Music

This book considers the story of Nero and Octavia, as told in the pseudo-Senecan Octavia and the works of ancient historiographers, and its reception in (early) modern opera and some related examples of other performative genres. In total the study assembles more than 30 performative texts (including 22 librettos), ranging chronologically from L'incoronazione di Poppea in 1642/43 until the early 20th century, and provides detailed information on all of them. In a close examination of the libretto (and dramatic) texts, the study shows the impact and development of this fascinating story from the beginnings of historical opera onwards. The volume demonstrates the various transformations of the characters of Nero and his wives and of the depiction of their relationship over the centuries, and it looks at the tension between “historical” elements and genre conventions. The book is therefore of relevance to literary scholars as well as to readers interested in the evolution of Nero’s image in present-day media.

Perfect Harmony and Melting Strains assembles interdisciplinary essays investigating concepts of harmony during a transitional period, in which the Pythagorean notion of a harmoniously ordered cosmos competed with and was transformed by new theories about sound - and new ways of conceptualizing the world. From the perspectives of philosophy, literary scholarship, and musicology, the contributions consider music's ambivalent position between mathematical abstraction and sensibility, between the metaphysics of harmony and the physics of sound. Essays examine the late medieval and early modern history of ideas concerning the nature of music and cosmic harmony, and trace their transformations in early modern musico-literary discourses. Within this framework, essays further offer original readings of important philosophical, literary, and musicological works. This interdisciplinary volume brings into focus the transformation of a predominant Renaissance worldview and of music's scientific, theological, literary, as well as cultural conceptions and functions in the early modern period, and will be of interest to scholars of the classics, philosophy, musicology, as well as literary and cultural studies.

In diesem Band wird erstmals das reichhaltige musikwissenschaftliche Editionswesen in historisch-systematischer Perspektive vorgestellt, das in Deutschland vor allem von den renommierten Musiker-Gesamtausgaben geprägt wird. Der Band vereint in chronologischer Folge geschichtliche Abrisse der editorischen Entwicklung zahlreicher Komponisten-Ausgaben von Notre-Dame bis Hanns Eisler und bietet damit nicht nur Einblicke in die jeweiligen Editionsprinzipien, sondern arbeitet darüber hinaus auch allgemein die Geschichte der Musikedition im jeweiligen historischen Kontext auf. Damit erfüllt der Band ein vielfach beklagtes Desiderat sowohl in der musik-, als auch in der editionswissenschaftlichen Forschungslandschaft. Als Autoren konnten führende Persönlichkeiten aus den einschlägigen Editionsinstituten gewonnen werden.

Das Musikschrifttum des Mittelalters ist reich an Begriffen, die sich auf ‚gentes‘ oder ‚nationes‘ wie Itali, Suevi oder Angli beziehen und die Musik bestimmter kultureller Kontexte kritisieren, loben oder einfach beschreiben. Solche Textstellen sind zum einen aufschlussreich für die Tiefen- oder Vorgeschichte des musikalischen Nationalismus, zum anderen liefern sie wertvolle Hinweise auf die geografisch-politische Binnenstruktur der mittelalterlichen Musik, deren regionale Komponenten häufig unterbelichtet blieben. Doch die jeweilige Bedeutung der Nationes- und Gentes-Begriffe ist wegen der starken Interdisziplinarität der Fragestellung bislang nie systematisch untersucht worden. Das vorliegende Buch, das die Ergebnisse eines von der DFG geförderten Forschungsprojektes zusammenfasst, hat sich zum Ziel gesetzt, diese Bedeutung für sämtliche Belege des Musikschrifttums zwischen 800 und 1400, soweit möglich, freizulegen und dabei auch jeweils der Frage nachzugehen, ob, und wenn ja welche, konkrete realhistorische - musikalische oder politische - Anbindung die Verwendung der Gemeinschaftsbegriffe besaß. Dass eine solche Anbindung besteht, ließ sich sogar in mehr Fällen plausibel machen, als zunächst vermutet wurde.

