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The catalogue shows select works by Mary Bauermeister (*1934) from 1958 to the present. In the interim, she has come to be regarded as one of the central German postwar artists. By the beginning of the 1960s at the latest, the co-founder of the FLUXUS movement established herself as an international artist with her move to New York and through purchases of her works by renowned museums.

Among her works are large-scale installations, such as Howevercall (1964), her signature stone swirls as well as backlit cloths and patchwork tableaux in the tradition of the Arte Povera movement. Concerts with experimental music, exhibitions and performances were organized in her Cologne studio, which soon became a meeting place for artists, such as Nam June Paik, John Cage and Günther Uecker.

Die alten Kulturen Ostasiens, des Nahen und Mittleren Ostens und des Mittelmeerraumes zeichnen sich durch spektakuläre wissenschaftliche Erkenntnisse und Fortschritte aus, die in der Mythologie gespiegelt und gesteigert werden. In der Spätgotik nur zögerlich, in der italienischen Renaissance jedoch mit Macht dringt dieses Wissen zunächst gegen den Widerstand der christlichen Kirche in den europäischen Raum ein.

Das Begleitbuch zur Ausstellung verhandelt die aktuellste Forschung zu Wissenschaft und Technologie in Mythos und Kunst von der Antike bis in das goldene Zeitalter der arabisch-islamischen Kultur. Beleuchtet werden die frühen präzisen Aufzeichnungen astronomischer Ereignisse ebenso wie die Technologie der Automaten und kinetischen Skulptur. Neuste Erkenntnisse unter anderem zum berühmten griechischen Mechanismus von Antikythera, einem analogen Computer, oder zu den raffinierten drehbaren Decken und Böden der Bankettsäle im Palast des römischen Kaisers Nero veranschaulichen die Bedeutung der Automatisation von Skulptur in ihren Bezügen zur Naturwissenschaft im islamisch-arabischen Kulturraum.

• Großartige Kunstwerke, die antike Mythen wiedergeben, Modelle animierter Skulptur, eindrucksvolle wissenschaftliche Apparate und Automata des mediterranen und islamisch-arabischen Kulturraums
• Internationale Autor/-innen spiegeln die aktuellste Forschung zur Wissenschaftsgeschichte in Verbindung mit der Kunsttechnologie
• Ausstellung: Liebieghaus Skulpturensammlung, Frankfurt/M., 08.03.2023 bis 10.09.2023

Herzstück der vielfältigen jüdischen Kulturen sind heilige Texte, durch deren regelmäßige Lesung sich Jüdinnen und Juden auf der ganzen Welt ihrer Gemeinschaft versichern und einen Ort kultureller Identität jenseits des Profanen konstruieren. Der heilige Text definiert nicht nur Glaubensinhalte, sondern repräsentiert auch den sinnlichen Ausdruck der göttlichen Offenbarung. Anhand ausgesuchter Manuskripte aus dem Bestand der Staatsbibliothek zu Berlin beleuchtet der Band den Ursprung und die Materialität der Hebräischen Bibel, die Poesie und den musikalischen Vortrag der jüdischen liturgischen Texte, die strengen rabbinischen Regeln zur Herstellung von Torarollen und die Kunst der Megillot und Pessach Haggadot. Ergänzt werden die reich illustrierten Beiträge durch Erläuterungen zur christlichen und muslimischen Schrifttradition.

• Ausstellung, Staatsbibliothek zu Berlin, 16. Oktober 2025 bis 26. Februar 2026
• Umfassende Einführung in die jüdische Schriftkultur
• Interdisziplinäre Forschung zur Materialität von liturgischen Schriften und Gebetsbüchern
• Reich illustriert mit Beispielen aus der Staatsbibliothek zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz

Holy texts are at the heart of the diverse Jewish cultures; by regular reading of them, Jews all over the world reassure themselves of their community and construct a place of cultural identity beyond the profane. The sacred text not only defines beliefs; it also represents the sensory expression of divine revelation. Using selected manuscripts from the holdings of the Staatsbibliothek Berlin, this volume sheds light on the origin and materiality of the Hebrew Bible, the poetry and musical performance of Jewish liturgical texts, strict rabbinical rules for producing Torah scrolls, and the art of Megillot and Passover Haggadot. The richly illustrated contributions are complemented by explanations of Christian and Muslim scriptural traditions.

