenläufen stattfand. Elf künstlerische Arbeiten, die sich mit der ökologischen Verbesserung der Flusslandschaft und der Wiederherstellung von Natur befassen, sind an den mittlerweile wieder grünen Ufern verblieben und können auf Spaziergängen und Radtouren zwischen Lünen und Bönen erlebt werden.　Der Band präsentiert die Werke und ermöglicht einen visuellen Rundgang durch die Sesekelandschaft. Außerdem geht er der Verflechtung von Kunst und Natur und der Bedeutung von Kunst für ökologische Zusammenhänge nach.

(English / German)
Although Concrete Art comes across as very precise, it is only possible to say approximately when the name was born. In his manifesto of the same name, Theo van Doesburg officially introduced the term to art theory in 1930. But the Dutch artist, architect and theorist is said to have conceived it for the first time and applied it to his own works as early as 1924. 100 years later, despite all the uncertainty, this anniversary is a fitting opportunity to question today’s generation of young artists with a stylistic affinity to the movement in detail about their relationship to Concrete Art. What influence have the beginnings of the art movement had on their own visual work? Are its principles still relevant today? And does the same apply to the name? Their statements – in addition to a brief historical overview of the origins of Concrete Art – are a central element of this publication.

• 100 years of Concrete Art – the present and future of an art movement
• Artists: Banz & Bowinkel, Carsten Beck, Anna-Maria Bogner, Nina Brauhauser, Martim Brion, Sebastian Dannenberg, Lena Ditlmann, Fabian Gatermann, Charlotte Giacobbi, Dave Grossmann, Vladiana Ghiulvessi, Toulu Hassani, Erika Hock, Marile Holzer, Silvia Inselvini, Patrizia Kränzlein, Schirin Kretschmann, Sali Muller, Catalin Pislaru, Fiene Scharp, Marco Stanke, Virginia Toma, Amalia Valdés, Jonas Weichsel

So präzise sich die Konkrete Kunst auch gibt, über die genaue Geburtsstunde ihrer Namensgebung lässt sich dagegen nur Ungefähres berichten. Mit seinem gleichnamigen Manifest führte Theo van Doesburg den Begriff 1930 zwar offiziell in die Kunsttheorie ein. Aber bereits 1924 soll ihn der niederländische Künstler, Architekt und Theoretiker erstmals formuliert und für eigene Werke verwendet haben. 100 Jahre später liefert dieses Jubiläum trotz aller Ungewissheit die passende Gelegenheit, die Generation heute junger, dieser Richtung stilistisch nahestehender Künstler/-innen eingehend nach ihrem Verhältnis zur Konkreten Kunst zu befragen. Welchen Einfluss haben die Anfänge der Kunstrichtung auf ihr eigenes bildnerisches Schaffen? Sind ihre Prinzipien auch heute noch aktuell? Und gilt Gleiches auch für ihren Namen? Ihre Statements bilden – neben einem kurzen historischen Überblick über die Anfänge der Konkreten Kunst – ein zentrales Element der Publikation.

• 100 Jahre Konkrete Kunst – Aktualität und Zukunft einer Kunstrichtung
• Künstler/-innen: Banz & Bowinkel, Carsten Beck, Anna-Maria Bogner, Nina Brauhauser, Martim Brion, Sebastian Dannenberg, Lena Ditlmann, Fabian Gatermann, Charlotte Giacobbi, Dave Grossmann, Vladiana Ghiulvessi, Toulu Hassani, Erika Hock, Marile Holzer, Silvia Inselvini, Patrizia Kränzlein, Schirin Kretschmann, Sali Muller, Catalin Pislaru, Fiene Scharp, Marco Stanke, Virginia Toma, Amalia Valdés, Jonas Weichsel

Walter Kaesbach was among the most engaged individuals in German cultural life during the 1920s and 1930s. He was an art historian, museum director, academy director and art collector, and also promoted Expressionism and Modernism. In an exciting dialogue, this publication brings together various contributions and hitherto unknown documents, images and rare historical illustrations relating to Walter Kaesbach's cultural-political thinking, ideas that are still relevant today. The focus lies on his work as director of the Kunstakademie from 1924 to 1933, marked by the restructuring of the traditional Düsseldorf Academy and the appointments of Heinrich Campendonk, Paul Klee, Ewald Matare, Oskar Moll and Walter von Wecus, among others.