Durch den musikhistorischen Umbruch der zweieinhalb Jahrzehnte nach 1760 ist eine 'Epoche' bezeichnet, die gewissermaßen einen Januskopf der musikwissenschaftlichen Forschung darstellt. Einerseits ist sie oft diskutiert, andererseits aber im Blickwinkel einer idealistischen Teleologie autonomer Musikgeschichtsschreibung gern als 'Durchgangsstadium' marginalisiert und mit einer wenig hilfreichen Nomenklatur belegt worden (Sturm und Drang, Vorklassik). Vor diesem Hintergrund stellt das Buch den (auch methodisch ungewöhnlichen) Versuch einer grundlegenden Konzeptualisierung unter dem Begriff des 'Monologischen', also jenseits geläufiger terminologischer Raster dar. Dabei sollen vor allem Ergebnisse der literar- und ästhetikgeschichtlichen Forschung unmittelbar musikhistorisch nutzbar gemacht werden, um umgekehrt den musikhistorischen Wandel dezidiert in ein kulturgeschichtliches Panorama der Epoche einbinden zu können. In dem auf die nord- und mitteldeutsche Situation konzentrierten Aufriß geht es darum, die veränderten sozialhistorischen Bedingungen zu beschreiben sowie die zentralen neuen ästhetischen Paradigmen zu definieren. Ausgehend davon wird, dies ist eines der wichtigsten Anliegen des Buches, in einzelnen gattungsbezogenen Analysen (etwa von Werken G.Ph. Telemanns, C.P.E. Bachs, J.H. Rolles oder Chr.W. Glucks) eine direkte Verbindung zur Kompositionsgeschichte gezogen. Eine Vielzahl bisher unbekannter Quellen konnte erstmals ausgewertet werden.

Die Edition musiktheatraler Texte gehört zweifellos zu den schwierigeren Aufgaben im Bereich des musikalischen Editionswesens. Dass heute immer noch Grundsatzfragen verhandelt werden, ist ein deutliches Indiz für ein fortbestehendes Forschungsdesiderat, das bereits in den 1980er Jahren von der neuen Disziplin der „Librettologia“ formuliert wurde und die das Bewusstsein für diese Textsorte geschärft hat. Vor diesem Hintergrund versuchte das interdisziplinäre Symposium (2012), dessen Bericht hier vorliegt, eine Art Bestandsaufnahme der verschiedenen methodologischen Ansätze in Literatur- und Musikwissenschaft, aber auch angesichts nationaler Prägungen des editorischen Umgangs mit musiktheatralen Texten. Entsprechend breit ist das Spektrum der behandelten Operntexte vom 17. bis ins 20. Jahrhundert. Besonderes Augenmerk liegt einerseits auf dem Ineinandergreifen von Dialog, Gesang, Tanz und Bühne, andererseits auf dem Nebeneinander editorischer Darstellungsmedien von der konventionellen Buchform über hybride bis hin zu rein digitalen Präsentationsformen. Insofern ist das Buch sowohl für traditionell operierende Editionsphilologen wie auch für Vertreter der Digital Humanities von Interesse.

Das deutsche "Barocklied" unterscheidet sich vom "Volkslied" durch den unverzichtbaren Generalbaß und durch die speziellen Ansprüche von Text- und Melodieverfassern, die den ungeregelten Gebrauch ihrer Arbeiten verabscheuten. Außerdem verlief das neue weltliche und geistliche Lied keineswegs immer einstimmig. Das ad libitum-Verfahren erlaubte wechselnde Satzdichten. Die "Canzonette" steht als Strophenmadrigal gewissermaßen "rechts" am Rande des Liedbereichs, der "Thon" oder die anonyme Modellweise "links". Dazwischen erstreckte sich eine Fülle von Formen und Stilen. Der derbe Lebensvollzug, dem die Volkskunde nachgeht, wird durch subtilere Aufgaben in Romanen, Dramen und Festspielen ergänzt. Martin Opitz schuf die literarischen Muster. Doch die kompositorische Umsetzung erwies sich als schwierig, denn die eine Musikstrophe kann den gedanklichen Fortgang der Textstrophen nicht mitvollziehen. Das italienische Verfahren der "Durchkomposition" mittels beibehaltenem Baßmodell widersprach der deutschen Liedtradition und den neueren westlichen Einflüssen. Aus den ungezählten Autoren der Gelegenheitskunst ragen die Organisatoren und Poeten Johann Rist und Philipp von Zesen heraus. Aber überall stößt die Systematik angesichts der deklamatorischen Möglichkeiten der "Monodie", der begleitenden oder gliedernden Melodieinstrumente und der Gebote des Kontrapunkts an Barrieren. Der Ausweg heißt: "Eingrenzung und Einzelanalyse".