In 1728, Augustus II the Strong erected the "Royal Cabinet of Mathematical and Physical Instruments" in the Royal Palace at the Zwinger in Dresden as an independent museum that collected tools and scientific instruments for calculating the altitude of stars or the next solar eclipse, or for aligning cannons. Until today, the Salon houses numerous showpieces from the world-famous collection. It includes terrestrial and celestial globes, fascinating optical, astronomical, and geodesic devices, and historical aids for calculating, drawing, and measuring. The new museum guide takes readers and/or visitors through the large exhibition, which reopened in 2013, documents the sovereigns’ passion for collecting, and shows laypeople and specialists the foundations on which our world of today is based.

1728 errichtete August der Starke das „Königliche Cabinet der mathematischen und physikalischen Instrumente" als eigenständiges Museum im Zwinger, er sammelte im Dresdner Residenzschloss Werkzeuge und wissenschaftliche Instrumente, mit denen die Höhe der Sterne oder die nächste Sonnenfinsternis berechnet, aber auch Kanonen ausgerichtet wurden. Bis heute beherbergt der Salon zahlreiche Prunkstücke der weltberühmten Sammlung. Dazu gehören Erd- und Himmelsgloben, faszinierende optische, astronomische und geodätische Geräte sowie historische Hilfsmittel zum Rechnen, Zeichnen und Messen. Der neue Museumsführer leitet durch die 2013 neu eröffnete größere Ausstellung, dokumentiert die Sammelleidenschaft der Fürsten und zeigt Laien wie Fachleuten, auf welchen Grundlagen unser heutiges Wissen beruht.

At the beginning of the 20^th century, a group of artists around Henri Matisse and André Derain were carrying out revolutionary colour experiments. The art critic Louis Vauxcelles gave them their name in 1905: the "Fauves". Translated into English, this means something like "beasts" or "wild animals". This catalogue is being published for the first survey exhibition on the Fauves staged in Switzerland for decades. It presents the expressive painting style and unusual colour combinations employed by Matisse, Derain and their companions in the years 1904 to 1908, situating them in the aesthetic and socio-political debates of that time. The male connotation of the term Fauves already suggests the exclusion of women artists on a conceptual level. The exhibition and catalogue challenge this traditional view and draw attention to female protagonists on the Paris art scene. Richly illustrated and supplemented by new art-historical research contributions, the publication offers an insight into the diversity of the colourful painting by the "beasts".

• Fauvism – the first avantgarde movement of the 20th century
• Brilliant colour experiments in a break with academic conventions

Eine Gruppe von Künstlern um Henri Matisse und André Derain führte zu Beginn des 20. Jahrhunderts revolutionäre Farbexperimente durch. Der Kunstkritiker Louis Vauxcelles gab ihnen 1905 ihren Namen: „Fauves". Ins Deutsche übersetzt bedeutet es so viel wie „Bestien" oder „wilde Tiere". Anlässlich der ersten Überblicksschau zu den Fauves seit Jahrzehnten in der Schweiz erscheint der Katalog, der die expressive Malweise und die ungewöhnlichen Farbkombinationen von Matisse, Derain und ihren Weggefährten in den Jahren 1904 bis 1908 vorstellt und sie in den ästhetischen und sozio-politischen Debatten der Zeit verortet. Der männlich konnotierte Begriff der Fauves suggeriert bereits auf begrifflicher Ebene den Ausschluss von Künstlerinnen. Ausstellung und Katalog stellen diese traditionelle Sichtweise infrage und machen auch auf Akteurinnen in der Pariser Kunstszene aufmerksam. Reich bebildert und ergänzt um neue kunsthistorische Forschungsbeiträge bietet das Buch einen Einblick in die Vielfalt der farbenreichen Malerei der „Wilden".