Der St.-Petri-Dom zu Schleswig zählt zu den bedeutendsten Baudenkmälern Schleswig-Holsteins. Wie die meisten Kathedralen des Mittelalters ist auch der Dom zu Schleswig das Ergebnis verschiedener, sich bi sin die heutige Zeit hinziehender Bau- und Erneuerungsvorgänge. War der erste Kirchenbau noch eine romanische Basilika, dessen Baugeschichte bis 1200 reicht, entstanden bereits ab 1275 der hochgotische Hallenchor und der Kreuzgang. Die Erweiterung von der romanischen Basilika zur spätgotischen Hallenkirche dauerte bis ins 16. Jahrhundert. Ihre heutige Form erhielt der Dom allerdings erst am Ende des 19. Jahrhunderts mit der Errichtung des neugotischen Westturms.

Including more than 6,000 titles, the bibliography represents the full spectrum of research on the life and work of the Baroque architects Johann Bernhard and Joseph Emanuel Fischer von Erlach. The first bibliography on Fischer von Erlach, published over 35 years ago, has now been more than tripled in size; it is arranged thematically and chronologically and also includes contributions of a more general nature on Austrian Baroque architecture. For the first time, both beginners and experts are thus provided with an important aid to research. The bibliography is supplemented by a volume of essays bringing together Andreas Kreul’s older and more recent writing on Fischer von Erlach.

• Baroque architecture, Karlskirche in Vienna, Kollegienkirche in Salzburg, State Hall of the Court Library, Fischer von Erlach's drawings in Zagreb
• Albert Ilg
• English Baroque, reception of his work

Die Edition macht erstmals den vollständigen Briefwechsel zwischen dem Sammler und Gründer des Folkwang-Museums Karl Ernst Osthaus mit den Malern Henri Matisse und Hans Purrmann zugänglich. Die Korrespondenz erschließt damit neue Quellen zur frühen Rezeptionsgeschichte der Werke von Matisse in Deutschland, zur Entstehungsgeschichte früher Hauptwerke des Malers und zur Gründung der Académie Matisse. Die Edition des weitverstreuten Briefwechsels bietet nicht nur für die Matisse-Forschung, sondern auch für die Beschäftigung mit Hans Purrmann und dem Gründer des Folkwang-Museums zahlreiche neue Erkenntnisse. Der Briefwechsel wird um ein Grußwort des Hans Purrmann Archivs sowie eine sachkundige Einführung der Herausgeber, ein Personenregister sowie ein Literaturverzeichnis ergänzt.

• Die wissenschaftlich fundierte Aufarbeitung des Briefwechsels bietet vielfältige neue Erkenntnisse zu Matisse, Osthaus und Purrmann
• Zahlreiche bislang unveröffentlichte Briefe
• Der Band setzt die faszinierende „Edition Purrmann Briefe" des Hans Purrmann Archivs fort

Potsdam has more in common with the magnificent residence of the French Sun King Louis XIV, Versailles, than with any other French city. Did the city of Potsdam become what it is today not least because the Prussian rulers sought to emulate the French court during the 17th and 18th centuries? Potsdam’s institutions house many artistic highlights from our neighbouring country, like French Impressionist works from the Hasso Plattner Collection in Museum Barberini and the French Rococo paintings to be found in the palaces of Sanssouci and Neues Palais. These outstanding art venues are the main stops on a new city tour developed in collaboration between the Foundation of Prussian Palaces and Gardens and Museum Barberini.

• Walk through the French side of Potsdam

Abstract paintings along with their often ambiguous visual language are not only difficult to grasp for viewers, but also for art historians to interpret. This is because an abstract work requires a more intensive examination than for example figurative representations. Nevertheless, artists have dealt with events of contemporary history or personal experiences in abstract paintings. These include K. O. Götz, Michael Morgner, Georg Karl Pfahler, Gerhard Richter, K. R. H. Sonderborg, Dieter Tucholke and Günther Uecker. Selected works by these artists show how the relationship between abstraction and reality was defined after 1945. Also, how specific functions have developed to represent contemporary historical events.