Obwohl die Forschung Jacques Offenbach (1819-1880) für sich neu entdeckt hat, wird sein Theater primär durch die Soziologenbrille Siegfried Kracauers wahrgenommen, wenn nicht gar indoktriniert. Die Vorstellung von Gesellschaftskritik in Form von "Parodie" und "Satire" dominiert seither die Rezeption, die in der deutschsprachigen Theaterpraxis zudem durch die Übersetzungsproblematik wie durch die gängige Überzeugung belastet ist, Offenbachs Stücke bearbeiten zu müssen. Dabei sind viele Texte besser als ihr Ruf. Um sie angemessener verstehen und historisch gewichten zu lernen, waren Ort und Zeit ihrer Entstehung neu zu befragen - eine Zeit, welche ein jahrhundertumspannender, Politik, Kirche, literarisches Leben und Öffentlichkeit permanent erregender Moraldiskurs prägt. Die in ein veritables Moral(isierungs)theater mündende Sittenkomödie ist ihr theatraler Beitrag, der in Alexandre Dumas fils, dem Propagandisten eines "nützlichen Theaters", seinen hervorragensten Repräsentanten gefunden hat. Daß Dumas fils und Offenbach nicht nur auf privater, sondern auch auf ideeller Ebene mehr verband als bisher vermutet, soll mit paradigmatischen Stücken belegt werden. Fünf frühe Einakter sind ausgewählt, auf die moralische Disposition im Offenbachschen Schaffen aufmerksam zu machen. Den Kern der Untersuchung bildet jedoch die Zusammenschau von fünf großen Werken, opéras bouffes von »Orphée« bis »Barbe-Bleue«, mit denen auf seiten einer fortschrittlichen Moral und konzeptionell progredierend in den Moraldiskurs eingegriffen wird.

Walter Felsenstein (1901-1975) war neben Wieland Wagner der bedeutendste Opernregisseur der frühen Nachkriegszeit. Die dramaturgische Vorbereitung seiner Inszenierungen an der Berliner Komischen Oper ist bis heute vorbildhaft geblieben. Das Ideal einer Einheit der Handlung und ihrer strenge Kausalität, die Suche nach einer Vorgeschichte und die realistische Beglaubigung der Musik innerhalb der Bühnenhandlung ist seinen Regiearbeiten ebenso gemeinsam wie ein Verständnis der dramatischen Charaktere als frei handelnde, autonome Individuen. Der Regisseur mobilisierte alle Wirkungsmittel der Bühne, um das Opernrepertoire dem vom Bildungsbürgertum und den Ideologen des sozialistischen Realismus gleichermaßen verabsolutierten "Drama der geschlossenen Form" anzunähern. Felsensteins Inszenierungen verzichteten auf Experimente und Kritik an dem "kulturellen Erbe", an das der Sozialismus in der DDR anzuknüpfen gedachte. Felsensteins Sarastro ("Die Zauberflöte") ist wie die Titelfigur seiner Inszenierung von Offenbachs "Hoffmanns Erzählungen" ein aktiv handelndes Individuum, das analog zum "positiven Helden" seine historische Mission erkennt. Felsenstein machte ein künstlerisch perfektioniertes Theater, das indirekt eine politische Funktion wahrnahm und so zum Aushängeschild der DDR-Kulturpolitik werden konnte. Anhand exemplarischer Inszenierungen und mit Hilfe erhaltener Regiebücher, Bearbeitungen, Notate oder Szenarien rekonstruiert dieses Buch Felsensteins von inneren Widersprüchen nicht freies Theaterkonzept seines "realistischen Musiktheaters".

Die Opern-Diskographie von Karsten Steiger ist das Standardwerk im Bereich der Audio- und Video-Gesamtaufnahmen. Die zweite Ausgabe – mit mehr als verdoppeltem Umfang – verzeichnet alle Operneinspielungen, die seit den ersten Gesamtaufnahmen zu Anfang des 20. Jahrhunderts bis heute unter einem Label erschienen sind. Geordnet nach Komponisten und dem Datum der Uraufführung werden über 12.500 Gesamtaufnahmen mit weiteren diskographischen Angaben erschlossen. Register zu Opern, Dirigenten und Sängern bieten Zugang zu mehr als 2.100 Werken und beinahe 20.000 Personen.

Pluspunkte:

• umfangreichstes Verzeichnis von Opern-Gesamtaufnahmen
• 12.500 Gesamtaufnahmen von über 2.100 Werken
• Opern-, Dirigenten- und Sängerregister bieten Zugang zu mehr als 2100 Werken und beinahe 20.000 Personen
• mehr als verdoppelter Umfang gegenüber der Ausgabe von 1999

The music reviews of Robert Schumann and Richard Wagner are central documents of 19th-century German musical culture. This book takes a closer look at the way these texts were written and explores the significant contributions Schumann and Wagner made to the discourse of musical appraisal. To that effect, the author raises fundamental questions that have thus far remained unaddressed: What textual features characterize the critical writings? How do Schumann and Wagner understand their roles as critics of music? And in what way do they reach out to the reader?

