De Gruyter

St. Peter's Cathedral in Bremen has a long and significant history. As the seat of the missionary bishopric in the early Middle Ages, the Christianization of Scandinavia and the Baltic peoples started from Bremen. After a fire, the church was rebuilt as a Romanesque structure in the 11th century, which still determines the cathedral's dimensions and structure today. In the Gothic style, the northern nave was remodeled in the later Middle Ages, and the towers also received Gothic helmets. In addition to several special organs, including a Sauer and a Silbermann organ, a small church mouse can be found in the interior, which was depicted by a stonemason in the 13th century on the high choir.

Der Mann mit dem Schlapphut von Frans Hals gehört zu den bekanntesten Meisterwerken der Kasseler Gemäldegalerie. Schon Lovis Corinth bekannte 1907 bei seinem Besuch: "der Franz Hals hat genau so gemalt wie ich. […] Ich brauche mich gar nicht zu verstellen." Das Ergebnis war eine schöpferische Kopie nach dem Gemälde, welche - bei aller Unterschiedlichkeit - die Seelenverwandtschaft beider Künstler offenbart. Erstmals sind beide Werke in Schloss Wilhelmshöhe gemeinsam zu sehen. Ergänzt werden sie durch eine moderne Paraphrase von Sławomir Elsner, die vom Museumsverein Kassel e. V. erworben wurde. Auch sie belegt: Frans Hals inspiriert bis heute!

• Frans Hals «Der Mann mit dem Schlapphut»
• Lovis Corinth
• Sławomir Elsner

Arm-rings are among the most common items of jewellery. From the earliest times, they have appeared in various shapes and materials. The wearing of leg-rings was limited to the Bronze and Iron Ages. Together with spiral rings and mountings, arm- and leg-rings form an essential aspect of our archaeological legacy. They not only decorated the body but also accumulated value. This volume offers a comprehensive, systematic guide to the object groups. Typical forms are presented, described, and illustrated in a study of jewellery in German-speaking countries from the Palaeolithic era to the Middle Ages. This reference work is aimed at any interested reader but also provides a practical tool for recording and indexing museum and archaeological collections.

• First comprehensive systematics of pre- and early historical arm and leg ornaments
• Suitable for academics as well as interested amateurs

(Bilingual Edition: English / German)
With over 1,000 works by a total of more than 140 artists from the 1930s to the present, Eva Felten has built up a unique photo collection over the past four decades, which is presented in this catalog for the first time. This Is Me. This Is You is dedicated to the photographic view of people, reflecting on questions of intimacy and desire as well as power relations and structural inequalities inscribed in the medium. The book provides an in-depth look at the collection, which includes a variety of renowned positions in the history of photography and contemporary art, from Diane Arbus, Robert Frank, Gordon Parks to Richard Avedon, Sherrie Levine, Richard Prince, as well as Roni Horn, Arthur Jafa, and Deana Lawson.

• Key works from the history of international photography

Mit über 1000 Werken von insgesamt über 140 Künstler:innen von den 1930er Jahren bis zur Gegenwart hat Eva Felten in den vergangenen vier Jahrzehnten eine einzigartige Fotosammlung aufgebaut, die in diesem Katalog erstmals vorgestellt wird. This Is Me. This Is You widmet sich dem fotografischen Blick auf Menschen und reflektiert dabei Fragen nach Intimität und Begehren ebenso wie nach Machtverhältnissen und strukturellen Ungleichheiten, die sich in das Medium einschreiben. Die Publikation erlaubt einen tiefgreifenden Einblick in die Sammlung, die eine Vielzahl namhafter Positionen der Fotografiegeschichte und zeitgenössischen Kunst umfasst von Diane Arbus, Robert Frank, Gordon Parks über Richard Avedon, Sherrie Levine, Richard Prince bis zu Roni Horn, Arthur Jafa und Deana Lawson.

• Schlüsselwerke der internationalen Fotografiegeschichte

Founded in 1773, Düsseldorf Art Academy is one of the most important institutions of its kind in the world. During its 250-year history, many internationally significant artists have trained here, and some have returned to the institution as professors during their careers. This volume, published for the anniversary, offers a first overview of the various art movements that originated here or were closely linked to the institute, and introduces the artists who shaped it. The contributions, based on the latest research, focus e.g., on the 19th-century Düsseldorf School of Painting, while others deal with Joseph Beuys and his work at the Academy or take a look at the Becher School and the tradition of photography at the Academy.

• Opulently illustrated volume on the 250th anniversary of the Kunstakademie Düsseldorf
• Art historical overview of the traditional and influential institution

It is a frequently told story that Paris was the world center of art at the beginning of the 20th century. This book asks what contribution exhibitions between 1921 and 1946 made to the development and dissemination of this narrative. It highlights exhibitions in the cafés of the Montparnasse neighborhood of Paris and the international exhibitions of the "École de Paris." Competing views of Paris as the center and crossroads of the art world thus emerge. This book offers for the first time a chronological as well as topographical overview of these exhibitions. It also detaches art historical research on the "École de Paris" from its Paris-focused perspective and analyzes its subject in the horizon of transcultural dynamics.

• Offers a new perspective on the "École de Paris".
• History of exhibitions of modern art
• Catalog of the café exhibitions in Montparnasse and the international exhibitions of the "École de Paris".
  

1794 begann in Köln die fast 20 Jahre währende französische Fremdherrschaft. In Verflechtung mit den historischen Geschehnissen begleitet die Studie die mittelalterlichen Tafelbilder von ihrer Wiederentdeckung in den im Bestand bedrohten Klöstern und Stiften bis in die Privaträume ihrer Sammler und in die erste Ausstellung im Jahr 1817. Neben den bekannten Persönlichkeiten rücken in der Literatur vernachlässigte und unbekannte Sammler in den Fokus der Betrachtung. Zudem wird der Frage nachgegangen, welche Sammler entscheidende Impulse zur Einrichtung der Ausstellung und einer öffentlichen Galerie gesetzt haben. Die Analyse der frühen Schriften über die mittelalterliche Malerei, die die Anerkennung und Neubewertung des Mittelalters befördert haben, runden die Ausarbeitung ab.

• Erste chronologisch aufgearbeitete Monografie zur Sammlungsgeschichte der Kölner Tafelbilder während der Säkularisation
• Quellenfundierte Ausarbeitung
• Einbeziehung bislang unbeachteter Sammler

Die erste umfassende Darstellung des Jugendstils in Berlin stellt sieben Künstler vor, die hier den Jugendstil prägten: Bruno Möhring, Alfred Grenander, Otto Eckmann, Henry van de Velde, August Endell, Theodor Schmuz-Baudiß und Peter Behrens. Der zweite Teil entfaltet ein Panorama von Jugendstilwerken im öffentlichen wie im privaten Raum, das sich den Zeitgenossen bot, heute jedoch größtenteils verschwunden ist: Öffentliche und private Gebäude, Verkehrsbauten, Gestaltung und Einrichtungen von Büros, Ladenräumen und Privatwohnungen. Kunsthandlungen und Warenhäuser präsentierten Werke und Waren im Jugendstil in einer großen Vielzahl und Qualität. Es zeigt sich, dass Berlin in einem weit größeren Maße als bisher angenommen ein Zentrum des Jugendstils war.

Die europäische Kunstszene des 16. Jahrhunderts war von der Person und dem Werk Michelangelo Buonarrotis dominiert. Der rasche künstlerische Aufstieg, die laute Verehrung und die Erhebung von Michelangelo zur Norm und unübertreffbaren Autorität in der Kunst lösten jedoch schon im Cinquecento Kritik aus. Eine der kritischen Kunsttechniken, die damals verwendet wurden, um Normen zu delegitimieren, Konkurrenten herabzusetzen und Kunstwerke schmähend zu diskreditieren, war die Bildparodie. Die Studie widmet sich der Untersuchung dieser besonderen Technik der Komisierung und Devaluation durch eine systematische und exemplarische Erforschung der „negativen" Rezeption von Michelangelo in der nord- und mittelitalienischen Kunst der Zeit.

• Die erste umfassende Studie über die bildliche und schriftliche Kritik an Michelangelo in Nord- und Mittelitalien im 16. Jahrhundert.
• Eine Studie über die Theorie, Funktion und Erscheinungsformen der Bildparodie in der frühen Neuzeit.

Der Maler Rudolf Levy (1875–1944) war eine zentrale Figur der Münchner und Pariser Avantgarde und feierte mit seinen farbkräftigen Bildnissen, Landschaften und Stillleben auch im Berlin der 1920er-Jahre große Erfolge, unter anderem in der legendären Flechtheim-Galerie. Die Machtergreifung der Nationalsozialisten führte zu einem jähen Karriereende. Nach einer Flucht-Odyssee konnte Levy sich schließlich in Florenz niederlassen, wo sein Schaffen bis zur Deportation und Ermordung im Konzentrationslager Auschwitz einen letzten eindrucksvollen Höhepunkt erlebte.

Als erstes deutsches Ausstellungshaus widmet sich das Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern in einer Retrospektive nun Werk und Leben von Rudolf Levy. Der Katalog öffnet den Blick auf einen Künstler europäischen Ranges, dessen reiche Bildwelt immer wieder neu zu entdecken ist. Beiträge namhafter Autorinnen und Autoren beleuchten Levys Schicksal als verfolgter Künstler und als verfolgter Jude, das künstlerische Kaleidoskop seiner Zeit, die Jahre im Florentiner Exil sowie die Rezeption und Re-Kanonisierung seiner Kunst in der jungen Bundesrepublik.

• Wiederentdeckung eines großen Klassikers der Moderne anlässlich einer ersten Retrospektive in Deutschland – Internationales Kooperationsprojekt mit den Uffizien in Florenz
• Standardwerk zu Rudolf Levy in deutscher Sprache
• Mit einem zeitgenössischen Kunst- und Wortbeitrag von Edmund de Waal

• Ausstellung, Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern, 28. Oktober 2023 bis 11. Februar 2024 (Schirmherrschaft Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier)

German-english edition

The question of identity has always preoccupied artists. Louisa Clement is no different, her central theme is the human being and the human in the digital. In her art, she starts out from herself, but ventures much further, asking how identity will be shaped in the future and examining forms of transformation. In the series of works Repräsentantinnen (Representatives), she creates AI-equipped, adaptive images of herself, with which visitors can converse. In photographic works, the master pupil of Andreas Gursky continues this examination of the body and its possible optimisations and deals with military legacies under the aspect of transformation.

This publication is appearing for an exhibition at the Paula Modersohn-Becker Museum - both artists are united in their search for self-expression, as Paula Modersohn-Becker's Self-portrait on 6th wedding anniversary from 1906 demonstrates in a succinct manner.

Louisa Clement (born 1987 in Bonn) completed her studies at the Kunstakademie Düsseldorf in 2015 as a master pupil of Andreas Gursky. She has already exhibited in various institutions and museums, including e.g.: Museum Frieder Burda, Baden-Baden (2022); Casino Luxembourg – Forum d'art contemporain (2022); Ludwig Forum Aachen (2019); Sprengel Museum Hanover (2019)

• One of today’s most popular young artists
• Current social issues such as AI, questions about body and self-image, and possibilities of digital storage

Deutsch-englische Ausgabe

Die Frage nach Identität beschäftigt seit jeher Künstlerinnen und Künstler. Auch Louisa Clements zentrales Thema ist der Mensch und das Menschliche im Digitalen. In ihrer Kunst setzt sie bei sich selbst an, geht jedoch noch darüber hinaus. Sie stellt die Frage, wie sich Identität zukünftig herausbildet und untersucht Formen der Verwandlung. In der Werkserie Repräsentantinnen schafft sie mit KI ausgestattete lernfähige Ebenbilder ihrer selbst, mit denen sich die Besucher unterhalten können. In Fotoarbeiten setzt die Meisterschülerin von Andreas Gursky diese Auseinandersetzung mit dem Körper und dessen Optimierungsmöglichkeiten fort und beschäftigt sich darüber hinaus mit militärischen Altlasten unter dem Aspekt der Transformation.