• Der Fauvismus – die erste Avantgarde-Bewegung des 20. Jahrhunderts
• Großartige Farbexperimente im Bruch mit akademischen Konventionen
• Ausstellung: 02.09.2023–21.01.2024, Kunstmuseum Basel, Neubau

Kaiser Maximilian I. setzte in seinen Gedechtnus-Projekten, in denen er sich und seine Dynastie in ewiger Erinnerung halten wollte, auf die Kraft der Bilder. Er beauftragte die führenden deutschen Künstler seiner Zeit mit der Illustration seiner autobiografischen und genealogischen Bücher sowie mit den monumentalen Holzschnittwerken des Triumphzugs und der Ehrenpforte. Sie übertrafen alles, was in der Druckgrafik bis dahin geschaffen worden war.

Der Ausstellungskatalog und die darin enthaltenen Beiträge namhafter Wissenschaftler_innen machen die aktive Rolle des kaiserlichen Auftraggebers und damit seinen unmittelbaren Einfluss auf Inhalt und Gestaltung dieser Werke sichtbar.

This volume deals with knives and harvesting equipment in Central Europe from their first appearance until the first century of the Common Era. Knives have accompanied human beings since the Paleolithic and became useful tools, weapons, and status symbols over the course of the millennia. An epoch-transcending overview of all common types of knives is provided here for the first time.Harvesting equipment appeared with the new economy of the Neolithic period—first made of silex, then bronze, and finally sickles and scythes of iron. Cutting devices also include scissors, an innovative type of tool that revolutionized textile craft. Each type is described in detail, supplemented with information on dating and propagation as well as further literature.

Das vorliegende Buch widmet sich Werken von Michael Müller (*1970), die vier Gemälde von Gerhard Richter (*1932) mit dem Titel „Birkenau" kommentieren und einen grausamen historischen Sachverhalt im gleichnamigen Vernichtungslager Auschwitz II/Birkenau in unterschiedlicher Form künstlerisch aufzuarbeiten versuchen. So eigentümlich direkt die kritischen Kommentare zu Richter auch sein mögen: Sie werden durch viele weniger auffällige, stillere, ja verwundete Werke von Müller begleitet, die 2022/23 im Museum im Kulturspeicher Würzburg zu sehen waren und zeitgleich mit dem Erscheinen dieser Publikation im Frühjahr 2023 in der St. Matthäus-Kirche im Berliner Kulturforum präsentiert sind.

Im thematischen Zentrum beider Ausstellungen steht die Zwangsarbeit des sogenannten „Sonderkommandos", eines Arbeitskommandos ausgesonderter jüdischer Gefangener, welche die Vernichtung ihrer Mitmenschen unter Aufsicht und ständiger Todesdrohung der SS von 1942 bis 1944/45 vor- und nachbereiten mussten. Das Buch dokumentiert die wichtigsten Werke dieser anspruchsvollen künstlerischen Auseinandersetzung Michael Müllers und kontextualisiert sie in einem ausführlichen Essay des Kunsthistorikers Lukas Töpfer (*1988).

• Lässt sich das Grauen des Holocaust zeigen? – Müller befragt Richters Zyklus „Birkenau" mit den Mitteln der Malerei
• Ausstellungen: „Michael Müller: Mögliche und unmögliche Bilder", Museum im Kulturspeicher Würzburg, 26.11.2022–19.03.2023; „Michael Müller: Am Abgrund der Bilder", St. Matthäus-Kirche, Berlin, 22.04.–03.09.2023

Band 4.1 des Werkverzeichnisses von Michael Müller greift das Thema der Darstellbarkeit des Holocaust und des künstlerischen Umgangs mit dem Bösen auf. Er widmet sich Werken, die vier Gemälde von Gerhard Richter mit dem Titel „Birkenau" kommentieren und einen grausamen historischen Sachverhalt im Vernichtungslager Auschwitz II/Birkenau in unterschiedlicher Form künstlerisch aufzuarbeiten versuchen. Die kritischen Kommentare zu Richter werden durch viele weniger auffällige, stillere, ja verwundete Werke von Müller begleitet, die 2022/23 im Museum im Kulturspeicher Würzburg und 2023 in der St. Matthäus-Kirche in Berlin zu sehen waren. Das Verzeichnis auf Deutsch, Englisch und Chinesisch dokumentiert die wichtigsten Werke dieser anspruchsvollen künstlerischen Auseinandersetzung und kontextualisiert sie in einem ausführlichen Essay des Kunsthistorikers Lukas Töpfer.