• Contemporary History in Abstract Painting after 1945 in the Federal Republic and the GDR
• K. O. Götz, Michael Morgner, Georg Karl Pfahler, Gerhard Richter, K. R. H. Sonderborg, Dieter Tucholke, Günther Uecker
• Publications of the Research Center for Informal Art

Images have always made a difference. Art as a carrier of religious, cultic or collective emotions has an important role to play in the transformation of the world. To be tainted by the stain of cult or idolatry, or to enable life and artworks in the first place, through the incarnation of ideas and the transcendent - this is the tension encapsulated in debate over the power of images to this day. They evoke horror and the sacred, and may also banish both. On numerous canvases from antiquity to modernity, this tension is critically striking in both religious and secular contexts. From ancient and Jewish sites as well as through Christian, Islamic and bourgeois evidence, a bridge is constructed all the way to our democratically or authoritatively shaped political present.

• Images of the authentic and betrayal through images - art, image controversy and cult prohibition in cultures since antiquity
• Weighing souls, the Last Judgement and the Resurrection - Jewish, Christian, profane and critical arguments
• Hopes and the plunge into hell in modernity: Crises, catastrophes and the Holocaust in the commemorative cultures of modernity

This book brings together a number of important older texts and three new, unpublished essays on the work and reception of the Baroque architect Johann Bernhard Fischer von Erlach. The focus is on the Zagreb drawings for his book Entwurff einer Historischen Architectur (1721) as well as churches in Salzburg and the State Hall of the Court Library in Vienna. Additional subjects examined are his "English connections" and the work of his first monographer, Albert Ilg.

• Baroque architecture, Karlskirche in Vienna, Kollegienkirche in Salzburg, State Hall of the Court Library, Fischer von Erlach's drawings in Zagreb
• Albert Ilg
• English Baroque, reception of his work

Internationally renowned as a sculptor, here Stephan Balkenhol opens a unique window in time for us. Some of the "art family" he has created gather for a museum visit to pay tribute to the collection of Old Masters at Museum Wiesbaden. Like any important family occasion, the closest circle and the extended group – including some pet animals – meet across the generations for their visit, exchanging views on what they see. The result is an informal dialogue between contemporary art and its predecessors.

The artist’s book allows us to participate in this dialogue, and includes large-format illustrations as well as an interview with Stephan Balkenhol.

• Balkenhol’s sculptures in dialogue with works by the Old Masters

Revised new edition

The semi-final between Germany and France (8:7 on penalties) played in Seville on 8 July 1982 was one of the most memorable matches in the history of the World Cup. The clash between Toni Schumacher and Patrick Battiston, the incredible tension in extra time, and the first penalty shoot-out at a World Cup still occupy people today. The dialogues and monologues of the contemporary characters appearing in the play were taken from autobiographies, interviews, documentaries, newspaper reports, and television broadcasts as well as from author Manuel Neukirchner’s conversations with the protagonists. A factual, scenic adaptation of the material means the game can be experienced from a completely new perspective.

• An epochal football match in a theatrical text: an extraordinary book on German-French football history.
• Gunter Gebauer, Matías Martínez and Peter Lohmeyer shed light on the dramatic text and on the game of the century with their essays written from the perspectives of philosopher, literary scholar, and actor
• Revised new edition to mark the world premiere as a staged reading at the Ruhrfestspiele in Recklinghausen. To be performed in the Ruhrfestspielhaus/Großes Haus on 14 May 2024, with additional showings before and after the 2024 European Football Championship in Germany

Der Katalog vereint eine spektakuläre Gesamtschau der Malerei in der europäischen künstlerischen Moderne zum Sujet Fußball. Die Malerei kommt dem Geheimnis des Fußballs auf die Spur. Und umgekehrt: Der Fußball mit seiner Ästhetik und Dynamik, mit seinen Riten und Widersprüchen inspiriert die Kunstschaffenden, eröffnet neue, überraschende Perspektiven und künstlerische Möglichkeiten. Es entsteht ein beindruckendes Zusammenspiel zwischen den Welten. Der Zugang zur europäischen Kunst des 20. Jahrhunderts durch den Fußball und die Dechiffrierung des faszinierenden wie widersprüchlichen Fußballs als europäisches Phänomen durch die Perspektive der Malerei der Moderne bietet in doppelter Hinsicht einen neuen Erkenntnisgewinn.