Die Publikation erscheint anlässlich einer Ausstellung im Paula Modersohn-Becker Museum – beide Künstlerinnen verbindet die Suche nach einem Ausdruck ihres Selbst, wie das Selbstbildnis am 6. Hochzeitstag aus dem Jahre 1906 von Paula Modersohn-Becker prägnant vor Augen führt.

• Eine der aktuell angesagtesten jungen Künstlerinnen
• Aktuelle gesellschaftliche Themen wie KI, Fragen nach Körper und Selbstbild sowie digitale Speichermöglichkeiten

At the beginning of the 20^th century, a group of artists around Henri Matisse and André Derain were carrying out revolutionary colour experiments. The art critic Louis Vauxcelles gave them their name in 1905: the "Fauves". Translated into English, this means something like "beasts" or "wild animals". This catalogue is being published for the first survey exhibition on the Fauves staged in Switzerland for decades. It presents the expressive painting style and unusual colour combinations employed by Matisse, Derain and their companions in the years 1904 to 1908, situating them in the aesthetic and socio-political debates of that time. The male connotation of the term Fauves already suggests the exclusion of women artists on a conceptual level. The exhibition and catalogue challenge this traditional view and draw attention to female protagonists on the Paris art scene. Richly illustrated and supplemented by new art-historical research contributions, the publication offers an insight into the diversity of the colourful painting by the "beasts".

• Fauvism – the first avantgarde movement of the 20th century
• Brilliant colour experiments in a break with academic conventions

Eine Gruppe von Künstlern um Henri Matisse und André Derain führte zu Beginn des 20. Jahrhunderts revolutionäre Farbexperimente durch. Der Kunstkritiker Louis Vauxcelles gab ihnen 1905 ihren Namen: „Fauves". Ins Deutsche übersetzt bedeutet es so viel wie „Bestien" oder „wilde Tiere". Anlässlich der ersten Überblicksschau zu den Fauves seit Jahrzehnten in der Schweiz erscheint der Katalog, der die expressive Malweise und die ungewöhnlichen Farbkombinationen von Matisse, Derain und ihren Weggefährten in den Jahren 1904 bis 1908 vorstellt und sie in den ästhetischen und sozio-politischen Debatten der Zeit verortet. Der männlich konnotierte Begriff der Fauves suggeriert bereits auf begrifflicher Ebene den Ausschluss von Künstlerinnen. Ausstellung und Katalog stellen diese traditionelle Sichtweise infrage und machen auch auf Akteurinnen in der Pariser Kunstszene aufmerksam. Reich bebildert und ergänzt um neue kunsthistorische Forschungsbeiträge bietet das Buch einen Einblick in die Vielfalt der farbenreichen Malerei der „Wilden".

• Der Fauvismus – die erste Avantgarde-Bewegung des 20. Jahrhunderts
• Großartige Farbexperimente im Bruch mit akademischen Konventionen
• Ausstellung: 02.09.2023–21.01.2024, Kunstmuseum Basel, Neubau

Für Kassel spielte Johann Heinrich Tischbein d. Ä. (1722–1789) eine wichtige Rolle. Seine Dekaden umfassende Tätigkeit als Hofmaler der Landgrafen von Hessen-Kassel führte dazu, dass viele Werke seiner Autorenschaft bis heute in den historischen Bauten und verschiedenen Sammlungsbeständen der Museumslandschaft Hessen Kassel vorhanden sind. Die Wiederentdeckung und Restaurierung dreier Deckengemälde aus dem früheren Kasseler Residenzschloss rückten seine Tätigkeit in diesem Bereich einmal in den Fokus. Ihre programmatische Ausrichtung und Verortung innerhalb Tischbeins Tätigkeit als Ausstattungskünstler der hessischen Landgrafen ist Thema des vorliegenden Bandes und wird durch einen kunsttechnologischen Beitrag zum jüngsten Restaurierungsprojekt ergänzt.

• Objektgeschichte kunstgeschichtlich und kunsttechnologisch
• Neue Forschung zur Landgrafschaft Hessen-Kassel
• Jubiläum Johann Heinrich Tischbein d. Ä.

Die Dresdner Kunstkammer im Residenzschloss bietet eine faszinierende Vielfalt von Sammlungsobjekten der Spätrenaissance und des Frühbarock. Dem Gründer der Kunstkammer, Kurfürst August (1526–1586), ist der einzigartige Bestand an schlichten und kunstvoll verzierten Handwerkszeugen zu verdanken. Dabei reicht die Bandbreite von Gartengeräten über Goldschmiede-, Tischler- und eisenbearbeitende Werkzeuge bis zu den sogenannten Brechzeugen (Werkzeug zum Aufsprengen oder Zerbrechen). Darüber hinaus stellt der Museumsführer aufwendig verzierte Kunstkammerschränke, zwei reich ausgestattete Augsburger Kabinettschränke, mit irisierendem Perlmutter eingelegte Tische, kostbare Brettspiele und Musikinstrumente neben filigranen Drechselkunststücken, Werken der Schatzkunst und Gegenständen aus fernen Kulturen vor.　　　

• Zahlreiche bisher nicht publizierte Meisterwerke der Kunstkammer im Dresdner Residenzschloss

Über die berühmten Stichfolgen des im Jahre 1700 in Augsburg geborenen und 1761 in Wien verstorbenen Vedutenzeichners und Kupferstechers Salomon Kleiner wurde seit jeher viel geforscht. Seine Kupferstichfolgen der Wiener Veduten, der Schönbornschlösser und österreichischen Stifte sind bis heute weit bekannt, zahlreich reproduziert und fest im kollektiven Gedächtnis verankert.

Im Jahr 1732 erschien bei Jeremias Wolffs Erben in Augsburg Das prächtige Rath Hauß der Stadt Augspurg, eine Kupferstichedition mit Ansichten, Grund- und Aufrissen des 1615 von Elias Holl (1573–1646) begonnenen und bis 1625/26 reich ausgestatteten berühmten Augsburger Rathauses und seiner prächtigen Innenräume. Von der Forschung kaum beachtet, verwahrt die Staats- und Stadtbibliothek Augsburg die originalen Zeichnungen Kleiners zu dieser Edition und stellt sie hier erstmals in Originalgröße und -farbe vor, auf den gegenüberliegenden Blättern jeweils die gleiche Ansicht aus dem Druck von 1732. Im einführenden und erläuternden Text werden die Originale erklärt, die Blicke in die Innenräume dezidiert mit ihrer bedeutenden Ausstattung beschrieben und die bis heute erhaltenen Gemälde in Farbabbildungen präsentiert. Die historische Dokumentation der ‚guten Stube Augsburgs‘ neu entdeckt – eine kleine Sensation, auch außerhalb Augsburgs!

Unterstützt durch die Ernst von Siemens Kunststiftung, die Dr. Eugen Liedl Stiftung und die Stiftung Augsburger Wissenschaftsförderung.

Schmähungen und Herabsetzungen scheinen derzeit allgegenwärtig. Doch sind Phänomene des Invektiven keinesfalls auf die Gegenwart be­grenzt. Es hat sie zu allen Zeiten und in allen Kulturen gegeben. Sie können sich in spontanen Akten ebenso ent­falten wie in literarischen und bild­lichen Gattungen. Medien vergrößern ihre Reichweite und binden sie an etablierte kommunikative Muster. Derartige Konventionen bilden den Rahmen, der das subjektive Erleben von Schmähung und Herabsetzung steuert. In einundzwanzig schlaglichtartigen Betrachtungen will der Essayband einen Eindruck von den vielfältigen Formen der Herabsetzung vermitteln – von der antiken Schmährede über Flugschriften der Reformationszeit und den Wahlplakaten der Weimarer Republik bis hin zu aktuellen Satiren und Twitterstürmen.

• Kunst und visuelle Gewalt
• Kunst als soziale Waffe

Currently, defamation and disparagement may appear omnipresent. But phenomena of invective are not restricted to the contemporary world, by any means. They have existed at all times and in all cultures. They can unfold in spontaneous acts as well as in literary and artistic genres. The media extend their reach and link them to established communicative patterns. Such conventions form a framework controlling subjective experiences of vilification and degradation. In 21 highlights, this collection of essays gives an impression of the many forms of degradation – ranging from ancient diatribes and Reformation era pamphlets to the Weimar Republic’s election posters and current satires or Twitter storms.

• Cultural History
• Art and Satire
• Early Modern Age Pamphlets

Mit keiner französischen Stadt hat Potsdam so viel gemein wie mit der prachtvollen Residenz des franzö­sischen Sonnenkönigs Ludwig XIV.: Versailles. Ist nicht zuletzt die Stadt Potsdam zu dem geworden, was sie heute ist, weil im 17. und 18. Jahrhun­dert die preußischen Regenten dem französischen Hof nacheiferten? Mit den französischen Impressionisten aus der Sammlung Hasso Plattner im Museum Barberini und den Schlössern Sanssouci und Neues Palais mit ihren französischen Rokoko­Gemälden be­herbergen Potsdamer Institutionen künstlerische Highlights aus unserem Nachbarland. Diese herausragenden Orte der Kunst sind zentrale Stationen eines neuen Stadtrundgangs, den die Stiftung Preußische Schlösser und Gärten und das Museum Barberini gemeinsam entwickelt haben.

• Spaziergang durch die französische Seite Potsdams

Water features have always been among the most important design elements in gardens, but the fountains and streams that rippled so sweetly were dependent on a technical masterpiece for their time. In the 19th century, the steam pump-house beside Neustadt Havelbucht supplied the water features in Sanssouci Park. The most charming as well as the strangest building in Potsdam, it is a remarkable example of early 19th-century industrial, functional architecture. Frederick William IV had the only pump-house in the Moorish style built by Ludwig Persius in 1841-43. The building, still visible from Sanssouci Palace at that time, created a picturesque architectural highlight in Potsdam’s cultural landscape.

• Unique building in Moorish style

Die alten Kulturen Ostasiens, des Nahen und Mittleren Ostens und des Mittelmeerraumes zeichnen sich durch spektakuläre wissenschaftliche Erkenntnisse und Fortschritte aus, die in der Mythologie gespiegelt und gesteigert werden. In der Spätgotik nur zögerlich, in der italienischen Renaissance jedoch mit Macht dringt dieses Wissen zunächst gegen den Widerstand der christlichen Kirche in den europäischen Raum ein.

Das Begleitbuch zur Ausstellung verhandelt die aktuellste Forschung zu Wissenschaft und Technologie in Mythos und Kunst von der Antike bis in das goldene Zeitalter der arabisch-islamischen Kultur. Beleuchtet werden die frühen präzisen Aufzeichnungen astronomischer Ereignisse ebenso wie die Technologie der Automaten und kinetischen Skulptur. Neuste Erkenntnisse unter anderem zum berühmten griechischen Mechanismus von Antikythera, einem analogen Computer, oder zu den raffinierten drehbaren Decken und Böden der Bankettsäle im Palast des römischen Kaisers Nero veranschaulichen die Bedeutung der Automatisation von Skulptur in ihren Bezügen zur Naturwissenschaft im islamisch-arabischen Kulturraum.

• Großartige Kunstwerke, die antike Mythen wiedergeben, Modelle animierter Skulptur, eindrucksvolle wissenschaftliche Apparate und Automata des mediterranen und islamisch-arabischen Kulturraums
• Internationale Autor/-innen spiegeln die aktuellste Forschung zur Wissenschaftsgeschichte in Verbindung mit der Kunsttechnologie
• Ausstellung: Liebieghaus Skulpturensammlung, Frankfurt/M., 08.03.2023 bis 10.09.2023

Eine Minute und dreißig Sekunden ist die durchschnittliche Länge, die für einen Beitrag in einem Nachrichtenblock vorgesehen ist. Die Künstlerin Monika Huber fotografiert seit über zehn Jahren täglich Bilder aus Nachrichtenbeiträgen, die von Protest, Aufruhr, Krieg, Gewalt und deren Folgen zeugen. Sie speichert die Bilder digital, druckt sie aus und überarbeitet sie mit den Mitteln der Malerei und Zeichnung. Über die Jahre ist so ein Archiv entstanden, das eine „Grammatik" der Nachrichtenbilder offenlegt und uns zu einer kritischen Auseinandersetzung mit der Krisenberichterstattung in Fernsehnachrichten einlädt. Die Auswahl von über 100 Bildern aus dem Archiv wird begleitet von Beiträgen, die das Archiv Einsdreißig aus kunsthistorischer, philosophischer, politikwissenschaftlicher und journalistischer Perspektive verorten.