(English / Chinese / German Edition)

Comprising over 40 volumes with the ambiguous title "Ernstes Spiel" (Serious Play), the planned catalogue raisonné of Michael Müller’s art is a unique undertaking. It will introduce the near inexhaustible oeuvre with close collaboration from the artist himself, providing a comprehensive overview of the painting and graphic art, sculpture, installations and performances. In addition, it will present Müller’s texts, which cover a spectrum of different disciplines the natural sciences, poetry and linguistics, philosophy, and music. The catalogue raisonné, published in German, English and Chinese, is a project spanning several decades and, in addition to detailed documentation, will also offer a classification of Müller’s art by renowned authors.

Volume 1.3. presents Müller's painterly work from 2020 to 2021 in full and in detail for the first time. With accompanying essays by Lukas Töpfer, Rudolf Zwirner and Oliver Koerner von Gustorf.

計劃中的邁克爾·穆勒藝術作品全集多達40餘卷，是一個獨一無二的弘大項目，標題為頗具雙重含義的《認真的遊戲》。在藝術家的密切配合下，作品全集將展示這位藝術家廣泛無窮的作品，旨在全面概述他的繪畫、素描、雕塑、裝置作品和行為藝術，以及他橫跨自然科學、詩歌、語言學、哲學和音樂等不同學科領域的文字作品。這套藝術作品全集以德文、英文和中文出版，將是一個歷時數十年的項目，除了詳細的文獻資料外，還包括知名作者對穆勒藝術的評述。

第1.3卷

2020年至2021年的繪畫作品。附有盧卡斯·特普費爾、魯道夫·茨維爾納和奥利佛·柯纳·冯·古斯托夫的藝術評論文章。

(English / German / Chinese)

The fourth volume in the planned catalogue raisonné of Michael Müller’s artistic work comprising over 40 volumes a unique project spanning decades – not only offers an overview of Müller’s painterly oeuvre, but also functions as an exhibition catalogue. It is dedicated to the monumental painting "Der geschenkte Tag", measuring over 6 x 65 m, which is being created for Michael Müller’s solo exhibition at the Städel Museum in Frankfurt, 2022. The 24-part painting as well as the exhibition as a whole elaborate on the Greek myth of the twins Castor and Pollux, the Dioscuri, which has received little attention from art history or philology and philosophy to date. In addition to the history of the works’ creation, a compilation of historical textual sources and an extensive interview with the artist, essays, and a lyrical composition by American literary scholar and translator Stanley Lombardo will update the story of the Dioscuri for the 21st century.
Accompanying essays by Hubertus von Amelunxen, Stanley Lombardo, Lukas Töpfer, Cora von Pape and Rudolf Zwirner, poems by Stanley Lombardo and Michael Krüger, a foreword by Svenja Grossewr and introductory words by Philipp Demandt.

Der vierte Band des mit über 40 Bände umfassenden geplanten Werkverzeichnisses des Künstlers Michael Müller – ein einzigartiges über Jahrzehnte angelegtes Vorhaben –, das einen Überblick über das malerische Œuvre Müllers bietet, fungiert zugleich als Ausstellungskatalog. Er ist dem über 6 x 65 m messenden monumentalen Gemälde Der geschenkte Tag gewidmet, das für Michael Müllers Einzelausstellung im Frankfurter Städel Museum 2022 entsteht. Das 24-teilige Gemälde sowie die Ausstellung arbeiten den griechischen Mythos um das Zwillingspaar Castor und Pollux, den Dioskuren, auf, der bisher sowohl von der Kunstgeschichte als auch der Philologie und Philosophie wenig beachtet wurde. Neben der Entstehungsgeschichte der Werke, einer Zusammenstellung historischer Textquellen und einem ausführlichen Interview mit dem Künstler wird in Essays und einer lyrischen Komposition des amerikanischen Literaturwissenschaftlers und Übersetzers Stanley Lombardo die Geschichte der Dioskuren für das 21. Jahrhundert aktualisiert.