Betrachtet werden mehr als 100 Kunstwerke nationaler und internationaler Sammlungen. Damit ist der Katalog als Konzeptidee wie die Europameisterschaft selbst angelegt: Jede an der EURO 2024 teilnehmende Nation ist mit mindestens einer Künstlerin oder einem Künstler vertreten, was den Grundgedanken eines vielfältigen, aber geeinten Europas unterstreicht.

• Ein neues Standardwerk und kultureller Beitrag zur Fußball-Europameisterschaft 2024 in Deutschland
• Ausstellung: „In Motion. Art & Football", Deutsches Fußballmuseum, Dortmund, 27. Mai 2024 bis 7. Januar 2025

Künstler und Künstlerinnen: Sybil Andrews, Dieter Asmus, Willi Baumeister, Cecil Walter Hardy Beaton, Peter Blake, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Ithell Colquhoun, Charles Cundall, Salvador Dalí, Giulio D’Anna, Raoul de Keyser, Nicolas de Staël, Alexander Deineka, Robert Delaunay, Brendan Ellis, George Eisler, Paul Feiler, Ludvig Find, Hubert Andrew Freeth, Fritz Genkinger, Harald Giersing, John Heartfield, Bernhard Heisig, Robert Henderson Blyth, Peter Howson, Hundertwasser, Miloš Jiránek, Ilja Kabakow, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Pyke Koch, Maria Lassnig, Karel Lek, El Lissitzky, Rene Magritte, Jarmo Mäkila, Kasimir Malewitsch, Colin Middleton, Joan Miró, Omer Mujadzic, František Xaver Naske, Paul Nelson, Rainer Neumaier, Christopher Nevinson, Felix Nussbaum, Claes Oldenburg, Wolfgang Petrik, Pablo Picasso, Sigmar Polke, Peter Rohn, Alexander Nikolajewitsch Samochwalow, Torsten Schlüter, Valentin Sidorov, Jens Sondergaard, Warwara Fjodorowna Stepanowa, Ivan Tabaković, Lawrence Tonybee, Bart van der Leck, Alan Welsford, Thomas Webster, Rik Wouters u. a.

Potsdam has more in common with the magnificent residence of the French Sun King Louis XIV, Versailles, than with any other French city. Did the city of Potsdam become what it is today not least because the Prussian rulers sought to emulate the French court during the 17th and 18th centuries? Potsdam’s institutions house many artistic highlights from our neighbouring country, like French Impressionist works from the Hasso Plattner Collection in Museum Barberini and the French Rococo paintings to be found in the palaces of Sanssouci and Neues Palais. These outstanding art venues are the main stops on a new city tour developed in collaboration between the Foundation of Prussian Palaces and Gardens and Museum Barberini.

• Walk through the French side of Potsdam

Around 100 of the most beautiful prints from the heyday of Japanese woodblock printing are shown in this first publication featuring a previously little-known treasure, a highlight of the Kupferstichkabinett collection at Kunstmuseum Basel. These are iconic works by artists such as Hiroshige and Hokusai, whose impressions of both city and countryside shape our idea of Japan.

In the richly illustrated catalogue accompanying the exhibition, they can be found alongside colourful works by once equally famous artists such as Utamaro, Sharaku, Kunisada and Kuniyoshi. These are based around the world of Kabuki theatre and actors, everyday and heroic stories, or ideally beautiful female figures and provide some striking finds of rare works that will surprise not only interested Japanese woodblock print enthusiasts but also the experts.

• The first catalogue of the sensational collection of Japanese woodblock prints in Kunstmuseum Basel featuring classic works and new discoveries
• Exhibition: 16. March to 21. July 2024, Kunstmuseum Basel
• Artists: Eishōsai Chōki, Keisai Eisen, Kikukawa Eizan, Chōbunsai Eishi, Suzuki Harunobu, Utagawa Hiroshige, Shunbaisai Hokuei, Katsushika Hokusai, Shunkōsai Hokushū, Isoda Koryūsai, Toyohara Kunichika, Utagawa Kunisada I, Utagawa Kuniyoshi, Okumura Masanobu, Tōshūsai Sharaku, Ryūsai Shigeharu, Kitao Shigemasa, Katsukawa Shunshō, Tamagawa Shūchō, Kubo Shunman, Utagawa Toyokuni I, Okumura Toshinobu, Kitagawa Utamaro I, Utagawa Yoshifuji, Ochiai Yoshiiku, Jukōdō Yoshikuni et al.