Die künstlerischen Arbeiten Sabine Groschups, einer Schülerin von Maria Lassnig, reichen von Malerei, Textilkunst und filmischem Schaffen über plastische Arbeiten, Literatur und Fotografie bis hin zu Raum-, Video- und Klanginstallationen. In ihrer Augsburger Einzelausstellung „DER DOPPELTE (T)RAUM" zeigt Groschup ihr vielseitiges Werk auf einer eigens geschaffenen surrealen Bühne. Raum und Traum gehen oszillierend ineinander über. Dadurch setzt sich ein spannungsreiches Wechselspiel von Realität und Traum in Gang, das das Zentrum des künstlerischen Schaffens der Künstlerin darstellt. Die hier versammelten Essays – unter anderem von Silvia Eiblmayr, Katja Gasser oder Peter Weibel – helfen dabei, dieses Œuvre zu entschlüsseln und einzuordnen.

Achthundert Jahre nach seiner Grundsteinlegung erhebt sich der Dom heute als Wahrzeichen Magdeburgs gewaltig über die Elbe und die Stadt, aus deren mittelalterlichem Gewirr von Häusern und Straßen er einmal aufstieg in eine Höhe, die Menschen schwindlig machte, mit einer Weite, die kein anderer deutscher Dom vermittelt. Sein Reichtum an Altären, Reliquien und Skulpturen sowie die Farbigkeit der Wände, Gewölberippen und Fenster ließen den Dom als Abglanz des himmlischen Jerusalem erscheinen. Reformation, Kriege und Restaurierungen haben dem Dom alles genommen, was er an bunter Mittelalterlichkeit besaß und ihm jene einsame Monumentalität gegeben, die er in seiner hellen Steinsichtigkeit bis heute besitzt.

Kaum ein Künstler hat das Spanienbild, das man sich um 1900 im Ausland machte, so sehr geprägt wie Ignacio　Zuloaga　(1870–1945): stolze Toreros und temperamentvolle Flamenco-Tänzerinnen; das einfache Leben der Landbevölkerung, Asketen und Büßer in weiten, kargen Landschaften; Bettler, Kleinwüchsige und Hexen, die das Erbe von Altmeistern wie Diego Velázquez und Francisco de Goya aufrufen. In Zeiten massiver Industrialisierung und der zunehmenden Orientierung Spaniens an der europäischen Moderne wollte Zuloaga mit solchen Szenen die „spanische Seele" bewahren. Zu Lebzeiten des Künstlers wurde seine Malerei international gefeiert. Der Band ist die erste umfassende monografische Publikation zum Künstler in deutscher Sprache.

• Katalog zur ersten posthumen Ausstellung über Ignacio Zuloaga außerhalb Spaniens – dem! prägenden Künstler des Spanienbildes im Ausland um 1900
• Ausstellungen: Kunsthalle München, 15.09.2023–04.02.2024; Bucerius Kunst Forum Hamburg, 17.02.–26.05.2024

Die Radierung, deren Ursprünge als Tiefdrucktechnik am Beginn des 16. Jahrhunderts liegen, entfaltet ihre volle Pracht im 17. Jahrhundert. Berühmte Stecher wie Albrecht Dürer hatten die Radierung als die dem Kupferstich unterlegene Technik verworfen, ein Jahrhundert später erlebt sie ihre barocke Blüte. Ihren wenngleich späten Erfolg verdankt die Radiertechnik der Freiheit der Linie. Anders als in der mühsamen Manier des Kupferstichs kann die Hand des Künstlers oder der Künstlerin die Zeichnung auf der Radierplatte spielerisch leicht umsetzen. Der Katalog gewährt faszinierende Einblicke in die Arbeitsprozesse und Ästhetik barocker Druckgrafik. Im Zentrum der Betrachtung stehen die Werke dreier Künstler, die sich in der Radiertechnik besonders hervorgetan haben: Jacques Callot, Stefano della Bella und Giovanni Benedetto Castiglione.

• Ausstellung: 8. September bis 3. Dezember 2023, Landesmuseum Mainz
• Neuer Forschungsstand zur Radierung des Barock

Der Altar von Schloss Tirol – ein Reliquienretabel mit Flügelbildern –, geschaffen um 1370/72, gilt als ältestes Retabel im Alpenraum. In Vorbereitung der Restaurierung fanden in den Jahren 2016 bis 2021 im Tiroler Landesmuseum kunsttechnologische Untersuchungen statt. Mithilfe von Röntgenaufnahmen und 3-D-Modellen erfolgten Studien zur Holzkonstruktion. Die Maltechnik und die Malmaterialien wurden mit einem Stereomikroskop, mit der Infrarotreflektografie und Probeanalysen untersucht. Neben der Analyse der Restaurierungsgeschichte, der Herkunft sowie der Aufstellung im ehemaligen Schloss Tirol wurden darüber hinaus die Darstellungsdetails und die Ornamente der Brokatgewänder der Auftraggeber rekonstruiert. In diesem Buch liegen nun die Ergebnisse der Forschungsarbeiten zu diesem frühen beeindruckenden Reliquienretabel des 14. Jahrhunderts vor.

• Ausstellung, 24. November 2022 bis 25. Juni 2023, Ferdinandeum Innsbruck
• Neueste Technologien zur Erforschung von Malschichten
• Aussagekräftige Detail- und Mikroskopaufnahmen

Friedrich Preller the Elder’s mythological landscapes shaped the ideal of a 19th-century art concept oriented on the classical canon. The painter, who worked in Weimar, left behind a large oeuvre of paintings, drawings and prints, only some of which have been catalogued to date. His letters provide information about his clients, work processes and pictorial ideas and bring to life his journeys to Italy, through the Alps, and to Norway. They allow a precise reconstruction of five decades of intense creative activity. Preller corresponded with numerous 19th-century personalities, including fine artists, composers, art dealers and publishers, as well as his students.

• Letter Culture of Romanticism
• Artist travels
• Hitherto unpublished source material

From a modern perspective, the secular and religious spheres separated at the close of the late mediaeval period. This study is the first to make clear, however, that a fundamentally religious atmosphere exerted a decisive influence on the beginnings of genre art in the second half of the 15th century. A new form of piety united everyday life and faith and spiritualised reality. In this sense, early genre paintings could convey Christian doctrinal content and episodes from the story of salvation using typified pictorial figures. This is the case, for example, in Martin Schongauer’s Peasant "Family Going to Market" as an updated flight into Egypt, the Wolfegg house book as a practical devotional work, or Peter Christ’s "A Goldsmith in his Shop" as a vocational scene, as this monograph demonstrates on the basis of in-depth pictorial analyzes.

• New perspectives on key, early works of genre painting
• The first genre paintings in the context of innermost piety
• Including late mediaeval sermon practice and the doctrine of remembrance

Glaspasten, Repliken von Gemmen in Glas, waren aufwendig in der Herstellung, seltener und teurer als z.B. Gips-Abgüsse in Daktyliotheken des 18. Jahrhunderts. Hersteller der Würzburger Glaspasten war Philipp Daniel Lippert (1702–1785), der die erste systematisch geordnete, von Verzeichnissen begleitete Daktyliothek herausbrachte. Die Sammlung ist die früheste dieser Art.

Band 2 der Würzburger Glaspasten enthält vorwiegend Abdrücke von Kameen und Intaglien des 16. und 17. Jahrhunderts mit antiken Motiven, deren Originale meist verschollen sind. Im 18. Jahrhundert hielt man die meisten für antik. Erfasst wird hier der Beginn der wissenschaftlichen Gemmen-Forschung, als deren Vorreiter sich J. F. Christ (1700–1756) erweist. Anhang I: Lipperts Bücher. Anhang II: Otto Zwierlein, Plinius zur Kunst des Gemmen-Schneidens.

• Erstmalige Kommentierung der einzelnen Stücke einer „universalen" Daktyliothek

• Einzige Glaspasten-Daktyliothek Philipp Daniel Lipperts

• E-Book des bereits vergriffenen ersten Bandes (erschienen 1986) ist Teil der Publikation

Pastes, replicas of gemstones made from a type of glass, were complex to produce; this made them rarer and more expensive than plaster casts, for example, in 18th century gemstone libraries. The manufacturer of the Würzburg pastes was Philipp Daniel Lippert (1702–1785), who also published the first systematically arranged gemstone library with accompanying indexes. The collection is the earliest of its kind. Volume 2 of the Würzburg Pastes contains mainly impressions of 16th and 17th century cameos and intaglios with antique motifs, whereby most of the originals have been lost. In the 18th century, most of them were considered antique. The beginning of scientific gem research is recorded here, with J. F. Christ (1700–1756) as its pioneer. Appendix I: Lippert’s books. Appendix II: Otto Zwierlein, Pliny on the Art of Gem Cutting.

• First systematic annotation of the individual pieces of a "universal" gemstone library

• Philipp Daniel Lippert’s only gemstone library

• Ebook of the first volume (published in 1986) is part of the publication

Die in Südthüringen nahe der bayerischen Grenze gelegene Burgruine Henneberg zählt zu den bedeutenden Zeugnissen einer längst vergangenen Dynastie. Die Henneberger Grafen prägten im Hoch- und Spätmittelalter nicht nur die Geschichte Südthüringens und Unterfrankens entscheidend, sondern spielten zeitweise auch eine herausragende Rolle in der Reichsgeschichte.

Von der im Bauernkrieg 1525 zerstörten Burg blieben nur wenige Gebäudereste erhalten. Archäologische Grabungen sowie die Arbeit von Historikern und Bauforschern haben jedoch wesentlich zur Erhellung des historischen Bestands beigetragen. Sehenswert sind die spätmittelalterliche Ringmauer, der mächtige Bergfried und besonders die Reste der Holzstube, die zu den ältesten Bauten dieser Art auf Burgen im deutschsprachigen Raum zählt.

Schon seit dem 19. Jahrhundert ist die frühe Planungsgeschichte von St. Peter in Rom zu Beginn des 16. Jahrhunderts ein wichtiges Thema kunsthistorischer Forschung. Dabei steht der sog. Pergamentplan von Donato Bramante, der lediglich als Entwurfsfragment erhalten ist, im Fokus der wissenschaftlichen Untersuchungen. In vorliegender Studie wird dieser Plan umfassend analysiert und mit anderen Text- und Bildmaterialien in einen historischen Kontext gesetzt, der von architektonischen Vorläufern aus der spätantiken Kaiserzeit bis zur barocken Planungsphase von St. Peter im 17. Jahrhundert reicht. Auf Grundlage verschiedener wissenschaftlicher Vorgehensweisen soll vor allem die Grundsatzfrage beantwortet werden, ob es sich beim Pergamentplan um einen Zentral- oder Longitudinalbau gehandelt hat.

Der gebürtige Süddeutsche Philipp Jakob Straub zählt zu den bedeutendsten Vertretern der österreichischen Barockbildhauerei des 18. Jahrhunderts. Sein umfangreiches Schaffen wird hier erstmals international zusammengetragen und einer eingehenden Analyse unterzogen. Einige bisherige Zuschreibungen mussten dem Künstler aberkannt werden, was sein Schaffen nun homogener erscheinen lässt. Doch wurden ihm auch bislang unbekannte Werke neu zugewiesen, woraus ein beträchtlicher Werkkatalog resultiert, der die Stilgenese des Künstlers anschaulich werden lässt. Dies ermöglicht einen neuen Blick auf dessen Œuvre und die mannigfaltigen Stileinflüsse seiner neuen Heimatstadt Graz, zudem wird seine bedeutende Stellung innerhalb der österreichischen Barockplastik neu definiert.