Rather than understanding these critical writings exclusively as a gateway to the compositions and musical aesthetics of Schumann and Wagner, this book analyzes the texts through the lens of pragmatics, narratology and discourse analysis. Using this interdisciplinary perspective, the author proposes to understand Schumann and Wagner within the broader medial and discursive context of German ‘Kritik’. He challenges the dominant narrative that brands Schumann and Wagner as elitist Romantic critics, demonstrating instead that they actively encourage their readers to form their own judgements. This volume is an indispensable resource for scholars of German literature, periodicals and music alike.

Nostalgiefilter aus, Forschungsbrille auf: Wenn Fans zu Forschenden werden, sind Grenzüberschreitungen inklusive. Citizen Science ermöglicht diesen Seiten- und Perspektivwechsel, der sowohl in der Wissenschaft als auch in der Bürger:innenschaft zu einem produktiven Wissens- und Erfahrungsaustausch führt.

Unter dem Titel #KultOrtDUS arbeiten Medien- und Kulturwissenschaftler der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf gemeinsam mit Bürger:innen an dem Aufbau eines Archivs der Medienkulturgeschichte Düsseldorfs. Düsseldorf als Zentrum von Punkmusik, New Wave und Aktionskunst fungiert dabei als urbanen Forschungsfeld, auf dem die Disziplin der „Citizen Science" wissenschaftspraktisch ausprobiert wird.

Die Publikation fasst erste Ergebnisse dieses Forschungsprojekts zusammen, indem sie sich auf die Spurensuche zwischen Fans, Prosumer:innen, Bürger:innen und Urban Legends begibt und Perspektiven der Citizen Science- an die Fanforschung anknüpft. Den wissenschaftlichen Meta-Diskurs begleitet ein illustrativ-experimenteller Ansatz, der das kreative Potenzial aus der Forschung im Umfeld von Citizen Science sichtbar macht.

Nachdem das aus dem Musikfernsehen bekannte Musikvideo inzwischen eine fast vierzig Jahre dauernde Geschichte vorweist, ist eine zentrale Frage, ob es immer noch gewinnbringend als Produkt einer "Kulturindustrie" lesbar ist. Dieser Band erprobt einen neuen interpretativen Ansatz, der Musikvideos als Produkte eines hybridisierenden, intermedialen und Genregrenzen überschreitenden Diskurses begreift.

Während das Musikvideo eine spezifische audiovisuelle Form darstellt, die im Kontext des Musikfernsehens der 1980er erprobt, raffiniert und kommerzialisiert wurde, liegen seine Wurzeln in den audiovisuellen Experimenten von Avantgarde-Künstler*innen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts und transportierte damit immer auch ein ästhetisch subversives Moment.

Dieses Moment kommt in seiner Fähigkeit zum Ausdruck, sich in bestehende Diskurse einzuklinken, diese zu ästhetisieren und umzudeuten. Das Musikvideo ist zum einen an einer popkulturellen Umdeutung des Alltags beteiligt, zum anderen kommen in ihm häufig wieder Bezüge zu künstlerischen und avantgardistischen Produktionsweisen zum Vorschein, die dadurch popularisiert werden. Diese bisher wenig erforschte Perspektive auf das Musikvideo soll in diesem Band untersucht werden.     

Musikfilme und die Präsentation von Musik im bewegten Bild haben eine lange Tradition in der Filmgeschichte. Sie reichen zurück bis in die Frühzeit des (Stumm-)Films, der bereits musikalische Darbietungen und Auftritte bebilderte und in Narrationen einwebte. Etwa in Filmmusicals, Soundies oder avantgardistischen Klang-Bildspielen werden spätere Entwicklungen für populäre Musikfilme und Musikvideos vorweggenommen. Ob, inwieweit und in welcher Form in diesen frühen Film- und Bewegtbildern mit und über Musik Jugendlichkeit und Jungsein bereits als Bezugsrahmen auftaucht, ist eine zu klärende Frage des vorliegenden Sammelbandes. Musikfilme weisen inhaltlich wie ästhetisch eine große Bandbreite auf, die sich im historischen Verlauf parallel zur Entwicklung von Jugend- und Musikkulturen ausdifferenziert hat. Der Sammelband möchte vor dem Hintergrund dieser und anderer Entwicklungen in der audiovisuellen Darstellung und Erzählung im Spannungsfeld von Musik, Film und Jugend eine Bestandsaufnahme aktueller Forschungsfragen aufarbeiten.