Mit begleitenden Essays von Hubertus von Amelunxen, Stanley Lombardo, Lukas Töpfer, Cora von Pape und Rudolf Zwirner, Gedichten von Stanley Lombardo und Michael Krüger sowie einem Vorwort von Svenja Grosser und einem Grußwort von Philipp Demandt.

Der Rimini-Altar zählt zu den Spitzenleistungen transalpiner Bildhauerkunst der 1430er-Jahre und ist ein Hauptwerk der Liebieghaus Skulpturensammlung in Frankfurt/M. 1913 erworben, weckten die 12 Apostelstatuetten und die von ihnen flankierte vielfigurige Kreuzigung wegen des speziellen Materials Alabaster, des Umfangs des südniederländischen Figurenensembles, aber auch aufgrund seiner enormen künstlerischen und handwerklichen Qualität stets großes Interesse nicht nur beim Fachpublikum. Die langjährige Restaurierung der Skulpturen gab Anlass zu intensiver technologischer, geochemischer und kunsthistorischer Forschung. Neues und Überraschendes trat zutage. Diese Erkenntnisse werden ebenso wie die neuen Methoden der Restaurierung in dieser ersten monografischen Bearbeitung des Rimini-Altars anschaulich dargestellt.

Der Rimini-Altar zählt zu den Spitzenleistungen transalpiner Bildhauerkunst der 1430er-Jahre und ist ein Hauptwerk der Liebieghaus Skulpturensammlung in Frankfurt/M. 1913 erworben, weckten die 12 Apostelstatuetten und die von ihnen flankierte vielfigurige Kreuzigung wegen des speziellen Materials Alabaster, des Umfangs des südniederländischen Figurenensembles, aber auch aufgrund seiner enormen künstlerischen und handwerklichen Qualität stets großes Interesse nicht nur beim Fachpublikum. Die langjährige Restaurierung der Skulpturen gab Anlass zu intensiver technologischer, geochemischer und kunsthistorischer Forschung. Neues und Überraschendes trat zutage. Diese Erkenntnisse werden ebenso wie die neuen Methoden der Restaurierung in dieser ersten monografischen Bearbeitung des Rimini-Altars anschaulich dargestellt.

This volume examines periodic changes in color design in medieval churches during the 19th and 20th century. What thus catches the eye is the alternation of phases that brought forth sacred spaces with reduced color and even visible stone and such spaces that strove for colorfulness. The ideologies that stand behind this process are analyzed by considering exemplary restoration measures in individual church buildings against the backdrop of the respective self-conception of monument maintenance, but also more general societal notions. It is shown how much artistic design is inherent in the practice of preserving.

One minute and thirty seconds is the average length allotted to a news feature. For more than ten years, artist Monika Huber has been photograph- ing images from daily news reports that bear witness to protest, riots, war and violence, as well as their conse- quences. She saves the images digital- ly, prints them out and reworks them by means of painting and drawing.Over the years, an archive has been created; it reveals a "grammar" of news images and invites us to examine the crisis reporting of television news in a critical way. This selection of over 100 images from the archive is accom- panied by contributions positioning Archive OneThirty from art-historical, philosophical, political-scientific and journalistic perspectives.

• Artistic exposure of media images and their rhetoric
• With contributions by Ernst van Alphen, Mieke Bal, James W. Davis, Antje Kapust, Ute Schaeffer, Ulrich Wilmes, and an introduction by Bernhart Schwenk

Eine Minute und dreißig Sekunden ist die durchschnittliche Länge, die für einen Beitrag in einem Nachrichtenblock vorgesehen ist. Die Künstlerin Monika Huber fotografiert seit über zehn Jahren täglich Bilder aus Nachrichtenbeiträgen, die von Protest, Aufruhr, Krieg, Gewalt und deren Folgen zeugen. Sie speichert die Bilder digital, druckt sie aus und überarbeitet sie mit den Mitteln der Malerei und Zeichnung. Über die Jahre ist so ein Archiv entstanden, das eine „Grammatik" der Nachrichtenbilder offenlegt und uns zu einer kritischen Auseinandersetzung mit der Krisenberichterstattung in Fernsehnachrichten einlädt. Die Auswahl von über 100 Bildern aus dem Archiv wird begleitet von Beiträgen, die das Archiv Einsdreißig aus kunsthistorischer, philosophischer, politikwissenschaftlicher und journalistischer Perspektive verorten.