• Erster Werkkatalog zu Philipp Jakob Straub
• Untersuchung der Einflüsse aus dem zisalpinen Raum auf die Grazer Barockplastik
• Abgrenzung zum Schaffen der anderen Straub-Brüder und Zeitgenossen

Das vorliegende Buch widmet sich Werken von Michael Müller (*1970), die vier Gemälde von Gerhard Richter (*1932) mit dem Titel „Birkenau" kommentieren und einen grausamen historischen Sachverhalt im gleichnamigen Vernichtungslager Auschwitz II/Birkenau in unterschiedlicher Form künstlerisch aufzuarbeiten versuchen. So eigentümlich direkt die kritischen Kommentare zu Richter auch sein mögen: Sie werden durch viele weniger auffällige, stillere, ja verwundete Werke von Müller begleitet, die 2022/23 im Museum im Kulturspeicher Würzburg zu sehen waren und zeitgleich mit dem Erscheinen dieser Publikation im Frühjahr 2023 in der St. Matthäus-Kirche im Berliner Kulturforum präsentiert sind.

Im thematischen Zentrum beider Ausstellungen steht die Zwangsarbeit des sogenannten „Sonderkommandos", eines Arbeitskommandos ausgesonderter jüdischer Gefangener, welche die Vernichtung ihrer Mitmenschen unter Aufsicht und ständiger Todesdrohung der SS von 1942 bis 1944/45 vor- und nachbereiten mussten. Das Buch dokumentiert die wichtigsten Werke dieser anspruchsvollen künstlerischen Auseinandersetzung Michael Müllers und kontextualisiert sie in einem ausführlichen Essay des Kunsthistorikers Lukas Töpfer (*1988).

• Lässt sich das Grauen des Holocaust zeigen? – Müller befragt Richters Zyklus „Birkenau" mit den Mitteln der Malerei
• Ausstellungen: „Michael Müller: Mögliche und unmögliche Bilder", Museum im Kulturspeicher Würzburg, 26.11.2022–19.03.2023; „Michael Müller: Am Abgrund der Bilder", St. Matthäus-Kirche, Berlin, 22.04.–03.09.2023

Naturphänomene wie die vier Jahreszeiten sind Teil der menschlichen Erfahrungswelt und finden sich seit der Antike in der Kunst. Den Höhepunkt seiner Beliebtheit erlangt das Motiv im 18. und frühen 19. Jahrhundert. Anhand von vier Werkbeispielen aus dieser Zeitspanne von Hogarth, Houdon, Friedrich und Thorvaldsen untersucht die Publikation den Wandel des Jahreszeitenbildes als Ausdruck veränderter Natur- und Zeitvorstellungen.

1904 schuf der sächsische Künstler Oskar Zwintscher das Bildnis einer Dame mit Zigarette. Heute besitzt das Gemälde im Dresdner Albertinum Kultstatus. Mit offenen Haaren, eine brennende Zigarette locker in der Hand, sitzt die Dargestellte im schwarzen Reformkleid vor einem schwarzen Vorhang. Doch wer verbirgt sich hinter der jungen Frau, die so selbstbewusst aus dem Bild schaut?

Andreas Dehmer und Susanna Partsch begeben sich anhand der Frage nach der Identität der rauchenden Dame auf eine faszinierende Spurensuche. Sie finden emanzipierte Frauen, die als Künstlerinnen, Schauspielerinnen oder Schriftstellerinnen ihren Lebensunterhalt verdienten, das Reformkleid dem Korsett vorzogen und das Rauchen als Symbol der Unabhängigkeit begriffen. Sie folgen ihnen in Metropolen wie Berlin, Dresden oder München, wo sie als Teil der Bohème lebten. Auf der Suche nach der Unbekannten entsteht so ein fesselndes Bild der Verschränkung von Kunst und Leben um 1900.

(English / Chinese / German Edition)

Comprising over 40 volumes with the ambiguous title "Ernstes Spiel" (Serious Play), the planned catalogue raisonné of Michael Müller’s art is a unique undertaking. It will introduce the near inexhaustible oeuvre with close collaboration from the artist himself, providing a comprehensive overview of the painting and graphic art, sculpture, installations and performances. In addition, it will present Müller’s texts, which cover a spectrum of different disciplines the natural sciences, poetry and linguistics, philosophy, and music. The catalogue raisonné, published in German, English and Chinese, is a project spanning several decades and, in addition to detailed documentation, will also offer a classification of Müller’s art by renowned authors.

Volume 1.3. presents Müller's painterly work from 2020 to 2021 in full and in detail for the first time. With accompanying essays by Lukas Töpfer, Rudolf Zwirner and Oliver Koerner von Gustorf.

計劃中的邁克爾·穆勒藝術作品全集多達40餘卷，是一個獨一無二的弘大項目，標題為頗具雙重含義的《認真的遊戲》。在藝術家的密切配合下，作品全集將展示這位藝術家廣泛無窮的作品，旨在全面概述他的繪畫、素描、雕塑、裝置作品和行為藝術，以及他橫跨自然科學、詩歌、語言學、哲學和音樂等不同學科領域的文字作品。這套藝術作品全集以德文、英文和中文出版，將是一個歷時數十年的項目，除了詳細的文獻資料外，還包括知名作者對穆勒藝術的評述。

第1.3卷

2020年至2021年的繪畫作品。附有盧卡斯·特普費爾、魯道夫·茨維爾納和奥利佛·柯纳·冯·古斯托夫的藝術評論文章。

Since the mid-1960s, Peter Brötzmann has made a decisive impact on the international free jazz and improvized music scene; parallel to his musical activity, he also practices as a visual artist. This volume takes a look at the outstanding "double talent" from various scholarly perspectives. It is dedicated to the artistic crossing of boundaries, asking how the art and music genres influence each other, and what parallels or differences can be identified in terms of artistic concepts and expressive forms. The focus is on the word "free" – as an element in the name of the music genre free jazz and the record label FMP, co-founded by Peter Brötzmann. This points to a social dimension, but also to a creative musical or artistic principle in relation to the "free arts".

• Interdisciplinary contribution on reciprocal influences between musical and artistic genres
• New academic research on Peter Brötzmann

Werner Reinisch (*1930) ist der älteste aktive deutsche Maler in Frankreich, wo er seit ca. 60 Jahren lebt und arbeitet. Er ist somit lebendes Symbol deutsch-französischer Freundschaft. 2023 feiert der Élysée-Vertrag, der die Grundlage für die deutsch-französische Aussöhnung und die Zusammenarbeit der Staaten gelegt hat, sein 60-jähriges Jubiläum. Dies bietet Anlass, Gemälde und Zeichnungen Reinischs aus der aktuellen Werkserie auf schwarzer Leinwand zu zeigen.

Der Katalog, der vom Werner-Reinisch-Institut mit der Montgelas-Gesellschaft zur Förderung der bayerisch-französischen Zusammenarbeit herausgegeben wird, zeigt Zeichnungen und Ölgemälde der vergangenen Jahre, die die Vielfältigkeit des Künstlers offenlegen. Zudem wird neben neuen Aphorismen auch ein autobiografischer Text Reinischs veröffentlicht.

(Bilingual edition: English / German)

The series Notizen zu Uecker makes the research findings of the Günther Uecker Institute’s scholarship holders accessible to the public. The series begins with a study by art historian and historian of the Middle East and Turkology, Katrin Nahidi. She analyzes the conceptual union of conceptual art and history painting as "conceptual history painting", with a focus on Uecker’s work Gerät (auf Wörtern) / Device (On Words).

• A new perspective on Günther Uecker and his work
• An important contribution to contemporary art theory
• Bilingual German-English

Die Schriftenreihe Notizen zu Uecker macht die Forschungsergebnisse der StipendiatInnen des Günther Uecker Instituts der Öffentlichkeit zugänglich. Der Akzent der geförderten Projekte liegt auf einer lebendigen Auseinandersetzung mit dem Werk Günther Ueckers. Den Auftakt bildet die Untersuchung der Kunsthistorikerin und Historikerin für den Nahen Osten und Turkologie, Katrin Nahidi. Sie analysiert die Arbeit Gerät (auf Wörtern) von Uecker, die im Rahmen des Werkkomplexes Der geschundene Mensch (1992/93) entstand. Zentral ist dabei die begriffliche Verbindung von Konzeptkunst und Historienmalerei zum ‚konzeptuellen Historienbild‘. Nahidi beleuchtet so die Ausstellungsgeschichte dieses Werkes und daran angebunden, wie es kulturpolitisch und interkulturell Wirkung entfaltet.

Die rund 700 erhaltenen Briefe des Dresdner Künstlerpaars Hans Grun­dig (1901–1958) und Lea Grundig (1906–1977) sind in ihrer Art einzigar­tig und bis heute mehrheitlich unver­öffentlicht. Vor allem die Liebes­- und Künstlerbriefe umfassen nicht nur drei Gesellschaftssysteme, sondern auch mehrere Länder. Sie thematisieren Fragen des Verhältnisses von Kunst und Politik, von Religion und Gesell­schaft sowie von Widerstand, Exil und Migration. Im Vorfeld der geplanten Edition geben Beiträge ausgewiesener Autor/­-innen Einblick in die Editionsar­beit und vor allem auch die Dimension und zeitgeschichtliche Umgebung der Korrespondenz. Ihre Erschließung wird die Grundlage für Forschungsprojekte im Kontext deutscher Diktaturerfah­rungen, jüdischer Geschichte, künstle­rischer Milieus und Netzwerke bilden.

• Hintergründe zur Erforschung eines bisher unbekannten Briefwechsels

Die Städte dieser Welt bieten eine unerschöpfliche Menge an Eindrücken und Bildern. Der Künstler Detlef Waschkau hat die Stadt zu seinem Thema gemacht – als Bewohner, Flaneur und Reisender – und sie in das Zentrum seiner künstlerischen Arbeit gestellt. Seine Werke, die zwischen Skulptur und Malerei oszillieren, sind das Ergebnis zahlreicher malerischer und plastischer Arbeitsschritte, die während der Produktion wie Zahnräder ineinandergreifen. Der Titel „Urban Vibes" steht nahezu symbolisch für zeitlose Schwingungen und Transformationen im urbanen Raum. Die Stadt wird zum Kraftwerk der Gefühle und Ankerpunkt für durch Straßen eilende Menschen. Waschkau gewinnt mit seinen Arbeiten vollkommen neue Ansichten anscheinend bekannter Orte und wirft gänzlich neue Blicke auf sie: sublim, poetisch und ungeheuer delikat.

• Die Stadt als Bühne unvorhergesehener Konstellationen – eine „Großstadt-Symphonie"
• Urban Vibes. Detlef Waschkau, Kunstraum Villa Friede, Bonn, 08.10.2022 bis 05.11.2022

Mit großem Einsatz förderte Hans Purrmann nach 1945 das neu erwachende Kunst- und Kulturleben in der Pfalz. Wichtiger Ansprechpartner war für ihn der SPD-Politiker und Geschäftsführer der Pfälzischen Sezession Willibald Gänger. Erstmals liegt nun ihr Briefwechsel der Jahre 1950–1960 vor. Die Briefe, ergänzt um sechs Quellentexte, geben Aufschluss über Purrmanns Einbindung in die Planungen der Pfälzischen Sezession und beschreiben sein Verhältnis zum Malerkollegen Rolf Müller-Landau. Durch viele Seitenblicke auf Purrmanns Vernetzung mit der Nachkriegskultur sowie auf Projekte des Deutschen Künstlerbundes und den damals virulenten Streit zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit bilden sie eine wertvolle Ergänzung für das Verständnis der Kunst der 1950er-Jahre.