Die „Gläserne Blume" im einstigen Palast der Republik in Berlin ist die wohl bekannteste Glaskunstarbeit aus Magdeburg. Die nach dem Zweiten Weltkrieg bis ins Jahr 2000 tätige Künstlervereinigung „Glasgestaltung Magdeburg" war DDR-weit an prominenten Bauprojekten mit Kunst am Bau beteiligt. Mit der Schließung der Werkstätten endete eine Phase, in der die künstlerische Glasgestaltung in Magdeburg eine überregionale Bedeutung hatte.

Seit Jahrzehnten erforscht und publiziert die Stadt Magdeburg ihren architekturhistorischen Bestand und Besitz an baubezogener Kunst. Die vorliegende Publikation zeichnet die Geschichte und Bedeutung der Glasmalerei unter besonderer Berücksichtigung der Landeshauptstadt nach, stellt wichtige Glaskünstler/-innen und Glaswerkstätten vor und eröffnet den Blick auf faszinierende, farbenprächtige Werke. Entstanden ist ein konzentriertes Grundlagenwerk zur Glasmalerei und Kunstgeschichte Magdeburgs, das nicht nur der Denkmalpflege eine wertvolle Handreichung sein wird.

• großer Überblick baugebundener Glaskunst mit künstlerischen Arbeiten von der Ostmoderne bis heute
  

The "Glass Flower" in the former Palast der Republik in Berlin is probably the best-known work of glass art from Magdeburg. The artists’ association "Glasgestaltung (Glass design) Magdeburg", which was active after the end of the Second World War until 2000, was involved in prominent building projects throughout the GDR with art in architecture. The closure of the workshops marked the end of a phase in which artistic glass design in Magdeburg had a supra-regional significance.

The city of Magdeburg has been researching and publishing its architectural-historical inventory and holdings of architecture-related art for decades. This publication traces the history and significance of stained glass, with a special focus on the state capital, introduces important glass artists and glass workshops, and offers a fresh view of fascinating, colourful works. The outcome is a reference work focused on stained glass and the history of art in Magdeburg, which will be a valuable aid not only for the preservation of historical monuments.

• Major overview of glass art-in-architecture featuring modern works from the GDR until today

German-english edition

As an artist, and as a theorist and collector of Art brut, Jean Dubuffet changed the concept of art in the 20th century. He provided a definition of Art brut in 1949: "we understand it as works executed by people untouched by artistic culture [...]." These included Gaston Chaissac, Louis Soutter, Adolf Wölfli, Madge Gill and Margarethe Held. The self-taught artists and social outsiders gave him inspiration on his own path in art; they released the delight in experimentation so characteristic of Dubuffet’s work, along with anti-cultural and anti-aesthetic ideas. The book presents a selection of works from the extensive holdings of the Klewan Collection.

• Jean Dubuffet and Art brut – focusing on six artistic positions

Die Tschechoslowakei bildete sich 1918 als ein neuer demokratischer Staat in Europa. Künstlerinnen und Künstler nahezu aller Bereiche entwickelten in den Folgejahren visionäre Ideen. Die tschechische Avantgarde-Bewegung durchzog nicht nur die bildende Kunst, sondern auch die Architektur, Literatur, Poesie, Musik, das Theater und den Film. Die Publikation zur Ausstellung im Bröhan-Museum gibt einen Überblick über die wichtigsten Strömungen der tschechischen Moderne. Ausgehend vom tschechischen Kubismus und dem Surrealismus über Architektur, Möbeldesign und Fotografie wird die lebendige Kunst- und Designgeschichte Tschechiens vermittelt. Anhand von Gemälden, Grafiken, Collagen, Skulpturen und Fotografien ruft der Band die kreativen Ideen in Erinnerung und würdigt den tschechischen Beitrag zur europäischen Moderne.

• Kompakter Überblick über die tschechische Avantgardebewegung der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts
• Ein Must-have für Fans von Kubismus, Surrealismus, Fotografie, Architektur und funktionalistischem Design
• Ausstellung: 12.10.2023 – 03.03.2024, Bröhan-Museum, Berlin

(English / German)
The series Notizen zu Uecker (Notes on Uecker) makes the research results of the Günther Uecker Institute's fellows accessible to the public. The emphasis of the sponsored projects is on a lively examination of Günther Uecker's work. In volume 2, the art scholar Xiao Xiao devotes herself to spiritual concepts from the East Asian region. The focus of her analysis is on the intriguing proximity of philosophical notions of 'action' in the Chinese Daoist tradition and Uecker's artistic practice. Xiao Xiao shows how the notions of wuwei ['non-intervention'], ganying [correlative resonance], and ziran [from-self-so] make determinable movements of thought that are deeply inscribed in Uecker's artistic creative processes.