Innerhalb einer akustisch konfigurierten Architektur sind Audiotechnologien im Tonstudio zu einem komplexen Medienverbund verschaltet und bilden die apparative Struktur eines sound-ästhetischen Dispositivs. Maßgeblich in der Popkultur hat sich hier eine Fetischisierung des Soundmaterials und damit gleichzeitig auch der Apparate selbst entwickelt. Ästhetische Idealvorstellungen richten sich so auf ein (sonisches) Objektbegehren, das in Verbindung mit der Raumlogik der Produktionsorte oft eine eigene Semantik erzeugt. Ziel dieser Untersuchung ist es daher, das Tonstudio als einen durch die Struktur des Mediendispositivs bedingten Aktionsraum und Repräsentation einer klangkulturellen Ordnung zu verstehen. Dabei wird speziell nach Räumen gefragt, die das Studio als Tonfabrik und damit auch etablierte Machtarchitektur zu überwinden versuchen. Daran lässt sich eine zunehmende Demokratisierung erkennen, die mit der Eroberung des Produktionsraums und der Selbstermächtigung über den Sound des eigenen Werkes durch den Musiker zusammenfällt. Dementsprechend löst sich die Architektur des Tonstudios von einer Ästhetik der Industriegesellschaft ab und erscheint nunmehr im Zeichen einer durch Flexibilität markierten neoliberalen Ökonomisierung.

This title from the De Gruyter Book Archive has been digitized in order to make it available for academic research. It was originally published under National Socialism and has to be viewed in this historical context. Learn more here.

Dieser Titel aus dem De Gruyter-Verlagsarchiv ist digitalisiert worden, um ihn der wissenschaftlichen Forschung zugänglich zu machen. Da der Titel erstmals im Nationalsozialismus publiziert wurde, ist er in besonderem Maße in seinem historischen Kontext zu betrachten. Mehr erfahren Sie hier.

Kirchen-, musik- und literaturgeschichtlich sind die »Hallischen« Lieder bzw. Melodien des »Geist=reichen Gesang=Buches« (erstmals Halle 1704) noch heute ein Begriff. Nach dem Herausgeber das »Freylinghausensche Gesangbuch« oder kurz der »Freylinghausen« genannt, wurde diese zweiteilige Anthologie mit ihren zahlreichen Einzelausgaben sowie ihrem oft aufgelegten »Auszug« aus beiden Teilen (zuerst 1718) und ihren beiden Gesamtausgaben (1741 und 1771) zur einflussreichsten Liedsammlung des Pietismus, auf die noch eine ganze Reihe von Texten und Melodien in Gesangbüchern unserer Zeit zurückgeht. Dieses heute schwer zugängliche Schlüsselwerk frühneuzeitlicher evangelischer Gesangbuchliteratur soll mit der geplanten, hier mit dem ersten Band vorgelegten Edition sowohl der hymnologisch-kirchengeschichtlichen wie der musikwissenschaftlich-philologischen Forschung und Lehre als auch der kirchenmusikalischen Ausbildung und Praxis verfügbar gemacht werden.

Our modern narratives of science and technology can only go so far in teaching us about the death that we must all finally face. Can an act of the imagination, in the form of opera, take us the rest of the way? Might opera, an art form steeped in death, teach us how to die, as this provocative work suggests? In Opera: The Art of Dying a physician and a literary theorist bring together scientific and humanistic perspectives on the lessons on living and dying that this extravagant and seemingly artificial art imparts.

Contrasting the experience of mortality in opera to that in tragedy, the Hutcheons find a more apt analogy in the medieval custom of contemplatio mortis--a dramatized exercise in imagining one's own death that prepared one for the inevitable end and helped one enjoy the life that remained. From the perspective of a contemporary audience, they explore concepts of mortality embodied in both the common and the more obscure operatic repertoire: the terror of death (in Poulenc's Dialogues of the Carmelites); the longing for death (in Wagner's Tristan and Isolde); preparation for the good death (in Wagner's Ring of the Nibelung); and suicide (in Puccini's Madama Butterfly). In works by Janacek, Ullmann, Berg, and Britten, among others, the Hutcheons examine how death is made to feel logical and even right morally, psychologically, and artistically--how, in the art of opera, we rehearse death in order to give life meaning.

Obwohl es „die Zeit" nicht gibt, ordnet sich doch alles, was wir erleben, zeitlich. Auch die großen Schlagworte unserer Tage betreffen allesamt von zeitlichen Herausforderungen: Nachhaltigkeit, Resilienz, Transformation, Zeitenwende.