As offensive weapons, daggers and swords are shaped in the main by fighting styles. However, they were always status symbols as well. Lavishly designed with precious materials, they represented the self-image of warrior castes and military leaders. This is evidenced by Neolithic fishtail daggers of outstanding craftsmanship, as well as by magnificently decorated Frankish gold-hilted spathae. Volume 6 of this successful series is dedicated to one type of weapon for the first time, presenting a cross-epochal classification of “daggers and swords”. The spectrum ranges from Neolithic flint daggers to Viking iron swords from the time around 1000. For the first time, prehistoric, Roman and early medieval forms are grouped together in a uniform system.

• Updated, revised edition

Zwischen 1986 und 1989 fanden abseits des offiziellen DDR-Kulturbetriebes 13 Jenaer Hofvernissagen statt, die einem breiten Publikum freie Formen bildender Kunst, Literatur, Musik, Film und Theater zugänglich machten. So entstand in Jena eine ‚kulturelle Parallelwelt‘, in der alternative Handlungsmuster und Lebensentwürfe öffentlich sichtbar wurden. Der Ausstellungskatalog vermittelt die Entstehung und Entwicklung der Hinterhof-Veranstaltungen und spannt mit Kunstwerken aus der Zeit der Vernissagen, der ‚Nachwendejahre‘ und der Gegenwart den Bogen zum Heute.

Neben zeit-, kultur- und kunstgeschichtlichen Aufsätzen sowie Werkbetrachtungen vermitteln zahlreiche historische Quellen, Fotografien und Kunstwerke das Wirken einer überregional bedeutsamen, selbstbestimmten Kulturszene in den letzten Jahren der DDR.

Anlässlich des 175. Geburtstags von Max Liebermann wird erstmals der herausragende Bestand seiner Zeichnungen im Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin vorgestellt. Die Entwicklung Liebermanns als Künstler allgemein und als Zeichner im Besonderen machen die überwiegend noch zu Lebzeiten des Künstlers in der „Sammlung der Zeichnungen" an der Nationalgalerie zusammengetragenen Werke eindrucksvoll erlebbar. Vom selten gezeigten ersten Skizzenbuch der 1860er-Jahre über Vorstudien zu Gemälden, holländische Landschaften und Porträts prominenter Zeitgenossen bis hin zu markanten Selbstbildnissen offenbart sich das ganze Spektrum seiner Zeichenkunst. Dass die Zeichnung für Max Liebermann eine zentrale Rolle spielte, wird im Katalog – dem ersten überhaupt zum Bestand des Kupferstichkabinetts! – verdeutlicht.

• Ausstellung 16.12.22 bis 5.3.23, Stiftung Brandenburger Tor, Berlin
• Highlight anlässlich des Jubiläumsjahrs Max Liebermanns
• Nahezu der gesamte Zeichnungsbestand des Künstlers aus dem Berliner Kupferstichkabinett wird erstmalig präsentiert

Schloss Altenstein zählt zu den herausragenden Schöpfungen historistischer Baukunst in Deutschland und diente bis 1918 den Herzögen von Sachsen-Meiningen als Sommerresidenz. Unter geschickter Einbeziehung der natürlichen Gegebenheiten entstand zudem einer der bedeutendsten Landschaftsgärten Deutschlands. Durch eine raffinierte garten- und baukünstlerische Inszenierung sowie die Verflechtung von Park und Landschaft entwickelte sich die weit über die engeren Park- und Kuranlagen ausstrahlende Altenstein-Liebensteiner Kulturlandschaft.

• Handlicher und reich bebilderter Kunstführer über die Altensteiner Kulturlandschaft

One minute and thirty seconds is the average length allotted to a news feature. For more than ten years, artist Monika Huber has been photograph- ing images from daily news reports that bear witness to protest, riots, war and violence, as well as their conse- quences. She saves the images digital- ly, prints them out and reworks them by means of painting and drawing.Over the years, an archive has been created; it reveals a "grammar" of news images and invites us to examine the crisis reporting of television news in a critical way. This selection of over 100 images from the archive is accom- panied by contributions positioning Archive OneThirty from art-historical, philosophical, political-scientific and journalistic perspectives.

• Artistic exposure of media images and their rhetoric
• With contributions by Ernst van Alphen, Mieke Bal, James W. Davis, Antje Kapust, Ute Schaeffer, Ulrich Wilmes, and an introduction by Bernhart Schwenk

• Magnificent works of art reflecting ancient myths, models of animated sculptures, impressive scientific apparatus and automata from the Mediterranean and Islamic-Arab cultural spheres
• International authors reflect on current research into the history of science in conjunction with art technology

(English / German / Chinese)

The fourth volume in the planned catalogue raisonné of Michael Müller’s artistic work comprising over 40 volumes a unique project spanning decades – not only offers an overview of Müller’s painterly oeuvre, but also functions as an exhibition catalogue. It is dedicated to the monumental painting "Der geschenkte Tag", measuring over 6 x 65 m, which is being created for Michael Müller’s solo exhibition at the Städel Museum in Frankfurt, 2022. The 24-part painting as well as the exhibition as a whole elaborate on the Greek myth of the twins Castor and Pollux, the Dioscuri, which has received little attention from art history or philology and philosophy to date. In addition to the history of the works’ creation, a compilation of historical textual sources and an extensive interview with the artist, essays, and a lyrical composition by American literary scholar and translator Stanley Lombardo will update the story of the Dioscuri for the 21st century.
Accompanying essays by Hubertus von Amelunxen, Stanley Lombardo, Lukas Töpfer, Cora von Pape and Rudolf Zwirner, poems by Stanley Lombardo and Michael Krüger, a foreword by Svenja Grossewr and introductory words by Philipp Demandt.

Der vierte Band des mit über 40 Bände umfassenden geplanten Werkverzeichnisses des Künstlers Michael Müller – ein einzigartiges über Jahrzehnte angelegtes Vorhaben –, das einen Überblick über das malerische Œuvre Müllers bietet, fungiert zugleich als Ausstellungskatalog. Er ist dem über 6 x 65 m messenden monumentalen Gemälde Der geschenkte Tag gewidmet, das für Michael Müllers Einzelausstellung im Frankfurter Städel Museum 2022 entsteht. Das 24-teilige Gemälde sowie die Ausstellung arbeiten den griechischen Mythos um das Zwillingspaar Castor und Pollux, den Dioskuren, auf, der bisher sowohl von der Kunstgeschichte als auch der Philologie und Philosophie wenig beachtet wurde. Neben der Entstehungsgeschichte der Werke, einer Zusammenstellung historischer Textquellen und einem ausführlichen Interview mit dem Künstler wird in Essays und einer lyrischen Komposition des amerikanischen Literaturwissenschaftlers und Übersetzers Stanley Lombardo die Geschichte der Dioskuren für das 21. Jahrhundert aktualisiert.

Mit begleitenden Essays von Hubertus von Amelunxen, Stanley Lombardo, Lukas Töpfer, Cora von Pape und Rudolf Zwirner, Gedichten von Stanley Lombardo und Michael Krüger sowie einem Vorwort von Svenja Grosser und einem Grußwort von Philipp Demandt.

Der Bestandskatalog der Kunstsammlungen und Museen Augsburg präsentiert Hinterglasgemälde, die die Geschichte der europäischen Hinterglaskunst vom 16. bis ins 19. Jahrhundert auf höchstem Niveau dokumentieren. Gezeigt wird die große technische und künstlerische Bandbreite dieser Kunstform sowie deren europäische Bedeutung. Enthalten ist eine Dokumentation sämtlicher 153 neu erworbener Hinterglasgemälde aus der international bedeutenden Privatsammlung des Ehepaars Gisela und Prof. Wolfgang Steiner. Im Katalogteil werden die Werke ihren grafischen Vorlagen gegenübergestellt. Die Publikation enthält darüber hinaus Beiträge, die sich mit der Bedeutung der Hinterglaskunst sowie dem Sammlungsprofil der größten privaten Hinterglassammlung auseinandersetzen.

(German / Chinese)

Das innovative Kulturprojekt LOVE STORM verbindet zeitgenössische Kunst mit klassischer Musik und ist dem 50-jährigen Jubiläum der Aufnahme der diplomatischen Beziehungen zwischen China und Deutschland gewidmet. Es beteiligten sich Künstler/-innen aus Deutschland und China, aber auch aus anderen Nationen wie Kanada und der Ukraine. LOVE STORM regt eine wichtige und offene Dialogkultur mit sachlich-kritischen Reflexionen an. Das Wort LOVE steht für die zwischenmenschliche Haltung im globalen Bezug schlechthin. Die Berliner Künstlerin Mia Florentine Weiss will als Ausgleich zum digitalen „Shit Storm" mit ihren Ambigramm-Skulpturen ein offenes und rücksichtsvolles Miteinander in die Öffentlichkeit tragen. Ihre provokante Skulptur LOVE HATE ist ein Symbol für einen Perspektivenwechsel und zählt zu den am meisten fotografierten Kunstwerken im öffentlichen Raum.

Daran knüpft das Projekt LOVE STORM an. Es kulminiert in einem ganz besonderen deutsch-chinesischen Konzert in Berlin und anschließend in Beijing, deren teilnehmende Künstler/-innen im Buch vorgestellt werden. Der Band bietet darüber hinaus einen Blick hinter die Kulissen des Entstehungsprozesses sowie besondere Momente des Projekts.

• Begleitender Reader für ein Projekt, das den Kulturaustausch zwischen China und Deutschland befördert
• Der eigens komponierte Titelsong LOVE STORM kann mittels QR-Code im Buch heruntergeladen werden

Informel was the central artistic innovation in the art oft he 1950s and still remains influential today. The Research Center for Art Informel, which is dedicated to intensifying the rather sparse research in the area in recent years, has been part oft he Department of Art History oft he University of Bonn since 2019. A series of publications by the research center starting in 2022 documents ist projects and will provide an innovative contribution to research on Art Informel a global and transdisciplinary perspective. Current research contributions—in the form of both collections of essays and monographs—will thus primarily be published, along with important foreign-language source texts on Art Informel redacted in German translation.

German-English edition

The important, nearly forgotten German-Jewish museum expert and art collector Curt Glaser (1879–1943) was forced to emigrate by the National Socialists and sold the majority of his art holdings in Berlin in 1933. Through the whereabouts of works once owned by him, the Kunstmuseum Basel reached an agreement with Glaser’s heirs that is recognized internationally as “best practice,” and in connection with this is honoring Glaser’s work in an exhibition. The catalogue provides richly illustrated insights into Glaser’s fascinating collection, with works by Edvard Munch, Max Beckmann, and Henri Matisse. Essays link new research on this advocate of modernism and his collecting of modern art and embed his fate in current questions connected with formerly Jewish art holdings in public museums.

Deutsch-englische Ausgabe

Der bedeutende, fast vergessene deutsch-jüdische Museumsmann und Kunstsammler Curt Glaser (1879–1943) wurde von den Nationalsozialisten zur Emigration getrieben und verkaufte 1933 in Berlin den Großteil seines Kunstbesitzes. Über den Verbleib einst in seinem Besitz befindlicher Werke erzielte das Kunstmuseum Basel mit den Erben Glasers eine international als „best practise" anerkannte Einigung und würdigt aus diesem Anlass Glasers Wirken in einer Ausstellung. Der Katalog bietet einen reich bebilderten Einblick in Glasers faszinierende Kollektion mit Werken von Edvard Munch, Max Beckmann und Henri Matisse. Essays verbinden neue Forschungen über den Förderer der Moderne und das Sammeln moderner Kunst und betten sein exemplarisches Schicksal in aktuelle Fragen um ehemaligen jüdischen Kunstbesitz in öffentlichen Museen ein.