Kaum ein Künstler hat das Spanienbild, das man sich um 1900 im Ausland machte, so sehr geprägt wie Ignacio　Zuloaga　(1870–1945): stolze Toreros und temperamentvolle Flamenco-Tänzerinnen; das einfache Leben der Landbevölkerung, Asketen und Büßer in weiten, kargen Landschaften; Bettler, Kleinwüchsige und Hexen, die das Erbe von Altmeistern wie Diego Velázquez und Francisco de Goya aufrufen. In Zeiten massiver Industrialisierung und der zunehmenden Orientierung Spaniens an der europäischen Moderne wollte Zuloaga mit solchen Szenen die „spanische Seele" bewahren. Zu Lebzeiten des Künstlers wurde seine Malerei international gefeiert. Der Band ist die erste umfassende monografische Publikation zum Künstler in deutscher Sprache.

• Katalog zur ersten posthumen Ausstellung über Ignacio Zuloaga außerhalb Spaniens – dem! prägenden Künstler des Spanienbildes im Ausland um 1900
• Ausstellungen: Kunsthalle München, 15.09.2023–04.02.2024; Bucerius Kunst Forum Hamburg, 17.02.–26.05.2024

Die Inventarisation als Kernaufgabe der Museen benötigt zuverlässige Hilfsmittel und eine einheitliche Terminologie. Band 3 der von der Landesstelle für die nichtstaatlichen Museen in Bayern herausgegebenen Reihe 'Bestimmungsbuch Archäologie' widmet sich einer nur auf den ersten Blick unspektakulären Objektgruppe, die noch nie in ein griffiges typologisches Schema gebracht wurde: den Nadeln vom Jungpaläolithikum bis zum Hochmittelalter.

Näh- und Stecknadeln sind unverzichtbar bei der Herstellung von Bekleidung, Nadeln dienen als Schmuck, zur Körperverzierung oder auch als Werkzeug bei der Metallbearbeitung. Material sind Knochen oder Metalle, schlichte Ausführungen stehen neben aufwendig, auch figürlich verzierten Exemplaren. Der Thesaurus stellt die überraschende Vielfalt der Typen und Formen vor. Er kann von Laien wie auch von Wissenschaftlern benutzt werden und bietet verschiedene Erschließungstiefen bei der Inventarisierung. Jedem Begriff sind eine Definition, ein Quellennachweis und eine Abbildung beigefügt. Zur Einordnung der Objekttypen werden Hinweise zur Datierung und Verbreitung gegeben.

Nun in dritter, aktualisierter Auflage!

The Naga form a minority in Northeast India and the northwest of Myanmar — and consist at the same time of thirty different ethnicities: three to four million people, with numerous languages. How do they manage to preserve their traditional history and integrate into altered ways of life? How do fit that together with modern tattoos, fashion, and social media? What role does Christianity play? Authors among others from Naga Land describe various facets of their contemporary and current culture and make the Naga collection of the Ethnological Museum in Berlin appear in a new light, supplemented with contemporary objects. The artist Zubeni Lotha shows the life of the Naga today in impressive photographs.

• Current topics such as fashion, tattoos, and social media in the life practice of the Naga, a minority in Northeast India

Die Naga bilden eine Minderheit im Nordosten Indiens und im Nordwesten Myanmars – und bestehen zugleich aus über 30 verschiedenen Ethnien: drei bis vier Millionen Menschen, mit zahlreichen Sprachen. Wie gelingt es ihnen, ihre traditionellen Überlieferungen zu bewahren und in veränderte Lebensweisen zu integrieren? Wie passen moderne Tattoos, Mode und Social Media zusammen? Welche Rolle spielt die christliche Religion? Autor/-innen aus Nagaland beschreiben unterschiedliche Facetten ihrer gegenwärtigen und vergangenen Kultur und lassen die um zeitgenössische Gegenstände ergänzte Naga-Sammlung des Ethnologischen Museums Berlin in neuem Licht erscheinen. Die Künstlerin Zubeni Lotha veranschaulicht das heutige Leben der Naga in beeindruckenden Fotografien.