Dieses Buch handelt davon, was Zeitliches ausmacht, warum sich die Wirklichkeit zeitlich ordnet und was das mit der wechselseitigen Taktung von Ereignissen und Autonomieerfahrungen zu tun hat. Es werden Missverständnisse aufgelöst, indem aufgezeigt wird, inwiefern es „die Zeit" nicht gibt, es oftmals sogar leidvolle bis hin zu pathologischen Konsequenzen mit sich bringt, wenn Zeit als Gegenstand oder Ressource betrachtet wird. Es ist ein Buch über den Vergleich von Abläufen und darüber, was es bedeutet, wenn Ereignisse miteinander im Takt sind, und wie sie durch Wiederholung und Variation Bedeutung gewinnen und damit „intakt" wirken.

Musik und vor allem das Hören dienen als Modelle, um diese allgemeinen zeitlichen Struktureigenschaften der Wirklichkeit begrifflich anklingen zu lassen. Darüber hinaus regen Hyperlinks zu konkreten Hörbeispielen dazu an, sich direkt auch auf besondere Erfahrungen von Zeit einzulassen. – Ein Buch für all diejenigen, die Grundlegendes über Zeit nicht nur lesen wollen, sondern sich im Idealfall auch für einen taktvollen Umgang mit Zeit motivieren lassen möchten.

Die im Band besprochenen Hörbeispiele können Sie der folgenden Playlist entnehmen: https://www.youtube.com/playlist?list=PLl3KYcmP425_xCx0eqWj-E696QqcKDKqK.

Die Analyse von Klangphänomenen und ihrer (inter)kulturellen Funktion ist inzwischen zu einem wichtigen Forschungsfeld avanciert. Grundlage der Aufsätze dieses Bandes ist eine anthropologische Perspektive, die darauf abzielt, auch den naturwissenschaftlich-empirischen Diskurs produktiv einzubeziehen. Die Beiträge gehen dem Verhältnis von Klang und Kognition, Kulturtheorie, Literaturästhetik, Medialität, Kunstpraxis sowie Transzendenz nach.

An innovative and much-needed critical work on music and memorialization in relation to AIDS, 9/11, and anti-Black violence in America

Music has long served as a powerful medium for communal mourning and remembrance in times of crisis. Audible Loss examines musical responses to three major crises in US society at the turn of the twenty-first century: the AIDS epidemic, the terrorist attacks of September 11, 2001, and the ongoing conditions of anti-Black violence.

Analyzing a range of works written to commemorate these losses, Andrea Zarafshon Moore explores how contemporary classical music (aka “new music”) frames and narrates these crises, gives voice to grief, imagines other possibilities, and makes loss audible. These crises are read alongside one another to reveal the ways they are mutually imbricated, while also recognizing the sheer commemorative dominance of 9/11 in this century. Attending to broader debates and discourses through which commemoration is always filtered and the ways interpretive consensus has been sought and articulated in both musical and other memorial forms, Moore probes the conventional claims of commemoration, particularly those for the necessity of remembrance to “healing” and the prevention of future crises.

Audible Loss concludes by reflecting on the limits of existing commemorative forms and the possibility, even necessity, of new ones. Taking the COVID-19 pandemic as a case study, it proposes that while memorials of all kinds may provide outlets for collective remembrance and even mourning, their power to forge a sense of collectivity is diminished as public discourse grows more fragmented. Deeply informed yet highly approachable, Audible Loss is a major contribution to the fields of music and memory studies and essential reading for anyone interested in memory culture in the United States today.

An innovative and much-needed critical work on music and memorialization in relation to AIDS, 9/11, and anti-Black violence in America

Music has long served as a powerful medium for communal mourning and remembrance in times of crisis. Audible Loss examines musical responses to three major crises in US society at the turn of the twenty-first century: the AIDS epidemic, the terrorist attacks of September 11, 2001, and the ongoing conditions of anti-Black violence.

Analyzing a range of works written to commemorate these losses, Andrea Zarafshon Moore explores how contemporary classical music (aka “new music”) frames and narrates these crises, gives voice to grief, imagines other possibilities, and makes loss audible. These crises are read alongside one another to reveal the ways they are mutually imbricated, while also recognizing the sheer commemorative dominance of 9/11 in this century. Attending to broader debates and discourses through which commemoration is always filtered and the ways interpretive consensus has been sought and articulated in both musical and other memorial forms, Moore probes the conventional claims of commemoration, particularly those for the necessity of remembrance to “healing” and the prevention of future crises.

Audible Loss concludes by reflecting on the limits of existing commemorative forms and the possibility, even necessity, of new ones. Taking the COVID-19 pandemic as a case study, it proposes that while memorials of all kinds may provide outlets for collective remembrance and even mourning, their power to forge a sense of collectivity is diminished as public discourse grows more fragmented. Deeply informed yet highly approachable, Audible Loss is a major contribution to the fields of music and memory studies and essential reading for anyone interested in memory culture in the United States today.