Dieses Buch ist eine bedeutende und längst überfällige Studie der Kunstwissenschaften aus einer dekolonialen Perspektive. Es stellt zunächst die Dekolonialität als Neudefinition der Moderne vor, bei der die Eroberung Amerikas und des Atlantiks im Mittelpunkt stand. Die Kunstwissenschaften der letzten 2.500 Jahre werden dann als Teil dieses europäischen kolonial-kapitalistischen Projekts der Subalternisierung und Abhängigmachung vermeintlich Anderer dargestellt, deren Methoden und Diskurse in ihrer Kolonialität herausgearbeitet. Indigene, afro-diasporische, lateinamerikanische und afrikanische Künstler und Gelehrte werden hinzugezogen, um unbekannte Perspektiven und einen universellen Kunstbegriff zu entwerfen, der gegen die assymetrischen Machtverhältnisse der eurozentrischen Kunstwissenschaften anzugehen vermag.

Im Fokus der Publikation steht das Verhältnis von bedürfnisorientierten Geschichtsbildern und künstlerischer Aneignung historischer Stile. Die Kongruenz von Re-Inszenierung oder Rekonstruktion und dem kollektiven Wunsch nach einem repräsentativen Abbild der eigenen Vergangenheit wird dabei unter dem Aspekt eines Zusammenwirkens von Zeitgeist, prägenden Akteuren und historisierenden Ideologien analysiert. Kritisch werden dabei unterschiedliche Dogmen beleuchtet, wie die Idee von der schönen weißen Antike, die bis in unsere zeitgenössische Vorstellung hineinwirkt. Farbrekonstruktionen können zwar helfen, unsere ästhetische Wahrnehmung zu hinterfragen, aber es bleibt offen, ob und wie wir angesichts neuer gesellschaftlicher Herausforderungen mit vorgefassten Meinungen umgehen wollen.

Francis La Flesche (1857–1932) lebte zwischen zwei Welten: Als Umonhon (Omaha) kämpfte er für deren Rechte, als Wissenschaftler erforschte er seine eigene Kultur. Er gilt als erster indigener Ethnologe Nordamerikas und steht stellvertretend für die vielen indigenen Akteur/-innen, ohne die ethnologische Sammlungen niemals entstanden wären. Die meisten dieser Personen sind uns nicht mehr bekannt, denn im Zentrum stehen bis heute die europäischen und nordamerikanischen Sammler/-innen. Francis La Flesche bildet eine Ausnahme: Seine Arbeit gibt einen Einblick in indigene Handlungsmacht und deren Widerstand gegen Rassismus und Kolonialismus sowie die aktive Teilhabe am Handel mit Objekten. Das Buch präsentiert zum ersten Mal La Flesches Aufzeichnungen über die Gegenstände, die er der 1894 ins heutige Ethnologische Museum nach Berlin gesandten Sammlung beigab – ein beeindruckendes Zeugnis seiner erfolgreichen Bemühungen, die Kultur der Omaha für künftige Generationen zu bewahren.

Die Fähigkeit von Bildern, ästhetische Normen zu unterlaufen und künstlerische Konventionen in Frage zu stellen, steht im Zentrum der Forschungen des Kunsthistorikers Jürgen Müller, dem diese Festschrift zum 60. Geburtstag gewidmet ist. Zahlreiche Beiträge langjähriger Weggefährtinnen und Weggefährten bieten neue Interpretationen bekannter und unbekannter Meisterwerke, in denen der erste Anschein sich oft genug in sein Gegenteil verkehrt.

Jürgen Müller ist seit 2003 Inhaber der Professur für Mittlere und Neuere Kunstgeschichte an der TU Dresden. Er hat maßgebliche Monographien und Studien zu Pieter Bruegel d. Ä., Rembrandt und Caravaggio verfasst und zahlreiche wissenschaftliche Sammelbände und Ausstellungskataloge herausgegeben. Weit über akademische Kreise hinaus bekannt wurde er durch seine Herausgeberschaft der Dekaden-Filmbände im Taschen Verlag.

Francis La Flesche (1857–1932) lebte zwischen zwei Welten: Als Umoⁿhoⁿ (Omaha) kämpfte er für deren Rechte, als Wissenschaftler erforschte er seine eigene Kultur. Er gilt als erster indigener Ethnologe Nordamerikas und steht stellvertretend für die vielen indigenen Akteur/-innen, ohne die ethnologische Sammlungen niemals entstanden wären. Die meisten dieser Personen sind uns nicht mehr bekannt, denn im Zentrum stehen bis heute die europäischen und nordamerikanischen Sammler. Francis La Flesche bildet eine Ausnahme: Seine Arbeit gibt einen Einblick in indigene Handlungsmacht und deren Widerstand gegen Rassismus und Kolonialismus sowie die aktive Teilhabe am Handel mit Objekten. Das Buch präsentiert zum ersten Mal La Flesches Aufzeichnungen über die Gegenstände, die er der 1894 ins heutige Ethnologische Museum nach Berlin gesandten Sammlung beigab – ein beeindruckendes Zeugnis seiner erfolgreichen Bemühungen, die Kultur der Omaha für künftige Generationen zu bewahren.

Vienna is one of the biggest art and culture metropolises in Europe. In addition to the imperial collections, numerous important collections emerged here, in particular starting in the seventeenth century and into the modern era. The biographies brought together here deal not only with viceroys, ministers of state and ambassadors, merchants, businessmen and bankers, but also with composers, painters, art dealers, and art historians. The focus is on collectors who are less well known today, who are documented in detail for the first time here based on contemporary sources. Among the central questions are the collectors’ motivations and acquisition strategies, as well as the preservation and presentation of the objects. Together, the biographies make an important contribution to a differentiated history of the culture of collecting, and simultaneously position Vienna in an overall European context.

This volume deals with knives and harvesting equipment in Central Europe from their first appearance until the first century of the Common Era. Knives have accompanied human beings since the Paleolithic and became useful tools, weapons, and status symbols over the course of the millennia. An epoch-transcending overview of all common types of knives is provided here for the first time.Harvesting equipment appeared with the new economy of the Neolithic period—first made of silex, then bronze, and finally sickles and scythes of iron. Cutting devices also include scissors, an innovative type of tool that revolutionized textile craft. Each type is described in detail, supplemented with information on dating and propagation as well as further literature.

Future Bodies from a Recent Past brings to life a hitherto little-noticed phenomenon in art and sculpture in particular: the reciprocal interpenetration of bodies and technology. With around 120 works by 60 artists—primarily from Europe, the USA and Japan—the exhibition is dedicated to the major technological changes since the post-war period and examines their influence on our notions of bodies. With contributions on topics such as the influence of changing production technologies, materialities, and concepts of the body, but also interdisciplinary considerations of body-technology relations, a multi-perspective history of contemporary sculpture will be outlined.

Beschützen, heilen oder bestrafen – diese Kräfte schrieben Menschen verschiedener Zeiten und Herkünfte den Bildwerken zu, die hier zum ersten Mal gemeinsam vorgestellt werden: sei es die Skulptur des Mangaaka aus der heutigen Republik Kongo, die Schutzgöttin Mahamayuri aus China oder die Maria auf der Weltkugel aus Süddeutschland. 45 Objekte aus zwei Berliner Museen, entstanden zwischen dem 4. und 19. Jahrhundert, vermitteln ein lebendiges Zeugnis der allgegenwärtigen Bedürfnisse nach Schutz und Orientierung bei der Bewältigung individueller oder gesellschaftlicher Krisen. Sie stehen für die Existenz einer nicht-sichtbaren Welt von Göttern, Geistern oder Ahnen und schufen eine Verbindung zwischen dem Diesseits und einer „anderen Wirklichkeit". Durch ihre museale Präsentation ist ihr Gebrauchszusammenhang oftmals verlorengegangen – ein Umstand, der von den Autor/-innen dieses Buches kritisch reflektiert wird.

Die Naga bilden eine Minderheit im Nordosten Indiens und im Nordwesten Myanmars – und bestehen zugleich aus über 30 verschiedenen Ethnien: drei bis vier Millionen Menschen, mit zahlreichen Sprachen. Wie gelingt es ihnen, ihre traditionellen Überlieferungen zu bewahren und in veränderte Lebensweisen zu integrieren? Wie passen moderne Tattoos, Mode und Social Media zusammen? Welche Rolle spielt die christliche Religion? Autor/-innen aus Nagaland beschreiben unterschiedliche Facetten ihrer gegenwärtigen und vergangenen Kultur und lassen die um zeitgenössische Gegenstände ergänzte Naga-Sammlung des Ethnologischen Museums Berlin in neuem Licht erscheinen. Die Künstlerin Zubeni Lotha veranschaulicht das heutige Leben der Naga in beeindruckenden Fotografien.

Die Vielgestaltigkeit von Lebensläufen während der Weimarer Republik, der Zeit des Nationalsozialismus bis zur ersten documenta 1955 in der noch jungen Bundesrepublik Deutschland stehen im Zentrum der Publikation. Die Biografien der Künstler*innen berichten von Verfolgungsschicksalen und abgebrochenen Karrieren, Widerstand und Anpassung. Daneben werden das Zeitgeschehen und institutionelle Bedingungen thematisiert. Zahlreiche Autor*innen beleuchten Themen, die seit einigen Jahren intensiv erforscht werden. Die gewählten Schwerpunkte orientieren sich an der Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte des Lenbachhauses. Damit ergibt sich ein Fokus auf die Kunststadt München, ergänzt durch prägende nationale und internationale Phänomene.

Ausstellung Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau
15. Oktober 2022–16. April 2023

A Japanese teahouse, an audio installation with Nigerian sounds, and a bronze flagpole divided in two: In the extensive areas of the Humboldt Forum in Berlin, it is possible to discover numerous, in part large-scale works of contemporary art. Artworks by artists from various societies of origin enrich the collections in the exhibitions of the Ethnological Museum and the Museum of Asian Art. In addition, seven works of art-in-architecture that deal with the history of the location or with the Humboldt Forum as a "place for the world’s cultures," encounters, and exchange, or are dedicated to Wilhelm and Alexander von Humboldt, for whom the institution is named, have been realized in the Humboldt Forum. This book presents the artworks in informative texts that are rich in associations as well as in impressive photographs.

• Insights into the entire Humboldt Forum´for the first time on the occasion of the full opening in the fall of 2022
• Contemporary art by artists from Asia, Africa, the Americas, and Europe behind baroque façades

The Naga form a minority in Northeast India and the northwest of Myanmar — and consist at the same time of thirty different ethnicities: three to four million people, with numerous languages. How do they manage to preserve their traditional history and integrate into altered ways of life? How do fit that together with modern tattoos, fashion, and social media? What role does Christianity play? Authors among others from Naga Land describe various facets of their contemporary and current culture and make the Naga collection of the Ethnological Museum in Berlin appear in a new light, supplemented with contemporary objects. The artist Zubeni Lotha shows the life of the Naga today in impressive photographs.

• Current topics such as fashion, tattoos, and social media in the life practice of the Naga, a minority in Northeast India

Future Bodies from a Recent Past brings to life a hitherto little-noticed phenomenon in art and sculpture in particular: the reciprocal interpenetration of bodies and technology. With 120 works by 59 artists—primarily from Europe, the USA and Japan—the exhibition is dedicated to the major technological changes since the post-war period and examines their influence on our notions of bodies. With contributions on topics such as the influence of changing production technologies, materialities, and concepts of the body, but also interdisciplinary considerations of body-technology relations, a multi-perspective history of contemporary sculpture will be outlined.

• Fascinating interlinking of the body and technology
• 120 works by 59 artists from Europe, the United States, and Japan

Max Liebermann (1847–1935) – Mitbegründer der Berliner Secession und langjähriger Präsident der Akademie der Künste – war einer der wichtigsten Künstler seiner Generation. Neben seinem beeindruckenden malerischen Werk spielt auch Liebermanns Druckgrafik eine wichtige Rolle: Über 600 Motive als Radierungen, Lithografien und Holzschnitte sind heute in Museums- und Privatsammlungen auf der ganzen Welt verteilt. Dieser Katalog bietet eine Einführung in Liebermanns druckgrafische Arbeiten anhand ausgewählter Werke aus der Sammlung der Max-Liebermann-Gesellschaft Berlin. Darüber hinaus werden die gängigen, druckgrafischen Techniken vorgestellt sowie die Entwicklung der Druckgrafik des bedeutendsten Vertreters des Impressionismus genauer beleuchtet. Fokussiert wird die Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte seiner druckgrafischen Blätter sowie die Erforschung dieser Werke heute.