• Günther Uecker and his work in a new perspective
• Important contribution to contemporary art theory
• bilingual german-english

Die Schriftenreihe Notizen zu Uecker macht die Forschungsergebnisse der StipendiatInnen des Günther Uecker Instituts der Öffentlichkeit zugänglich. Der Akzent der geförderten Projekte liegt auf einer lebendigen Auseinandersetzung mit dem Werk Günther Ueckers. In Band 2 widmet sich die Kunstwissenschaftlerin Xiao Xiao spirituellen Begriffen aus dem ostasiatischen Raum. Der Fokus ihrer Analyse liegt auf der verblüffenden Nähe philosophischer Vorstellungen von ‚Handlung‘ in der chinesisch-daoistischen Tradition und Ueckers künstlerischer Praxis. Xiao Xiao zeigt auf, wie die Begriffe wuwei [‚Nicht-Eingreifen‘], ganying [korrelative Resonanz] und ziran [von-selbst-so] Denkbewegungen bestimmbar machen, die den künstlerischen Schaffensprozessen Ueckers tief eingeschrieben sind.

• Günther Uecker und sein Werk in neuer Perspektive
• Wichtiger Beitrag zur zeitgenössischen Kunsttheorie
• zweisprachig deutsch-englisch

(English / German)
As space conditions perception, the analysis of relationships between image and space is highly significant. The current popularity of immersive spaces proves the strong affective potential of space and forms part of a long art historical tradition, upon which this volume offers critical reflection. Building on the methodological considerations inspired by the "spatial turn" and the "pictorial turn," the authors bring together approaches from image and architectural studies to formulate a new image-space methodology. The ten case studies of profane and sacred image-space ensembles from different eras and cultures discuss the types and functions of such ensembles as well as their respective aesthetic strategies, the related reception mechanisms, and performative uses.

• Introduction in Methods of the Analysis of Image-Space Relationships
• Interpretations of Image-Space Ensembles from the Middle Ages to the 21st Century
• Study of the Relationship between Ideas of Space and Spatial Perception

Da der Raum unsere Wahrnehmung konditioniert, besitzt die Analyse der Zusammenhänge von Bild und Raum hohe Relevanz. Die derzeitige Hochkonjunktur immersiver Räume belegt das starke affektive Potential des Raums und steht in einer langen kunsthistorischen Tradition, die dieser Band kritisch reflektiert. Aufbauend auf den von «spatial turn» und «pictorial turn» angeregten methodischen Überlegungen, führen die Autor:innen bild- und architekturwissenschaftliche Methoden im Sinne einer neuen Bild-Raum-Wissenschaft zusammen. In zehn Fallstudien zu profanen und sakralen Bild-Raum-Ensembles aus unterschiedlichen Epochen und Kulturräumen werden die Arten und Funktionen von Bild-Raum-Bezügen sowie die jeweiligen Wirkungsstrategien, Rezeptionsmechanismen und performativen Nutzungen diskutiert.

• Einführung in Methoden der Analyse von Bild-Raum-Bezügen
• Exemplarische Interpretationen von Bild-Raum-Ensembles vom Mittelalter bis ins 21. Jahrhundert
• Untersuchung des Zusammenhangs von Raumkonzepten und Raumwahrnehmung

Kunsthaus NRW in Aachen-Kornelimünster houses around 5,000 works of art by artists with a link to North Rhine-Westphalia - an outstanding collection echoing the history of the federal state. This publication presents the collection’s most important acquisitions from 2000 onward and discusses a total of 166 artistic positions.

The collection catalogue, designed as a practical encyclopaedia, fulfils the need for an overview of art in NRW from 2000 to 2023 that is both readable and durable. The compendium is supplemented with an introductory essay on the trends leading directly to 21^{st-century art as well as short essays on the classification of concepts fundamental to contemporary art such as gender, politically engaged art, postcolonial discourses and questions of identity or time-based art. Biographies of all the artists represented complete this unique reference work.}