Taylor Swift tiene muchísimas buenas canciones, lo que equivale a decir que es banda de sonido de infinidad de recuerdos, ilusiones y promesas. El modo en que volaron las entradas del Eras Tour en Buenos Aires y la tensión feliz de la espera pusieron en el centro de la escena el fenómeno Taylor, pero solo para el ojo no entrenado, porque los y las swifties de este lado del mundo la amaban ya desde las primeras eras. 

Este libro recoge alrededor de cien testimonios: sus sueños con la más cercana de las divas, las fantasías con esa persona que nos canta mirándonos a los ojos, que nos contiene y que nos explica. 

Entendemos a Taylor porque ella nos entiende y porque la vimos crecer ante nuestros ojos.

Leonardo Padura nos regala un retrato íntimo de los grandes exponentes de la salsa.

Las crónicas del Caribe se han hecho a través de las canciones y eso lo sabe bien Leonardo Padura, quien le ha tomado el pulso a un género que ha sido discutido desde su propio nacimiento, a comienzos de los años 70.

A través de la conversación con sus protagonistas, el autor nos regala un bellísimo retrato de las trayectorias de personajes fascinantes como Mario Bauzá, Cachao López, Papo Lucca, Juan Luis Guerra, Rubén Blades, Willie Colón, Johnny Pacheco y Juan Formell.

Los melómanos son curiosos e impertinentes, quieren saberlo todo del género que aman y no descansan hasta encontrar lo que buscan. 

ENGLISH DESCRIPTION

Leonardo Padura gives us an intimate portrait of the great exponents of salsa.

The chronicles of the Caribbean have been made through songs, and Leonardo Padura knows this well. He has gotten the feel of a genre that has been discussed since his own birth, in the early 70s.

Through conversation with its protagonists, the author gives us a beautiful portrait of the trajectories of fascinating characters such as Mario Bauzá, Cachao López, Papo Lucca, Juan Luis Guerra, Rubén Blades, Willie Colón, Johnny Pacheco and Juan Formell.

Music lovers are curious and impertinent, they want to know everything about the genre they love and they do not rest until they find what they are looking for.

Der zum Jubiläum "300 Jahre Freylinghausensches Gesangbuch" erschienene Band I/1 bietet die erste Hälfte des »Geist=reichen Gesang=Buches« in der 4. Ausgabe von 1708 (Erstausgabe 1704). Der Band enthält neben den 395 in Versform abgedruckten Liedtexten 94 transkribierte Liedsätze sowie Frontispiz, Titelblatt, Dedikation, Vorrede und Verzeichnis der Rubriken. Mit ihrem Querformat wie ein Choralbuch angelegt, eignet sich die Edition gerade auch für den kirchenmusikalischen Gebrauch.

Die Textkritische Edition präsentiert rund 230 Typoskripte und Manuskripte, die Theodor W. Adornos letzten bekannten Arbeitsgang am III. Kapitel der Fragment gebliebenen ›Ästhetischen Theorie‹ dokumentieren. Die Blätter enthalten u.a. das Textmaterial für das Kapitel »Zur Theorie des Kunstwerks« der Leseausgabe. Die Edition macht sie erstmalig einem breiteren Publikum in Form von Faksimiles sowie standgenauen diplomatischen Umschriften zugänglich.

From a small backyard workshop on the outskirts of Melbourne, Maton Guitars has grown into a truly inspiring Australian success story.

In 1946, Bill May crafted a guitar in his Melbourne garage that he wanted the world to hear and to play. In a matter of years, it was in the hands of Elvis Presley on film. Later, a Maton played the riff that defined a generation on the Rolling Stones' 'Gimme Shelter'. Today, Maton are an essential part of music culture in Australia and around the world.

This is not only a book for guitar lovers — it's an intimate family history and an essential part of Australian music history. Compiling over ten years of research, and over two years in production, this book is as well-crafted and family-owned as Maton guitars themselves.

Go behind-the-scenes to meet the artisan guitar makers. Read the stories behind the songs created with Maton guitars. And go backstage to meet the bands and musicians that have, with a Maton in hand, shaped our musical world.

Packed full of interviews with the greats — from jazz legend George Golla to guitar virtuoso Tommy Emmanuel; from Archie Roach, and The Wiggles, to Daniel Johns, Paul Kelly, and Josh Homme, and many more ...

Published to coincide with Maton's 70th anniversary, The Music That Maton Made is a comprehensive, full-colour tribute to a home-grown guitar range that has been embraced by famous musicians and guitar enthusiasts around the world.

"I'm Buffy, the vampire slayer. And you are?"