Der Sammelband konturiert ein Forschungsprojekt am Angermuseum Erfurt und bildet den Auftakt zu einer Neubewertung des Erfurter Landschaftsmalers Friedrich Nerly (1807-1878), der seine Hauptschaffensjahre in Italien, v.a. in Venedig, verbrachte. Will man dem Phänomen Nerly gerecht werden, so gilt es, den Wandel der künstlerischen, wirtschaftlichen und sozialen Kontexte in den Blick zu nehmen. Nerlys Werk ist mit den innovativen Malpraktiken und Motivfindungen der frühen Pleinairmaler zu verbinden sowie mit Verkaufsstrategien, die auf den sich globalisierenden Kunstmarkt und Tourismus reagierten. Im Sinne der Kulturtransferforschung ergeben sich länderübergreifende Fragestellungen, z.B. nach Errungenschaften, die Nerly nach Italien brachte, oder Inspirationen, die er in seiner zweiten Heimat fand.

Im weitläufigen, 55 Hektar umfassenden Charlottenburger Schlossgarten laden drei Gebäude zum Besuch ein: das Belvedere, das Mausoleum und der Neue Pavillon. Sie gehören neben dem zentralen Alten Schloss mit dem unverkennbaren Kuppelturm, dem Neuen Flügel Friedrichs II., der Großen Orangerie und dem ehemaligen Theaterbau zu dem prachtvollen Ensemble, das als einziges in Berlin 300 Jahre höfische Kultur- und Gartengeschichte Brandenburg-Preußens präsentiert.

Franz Lenk (1898–1968) was one of the most well-known painters of Neue Sachlichkeit. The publication offers a current perspective on his oeuvre and artistic career. It poses questions not only about his artistic role models, but also about his worldview and how it is manifested in his painting. For instance, Lenk’s ambivalent position during the years from 1933 to 1945 is analyzed and assessed within the context of the events of the time. Biographical and art-historical insights, including about the group "Die Sieben" (The Seven) and his participation in the exhibitions of the Carnegie Institute in Pittsburgh in the 1930s, are incorporated into the presentation. The exhibition and catalogue present numerous works from twenty-four private and public collections in Germany and Switzerland.

Ein japanisches Teehaus, eine Soundinstallation mit nigerianischen Klängen, ein zweigeteilter Flaggenmast aus Bronze: Auf den weiten Flächen des Berliner Humboldt Forums sind zahlreiche, teils raumgreifende Werke zeitgenössischer Kunst zu entdecken. In den Ausstellungen des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst bereichern Werke von Künstler*innen aus verschiedenen Herkunftsgesellschaften die Sammlungen. Daneben wurden im Humboldt Forum sieben Werke der Kunst am Bau realisiert, die sich mit der Geschichte des Ortes oder mit dem Humboldt Forum als „Ort der Welt", der Begegnung und des Austauschs befassen oder die Namensgeber Wilhelm und Alexander von Humboldt würdigen. Dieses Buch stellt die Kunstwerke in informativen und assoziationsreichen Texten sowie eindrucksvollen Fotografien vor.

Im Auftrag des preußischen Prinzenpaares Wilhelm und Augusta gestaltete der exzentrische Fürst Hermann von Pückler-Muskau in der Mitte des 19. Jahrhunderts den Park Babelsberg in Potsdam, der zuvor von Peter Joseph Lenné angelegt worden war. Dank der jüngsten Rekonstruktion der Außenanlagen des gleichnamigen Schlosses und der vielfältigen Wasserspiele ist dieser faszinierende Landschaftspark gegenüber der Glienicker Brücke wieder in seiner vollen Schönheit zu erleben. Reich geschmückte Terrassen und ein üppig blühender Pleasureground bieten ebenso wie die sich über 20 Kilometer erstreckenden Spazierwege stets neue Überraschungen und großartige Einblicke in das Welterbe der Berlin-Potsdamer Parklandschaft.

Am südlichen Ausläufer des Thüringer Waldes, unweit der Grenze zu Franken, erhebt sich Schloss Bertholdsburg inmitten der thüringischen Kleinstadt Schleusingen. Ihren Namen erhielt die eindrucksvolle Renaissanceanlage nach Berthold VII., dem bedeutendsten Mitglied des Hauses Henneberg. Heute beherbergt sie das Naturhistorische Museum.

(Bilingual edition: English/ German)

Rubens’s The Crucifixion of Saint Peter still hangs today in the location for which it was created, in the parish church of St. Peter in Cologne. Thanks to the beneficence of the merchant Eberhard III Jabach and his wife, Anna Reuter, the painter from Antwerp produced this final, very personal picture at the end of his life. Until today, the painting continues to be shown in the location for which it was created. The occasion for an in-depth interdisciplinary engagement with this work was an examination of its condition in 2018, which led to the current examinations and the restoration of the work. Rubens’s The Crucifixion of Saint Peter is being honored for the first time with a monographic study that brings together insights from history, iconography, art-historical context, and the work technique.

Rubens’ Kreuzigung Petri hängt bis heute am Ort ihrer ersten Bestimmung, in der Pfarrkirche St. Peter in Köln. Die Kirche der Jesuiten ist zugleich Kunststation Sankt Peter Köln, deren Ursprünge in der Ankunft der Kreuzigung Petri liegen. Aus der Stiftung des Kölner Kaufmanns Eberhard III. Jabach und seiner Frau Anna Reuter schuf der Antwerpener Maler am Ende seines Lebens dieses letzte, sehr persönliche Bild für die Pfarrkirche seiner Kindheit und die Grabkirche seines Vaters. Bis heute wird die Kreuzigung Petri am Ort ihrer Bestimmung präsentiert. Anlass für die intensive, interdisziplinäre Beschäftigung mit diesem in jeder Hinsicht herausragenden Werk war eine Zustandsüberprüfung 2018, die zu den aktuellen Untersuchungen und der Restaurierung führte. Erstmals wird die Kreuzigung Petri von Peter Paul Rubens mit einer monografischen Studie gewürdigt, die die Erkenntnisse aus Geschichte, Ikonografie, kunsthistorischem Kontext und Werktechnik in deutscher und englischer Sprache zusammenfasst.

Protecting, healing, or punishing—people of various eras and origins have attributed such powers to the sculptures that are being presented together here for the first time: be it the sculpture of the Mangaaka from what is today the Republic of Congo, the protective goddess Mahamayuri from China, or the Maria on the globe from Southern Germany. Forty-five objects created between the fourth and the nineteenth century from two museums in Berlin provide a vivid testimony to the ever-present need for protection and orientation when dealing with individual or social crises. They represent the existence of an invisible world of gods, spirits, or ancestors, and create a connection between this world and a "different reality." As a result of how they are presented in museums, their context of use is, however, often lost—a situation that is reflected on by the authors of this book.

Objects that protect people and offer orientation in crisis situations — a universal topic in the history of humankind

Stars werden nicht geboren – sie werden gemacht. Das betrifft nicht nur Sport oder Unterhaltungsindustrie, sondern auch Museumsobjekte. Die Kunstwelt bietet vielfältige Beispiele dafür.

Ebenso ergeht es aber auch Sammlungsstücken in ethnologischen Museen: Einige machen Karriere, schaffen es zu einer gewissen Berühmtheit oder werden gar zu internationalen Ikonen, andere verbringen ihr „Museumsleben" weitgehend unbeachtet im Depot. Wie es dazu kommt und welche Faktoren entscheiden, ob aus einem Objekt ein Star oder ein Loser wird, damit beschäftigt sich diese Forschungsarbeit. Sie fragt anhand von bekannten wie auch unbekannten afrikanischen und ozeanischen Sammlungsgegenständen des Museums Fünf Kontinente in München nach ihrem „Making-of" und den Dynamiken in ihrer Wahrnehmung, Deutung und Wertschätzung.

• Satirical take on transhumanism, the future of humanity and technology
• Sketches and ideas for the Wonderland Incorporated trilogy

Hans Funk (1928–2002) made a name for himself as a draftsman starting in the 1960s and 1970s. From his beginnings in Art Informel, in his large-format pen-and-ink drawings he developed an extensive and independent oeuvre that oscillates betweenrenouncing and preserving form, between spontaneity and reflection. The artist lived and worked in Luneburg in Lower Saxony, thus far away from big cities and their art market protagonists. The volume now being published by his son Tobias Funk presents the development of his brilliant drawing art in eighty images. His drawing oeuvre is also described in detail in three art-historical essays.

(Bilingual edition: English / German)

CoBrA is one of the most important artist groups of Art Informel. The name is derived from the first letters of the three capital cities of Copenhagen, Brussels, and Amsterdam — the centers from which the CoBrA artists took action. Little is still known here in Germany about the concrete origins of the art movement. The exhibition and catalogue of the same name attempts a broad examination of the group’s origins: with the focus on the reconstruction of the movement prior to its official establishment in November 1948. It aims to present a representative cross-section of the movement that includes the largest possible number of artists as well as the greatest possible concentration of forms of expression and topics characteristic of the movement. Roughly fifty paintings, thirty sculptural works, fifty graphic reproductions and photographs as well as individual ceramics and textiles from international collections are presented.

First consideration of the origins of this art movement, which was so central to the development of the art of the twentieth century

CoBrA gehört zu den wichtigsten Künstlergruppen des Informel. Der Name leitet sich aus den Anfangsbuchstaben der drei Hauptstädte Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam ab – die Zentren, von denen aus die CoBrA-Künstler/-innen agierten. Über die konkreten Anfänge der Kunstbewegung gibt es hierzulande nur wenig Kenntnis. Die Ausstellung und der gleichnamige Katalog versuchen die Anfänge breit angelegt zu untersuchen: Im Fokus steht die Rekonstruktion der Bewegung vor der offiziellen Gründung im November 1948. Abgebildet werden soll ein repräsentativer Querschnitt der Bewegung, der sowohl eine möglichst hohe Anzahl an Künstler/-innen als auch eine möglichst hohe Dichte an für die Bewegung charakteristischen Ausdrucksformen und Themenkreisen umfasst. Präsentiert werden etwa 50 Gemälde, 30 skulpturale Arbeiten, 50 Grafiken und Fotografien sowie einzelne Keramiken und Textilien aus internationalen Sammlungen.

The painter and graphic artist Joseph Mader (1905-1983), who was shaped by his encounter with the works of Max Beckmann around 1928, was just beginning his career in 1933 and was thus confronted with the question of adapting and distancing himself. His isolation made him an artist of the "lost generation", who never had the chance to position himself in the art market prior to the "Third Reich". Mader continued his artistic career admidst the political discussions surrounding the art oft he postwar era as a figurative painter. He juxtaposed a love of "what is visible", the mysterious harmony of creation, with Beckmann’s hard-hitting view of the "objectivity" of the world. Mader’s life and work are an appeal to reassess thins generation’s evaluations of art and society.

Fotografien sind kulturhistorische oder zeitgeschichtliche Dokumente mit einem schier unerschöpflichen Themenspektrum und damit für Forschung und Vermittlung zentrale Informationsquellen. Doch auch als Form des Kunstschaffens wird die Fotografie zum Gegenstand von Sammlungen und vielbeachteten Ausstellungen. Der Band stellt die Stufen der technischen Entwicklung der Fotografie bis zur Gegenwart vor. Die Lichtbild-Techniken von den Anfängen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts werden in ihren Herstellungsverfahren beschrieben, die jeweiligen konservatorischen Problemstellungen skizziert und Maßnahmen vorgeschlagen. Nicht zuletzt widmet sich ein Beitrag den Aspekten der Langzeitarchivierung digitaler Bildaufnahmen. Die Publikation bietet übersichtlich und reich bebildert praktische Hilfen zur Identifikation und gibt Hinweise auf spezielle Risiken bei der Handhabung. Ausführliche Informationen zur Archivierung, Präsentation und zu konservatorischen Maßnahmen erleichtern den Umgang mit diesen empfindlichen Materialien.