Die Neue Nationalgalerie, 1965–1968 erbaut, ist das einzige Gebäude des Architekten Ludwig Mies van der Rohe in Deutschland nach dem Zweiten Weltkrieg. Mit ihrem Stahldach über der verglasten Ausstellungshalle und in ihrer reduzierten Formensprache gilt sie als Ikone der Moderne und als Vermächtnis eines visionären Baumeisters. Nach der Sanierung durch das Büro David Chipperfield Architects eröffnet die Neue Nationalgalerie 2021 in neuem Glanz. Der Band fokussiert in zahlreichen Fachbeiträgen und großformatigen Fotografien die Architektur des Museums in drei Themengruppen: den historischen Bau, die Grundinstandsetzung und das sanierte Gebäude. Detail- und Großaufnahmen schärfen den Blick für die einzigartige Architektur, die bis ins kleinste Detail von Mies van der Rohe gestaltet wurde.

The Neue Nationalgalerie, which was erected in 1965–68, is the only building by the architect Ludwig Mies van der Rohe in Germany from after the Second World War. With its steel roof over the glass-walled exhibition hall and its reduced design vocabulary, it is regarded as an icon of modernism and as the legacy of a visionary master builder. Following the restoration by the firm David Chipperfield Architects, the Neue Nationalgalerie is reopening with new glory in 2021. With numerous specialist texts and large-format photographs, the book focuses on the architecture of the museum in three thematic groups: the historical building, the fundamental restoration, and the renovated building. Detailed and large-format photographs heighten awareness of the unique architecture, which Mies van der Rohe designed down to the smallest detail.

• THE cult book on the architecture of the Neue Nationalgalerie
• Internationally renowned authors shed light on their view of the museum
• The photographer Simon Menges presents the noble result of the restoration by David Chipperfield Architects (Pritzker Architecture Prize 2023)
  

Das Museum Wiesbaden – im 19. Jahrhundert gegründet – ist den künstlerischen Werken dieser Zeit besonders verbunden. Wie an einer Perlenschnur reihen sich in der Galerie des 19. Jahrhunderts die mannigfaltigen künstlerischen Entwicklungen dieser Zeit bis zum Jugendstil auf: Porträts, Genremalerei, Landschaftsdarstellungen, Tiermotive, Historienmalerei von großen Namen wie Max Klinger, Ludwig Knaus, Hans von Marées, Hans Markart, Moritz von Schwind, Carl Spitzweg, Hans Thoma oder Heinrich Vogeler und andere mehr. Diese, aber auch viele in diesem Buch neu zu entdeckende Künstler führen uns die einzigartigen gestalterischen Fähigkeiten der Kunstschaffenden dieser Epoche vor Augen.

Magdeburg zählte in den 1920er Jahren zu den Städten, die sich der Moderne verschrieben hatten. In einer Aufsatzsammlung verschiedener Fachautoren aus Geschichte, Kunst, Design, Architektur, Musik, Theater und Pädagogik wird die lebendige Stadt- und Kulturgeschichte Magdeburgs in dieser Zeit erzählt. Ein aktuelles Standardwerk zur Magdeburger Stadtgeschichte.

Im Herzen Bielefelds liegt die größte Kirche der Stadt: Die evangelisch-lutherische Neustädter Marienkirche. Ihre Entstehung ist eng mit den Grafen von Ravensberg verbunden, die ab 1293 eine Kirche im Stil der Gotik errichten ließen. Am Fuße des Sparrenberg gelegen prägen die Westtürme der Marienkirche das Stadtbild Bielefelds bis heute.