A prestige show that was ahead of its time, Buffy the Vampire Slayer brought vampires back into the mainstream and made stars of its cast, and its impact has lasted long after the show's end. With its unique blend of high-school drama, witty banter and the supernatural, Buffy the Vampire Slayer became known for ushering in golden age of television. With a devoted cult following and a growing new audience, Buffy remains a cultural icon.

Reminisce some of the most iconic quotes you've ever heard in your life (or "unlife") in The Little Guide to Buffy the Vampire Slayer, filled with quips and facts about the adventures of the famous slayer and her friends against the forces of darkness.

"In every generation, there is a chosen one. She alone shall stand against the vampires, demons and forces of darkness. She is the slayer."

Spike's trademark coat cost $2,000 from a top fashion store. It was then run over repeatedly by a truck to give it that distressed look.

Almost 25 years have passed since Gilmore Girls first hit our TV screens, but the iconic show continues to captivate audiences with its warmth, humor, and irresistible storytelling. Celebrated for its loveable cast of characters and relatable moments, the series has explored the complexities of family, friendship and the pursuit of dreams and has been described as one of the greatest television shows of all time.

This pocket-sized companion will transport readers into the whimsical world of mum-and-daughter duo Lorelai and Rory, and the beloved residents of Stars Hollow - a place where the coffee flows endlessly and witty banter is a way of life. From Lorelai's lightning-fast comebacks to Rory's insightful musings, the pages are crammed with the delightful dialogue and memorable lines that made the Gilmore Girls series so cherished, while behind-the-scenes stories and fascinating tidbits will satisfy even the most devoted fan.


"Oy with the poodles already!"
Lorelai's exclamation in the first episode, expressing her frustration, became an iconic line.

"I can't stop eating. I eat because I'm unhappy, and I'm unhappy because I eat. It's a vicious cycle."
A classic Lorelai moment, highlighting her humour and love for food.

"A cheeseburger, onion rings, and a list of people who killed their parents and got away with it. I'm looking for heroes."
The unforgettable line when Lorelai storms into the diner and shouts her order.

"Trig, I can do. But boys and dating, forget it."
Rory reflecting on her love life.

A modern Christmas classic, Elf burst onto cinema screens over 20 years ago and has been charming people ever since. In 2003, Buddy the Elf went on a journey to find his father, and ultimately help Santa save Christmas, and since then the world has gone Elf mad. There are only a few modern Christmas films that everyone agrees are instant classics, but Elf is definitely one. A wholesome and deeply funny film, it captures everything important about Christmas: family, acceptance, fun and - most importantly - Santa. Regularly cited as one of the best Christmas films of all time, for many people, Christmas hasn't started until they've watched Elf.

Stuffed with more classic quotes, quips and wisecracks from Buddy, his human family and North Pole colleagues, as well as a cast of cynical New Yorkers whom Buddy befriends and with more treats than you'll find under the Christmas tree, the Little Book of Elf is the perfect gift for the Elf-mad member of your family, which, last time we looked, was everyone!

"I just like to smile. Smiling's my favorite."
Buddy.

"Why don't you just say it? I'm the worst toy maker in the world. I'm a cotton-headed ninny-muggins."
Buddy, to Ming Ming.

"Then I traveled through the seven levels of the Candy Cane forest, past the sea of twirly-swirly gum drops, and then I walked through the Lincoln Tunnel."
Buddy.

44 per cent
The percentage of British people* who re-watch Elf every single year, according to OnBuy study, 2020.
* Britons will spend around 14 days of their lifetime re-watching Elf.

FOREWORD BY KEITH RICHARDS

'ICONIC... DAZZLING.'
-MOJO

'SPECTACULAR... YOU TRULY FEEL THE INSANE PACE OF LIFE AS A STONE.'
-VARIETY

'Gered was at one with the band. More than that, for that special time, he was in the band.'
-ANDREW LOOG OLDHAM

'He was a hell of a lot of fun. That's why he was a good photographer.'
-MARIANNE FAITHFULL

Delve into the unseen archive of iconic photographer Gered Mankowitz as he shares rare and newly discovered images of his time with the Rolling Stones, alongside his most iconic shots.

Just a teenager, Mankowitz took some of the best-loved photographs of the Stones in their frantic, formative years. Now for the first time he looks beyond those famous images - unearthing frames that have never been seen before, plus those rarely used.

Also featuring Gered's first-hand stories and a host of expert writers on the band and their music - including The Times' chief rock and pop critic Will Hodgkinson, Ben Sisario of the New York Times as well as academics, fashion writers and more - The Rolling Stones Rare and Unseen is a fresh look at the greatest story in rock 'n' roll.

AFTERWORD BY ANDREW LOOG OLDHAM