Der beliebte Band liegt nun als durchgesehene, aktualisierte Auflage vor!

(Bilingual edition: Englsih / German)

• Revolutionary 360-degree portraits as facial landscapes
• Essential essays by the authors on the chronistic visual worlds of the Surfaces

Diesen Fotografien ist etwas Magisches zu Eigen; sie zeigen Gesichter, wie sie nie gesehen wurden – technisch hochgerüstet und archaisch zugleich. Die 360-Grad-Porträts des Künstler-Duos Koschies dekonstruieren gewohnte abendländische Ansichten. Sie organisieren sich auf keinen Fluchtpunkt hin, sondern ereignen sich restlos in der Fläche. Mit ihren faszinierenden Schlitzkamera-Aufnahmen betreten die Künstler neues visuelles Terrain. Nicht auf der Basis digitaler Manipulationen, sondern durch den gestalterisch eingesetzten Einfluss der Zeit bei der Aufnahme selbst. Wie seinerzeit die impressionistischen Darstellungen für die Wahrnehmung der akademisch geschulten Kunstbetrachter einen Schock bedeuteten, wirken diese Bildnisse als massive Herausforderung für die vorwiegend durch traditionelle Fotografie imprägnierten Augen der spätmodernen Adressaten.

Großformatiger Bildband mit Rundum-Porträts als Gesichtslandschaften. Essays von Sigrid Weigel, Klaus Honnef, Christoph Tannert zu den Bildwelten der Surfaces. Das Porträt betrachtet als eine radikale optische Expedition in die Perspektive der Zeit.

The eruption of Vesuvius in the year AD 79 signified a collective trauma; it revealed the fragility of the civilized world. Contemporaries explained the catastrophe from the perspective of the natural sciences or mythology; the later Christian population made attempts to interpret it from the viewpoint of religion. With the eruptions since the 17th century, a unique culture of piety developed in Naples, while, the natural science conducted as of the 18th century led to the erection of the first Vesuvius Observatory in the world. The people of Naples today find themselves in a field of tension between religion and science due to the ongoing threat. This volume is dedicated to the search for explanations, meaning, and hope—despite the uncontrollable threat—based on the example of numerous works of painting, sculpture, and craft.

Das Set enthält die Bände Nordrhein-Westfalen I Rheinland (2005) und Nordrhein Westfalen II Westfalen (2016). Beide Bände umfassen in gewohnt alphabetischer Folge Städte und Ortschaften, oft mit Einleitungen zu ihrer Geschichte und Gestalt, Einzelobjekte mit Schilderungen ihrer Baugeschichte, Architektur, Ausstattung und kunsthistorischen Stellung sowie umfangreiches Karten- und Planmaterial.

Rheinland: Der Band trägt dem Wandel der Handelsstädte, weltlichen Residenzen und geistlichen Zentren durch die Umwälzungen im 19. Jahrhundert sowie den Veränderungen und Verlusten in Folge des Zweiten Weltkriegs Rechnung. Neben gut erhaltenen Kleinstädten auf dem Land stehen durch die Industrialisierung geformte Stadtlandschaften im westlichen Ruhrgebiet sowie von Zerstörung und Wiederaufbau gezeichnete Stadtkerne. Einzigartige mittelalterliche Kirchenbauten wie die Dome in Köln, Aachen oder Essen werden ebenso gewürdigt wie zentrale Bauten des modernen Kirchenbaus. Neben Burgen und Schlössern werden Industrieanlagen,Verkehrsbauten und das ehemalige Regierungsviertel in Bonn eingehend beschrieben.

Westfalen: Der Dehio Westfalen gibt eine Übersicht über die wichtigsten Bau-und Kunstdenkmäler des nordöstlichen Landesteils von Nordrhein-Westfalen. Neben den traditionellen Denkmälernfinden weitere Denkmalgruppen angemessene Berücksichtigung: bäuerliche und bürgerliche Privatarchitektur, Bauten des Historismus und des 20. Jahrhunderts, Hinterlassenschaften der Industrie sowie Gärten.

Im Frühjahr 1797 erwarb der Schriftsteller Christoph Martin Wieland (1733–1813) das Gut Oßmannstedt, das er bis April 1803 mit seiner großen Familie bewohnte und bewirtschaftete. Hier entstand sein letzter großer Roman, „Aristipp und einige seiner Zeitgenossen". Wieland empfing hier zahlreiche Besucher, neben Goethe, dem Ehepaar Herder und der Herzogin Anna Amalia, die aus dem nahen Weimar kamen, seine Jugendliebe Sophie von La Roche mit ihrer Enkelin Sophie Brentano, die Schriftsteller Jean Paul, Heinrich von Kleist, Johann Gottfried Seume und viele mehr. Der Band erzählt die Geschichte von Haus und Park des Wielandguts Oßmannstedt und folgt der Ausstellung im Wieland-Museum, die in Leben und Werk von Christoph Martin Wieland einführt und seine Bedeutung für die deutsche Literatur zeigt.

Die Raumskulptur von 1963 des Künstler Zoltan Kemeny im Glasfoyer der Städtischen Bühnen Frankfurt am Main prägt das Gesicht des Hauses. Von weit her sichtbar, kontrastiert das über 100 Meter lange Kunstwerk in seiner organischen Dynamik und betonten Handwerklichkeit mit der Architektur des Gebäudes. Aufbauend auf neuen Forschungen stellt das Buch Künstler, Kunstwerk und die Genese und Rezeption des den Frankfurtern ans Herz gewachsenen Werks in Text und Bild vor. Neue studentische Entwürfe zeigen unterschiedliche Optionen auf, wie der Erhalt des vor kurzem unter Denkmalschutz gestellten Werkes mit einer konzeptionellen Revision der Städtischen Bühnen Hand in Hand gehen können

Wie viele Künstlerinnen wurde auch Lotte Laserstein (1898–1993) lange von der Kunstgeschichte ignoriert. Aufgrund ihrer jüdischen Herkunft musste die Malerin, die als eine der ersten Frauen ein Akademiestudium absolviert hatte und im Berlin der 1920er-Jahre erste Erfolge feierte, 1937 nach Schweden emigrieren. In Deutschland geriet sie für Jahrzehnte in Vergessenheit.

Vor dem Hintergrund aktueller Debatten zu Gender und Diversität beeindruckt vor allem Lasersteins souveräner Blick auf die großstädtischen, selbstbewussten Frauen ihrer Zeit. Thematisch stehen ihre Bildnisse und Akte der Neuen Sachlichkeit nahe, doch sind Lasersteins Darstellungen frei von unterkühlter Glätte und bissiger Schärfe. Vielmehr zeichnet sich ihr Realismus durch einfühlsame Beobachtung, malerische Sinnlichkeit sowie ein raffiniertes Spiel mit traditionellen und modernen Bildformeln aus.

This volume examines periodic changes in color design in medieval churches during the 19th and 20th century. What thus catches the eye is the alternation of phases that brought forth sacred spaces with reduced color and even visible stone and such spaces that strove for colorfulness. The ideologies that stand behind this process are analyzed by considering exemplary restoration measures in individual church buildings against the backdrop of the respective self-conception of monument maintenance, but also more general societal notions. It is shown how much artistic design is inherent in the practice of preserving.

Spektakuläre Restitutionen hochpreisiger Kunstwerke haben in der Öffentlichkeit den Eindruck erweckt, bei den in der NS-Zeit den jüdischen Bürger/-innen geraubten Gegenstände handele es sich nahezu ausschließlich um Kunstgegenstände und Objekte von hohem Wert. Das Gegenteil ist der Fall: Die meisten entzogenen Besitztümer waren Dinge des täglichen Lebens, Möbel, Wäsche oder banale Haushaltsgegenstände. Und sie landeten nicht nur in Behörden oder Museen, sondern auch in privaten Haushalten. Wie sollen Museen mit Gegenständen umgehen, die – angeblich – aus jüdischem Eigentum stammen und die ihnen nun oft von Nachkommen der Erwerberinnen und Erwerber angeboten werden? Stimmt die Familienüberlieferung? Kann man sie überprüfen? Und sollen Museen solche belasteten Gegenstände überhaupt annehmen?

2020 wurde der 75. Jahrestag der Befreiung von Auschwitz gefeiert.Gleichzeitig verschwinden unaufhaltsam die letzten Überlebenden, während in Auschwitz Phänomene des Massentourismus wahrzunehmen sind. Angesichts dieses Umbruchs ist es wichtig, den Begriff der Erinnerung zu diskutieren und auch zu fragen: Was sehen dort die vielen Besucher? 2017 und 2018 hat Frédéric Mougenot die beiden Vernichtungslager sowie die Orte des sogenannten Interessengebietes fotografiert, welches nach 1945 größtenteils vergessen wurde. So zeigt sich in den Fotografien auch eine unsichtbare Grenze, welche Erinnerungskultur von schrittweisem Verschwinden trennt.

(Bilingual Edition: English / German)

Hanna Nagel’s focus as an artist was on drawing and graphic prints. Like no other woman artist of her time, she examined the relationship between men and women as well as the problematic balancing act between professional work and motherhood. Her work following her studies in Karlsruhe was at first characterized by objective precision. With her move to Berlin, she, however, distanced herself from the stringent drawing style of Neue Sachlichkeit. The oft-biographical works executed with a brush and pen in Indian ink are formally more complex and painterly, whereby the impression of these so-called "Dunkle Blätter" (Dark Works) corresponds to the narratively and symbolically charged topics chosen. The focus of the exhibition and catalogue is on the works of the 1920s and the early 1930s.

• Rediscovering an outstanding draftswoman and graphic designer of Neue Sachlichkeit and a pioneer of feminist art

• Wiederentdeckung einer herausragenden Zeichnerin und Grafikerin der Neuen Sachlichkeit und Pionierin feministischer Kunst

• Ausstellung: Kunsthalle Mannheim, 8.4.-3.7.2022

Der bedeutende, fast vergessene deutsch-jüdische Museumsmann und Kunstsammler Curt Glaser (1879–1943) wurde von den Nationalsozialisten zur Emigration getrieben und verkaufte 1933 in Berlin den Großteil seines Kunstbesitzes. Über den Verbleib einst in seinem Besitz befindlicher Werke erzielte das Kunstmuseum Basel mit den Erben Glasers eine international als „best practise" anerkannte Einigung und würdigt aus diesem Anlass Glasers Wirken in einer Ausstellung. Der Katalog bietet einen reich bebilderten Einblick in Glasers faszinierende Kollektion mit Werken von Edvard Munch, Max Beckmann und Henri Matisse. Essays verbinden neue Forschungen über den Förderer der Moderne und das Sammeln moderner Kunst und betten sein exemplarisches Schicksal in aktuelle Fragen um ehemaligen jüdischen Kunstbesitz in öffentlichen Museen ein.

Die St. Paulikirche beeindruckt durch den Bau, was u.a. Emil Nolde, Christina Rohlfs und Eberhard Viegener zu imposanten Zeichnungen und Gemälden veranlasst hat, und verfügt über eine reiche Ausstattung u.a. mit historischen und neuzeitlichen Chorstatuen, einem Altarretabel, einem gotischen Sakramentshäuschen, einem eindrucksvollen Orgelprospekt. Darüber hinaus dient die St. Paulikirche seit 2009 als Kolumbarium, einer Urnenbegräbnisstätte.

(bilingual edition: English / German)

The "Frauen- und Carolinenbad" bathing facility was opened in Baden near Vienna in 1821. Two hundred years after this event, which was significant from the perspective of both culture and economic and architectural history, this book documents the history of the planning and construction of the building, which has been dedicated to the painter Arnulf Rainer since 2009.

The Frauenbad is one of the most important Classical buildings in Austria. Its designer, the Frenchman Charles de Moreau (1758–1840), was one of the leading architects of this epoch in Austria. The book communicates the results of new research on the architecture of this key European period between the Enlightenment, revolution, and reaction.