Alle Dehio-Bände im Überblick

'Vornehmste Stadt des Reichs' nannte Kaiser Karl IV. Nürnberg im Jahre 1366. Da hatte er die freie Reichsstadt längst zu seiner zweiten Residenz nach Prag, der Hauptstadt Böhmens, erkoren. Es war ihm gelungen, die städtischen Eliten in seine Pläne einzubinden und sich ihren wirtschaftlichen Ehrgeiz zunutze zu machen. Angehörige der großen Nürnberger Familien besaßen Dependancen in Prag oder hatten geistliche Pfründe und Hofämter inne. In dieses Gewebe aus Beziehungen stößt Jirí Fajt vor, um den kaiserlichen Einfluss auf das Nürnberger Kunstschaffen zu ergründen. Denn Karl IV. beschäftigte hier mit Sebald Weinschröter einen Hofmaler, dessen Werkstatt auch die Nachfrage jener Familien bediente, die sich als kaisernah verstanden und diese Verbundenheit mit den Mitteln künstlerischer Repräsentation auszudrücken suchten. Indirekt spiegeln sich die weitgespannten Handelskontakte der Nürnberger im maßgeblichen Kunststil der Stadt wider, der italienische und franko-flämische Einflüsse offenbart. Nach Lektüre dieser Studie kann Nürnberg unter Karl IV. nicht länger als böhmische Kunstprovinz gelten.

Jiri Fajt, deutsch-tschechischer Kunsthistoriker, wohnhaft in Berlin, wirkt seit 2000 in verschiedenen Leitungspositionen am Leibniz-Institut für Geschichte und Kultur des östlichen Europa in Leipzig (GWZO). 2014–2019 war er Generaldirektor der Nationalgalerie Prag. Er lehrt als PD an der Technischen Universität Berlin. Kurator mehrerer internationalen Ausstellungen. Verfasser zahlreicher Aufsätze und Publikationen, Herausgeber verschiedener Ausstellungskataloge, Tagungsbände und Publikationsreihen, unter anderem auch des Handbuchs zur Geschichte der Kunst in Ostmitteleuropa (Deutscher Kunstverlag Berlin/München).

Nürnberg entwickelte sich zwischen 1300 und 1600 zu einem global vernetzten Handelszentrum. Wirtschaft, Politik, Kunst und Kultur waren eng miteinander verwoben. Der Katalog zeichnet die expandierenden Netzwerke der Stadt vom späten Mittelalter bis zur Renaissancezeit nach und reflektiert kritisch die Rolle Nürnbergs in einer zunehmend globalisierten Welt. Der Erfolg als internationales Wissenszentrum und innovativer Industriestandort ermöglichten die kulturelle Blüte Nürnbergs zur Zeit Albrecht Dürers. Zu deren Voraussetzungen gehörten aber auch die Ausbeutung von Ressourcen, der Boom des Waffenhandels und frühe koloniale Aktivitäten. Die Publikation beleuchtet diese wenig erforschten Facetten der Stadtgeschichte und präsentiert faszinierende Exponate aus dem In- und Ausland.

• Ausstellung Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg, 25. September 2025 bis 22. März 2026
• Geschichte der frühen Globalisierung mit Fokus auf Nürnberg
• Faszinierende Exponate
• Unerwartete und kritische Perspektiven auf die Kunst

Der vorliegende Band zieht Bilanz aus fünf Jahren Provenienzforschung am Kunstmuseum Basel. Elf Essays, hervorgegangen aus intensiven Recherchen in Archiven im In- und Ausland, stellen ausgewählte Gemälde, Skulpturen und Papierarbeiten aus dem Museumsbestand vor. Mit den Wegen der Kunstwerke gelangen auch die Schicksale der jüdischen Familien wieder ans Licht, denen diese einst gehörten. Daneben rückt die Schweiz als Exil- und Transitland für vor dem Nationalsozialismus Geflüchtete in den Blick. Dieses Buch hält das Gleichgewicht zwischen Fallproblematik, Institutionsgeschichte und Würdigung der ehemaligen Eigentümer*innen. Die transparente Darlegung der Untersuchungsprozesse eröffnet den Diskurs darüber, warum diese Forschung betrieben wird und was daraus folgt. 

Trotz aller wissenschaftlichen Bemühungen und neuen Erkenntnisse bleiben offene Fragen bestehen, die dazu einladen, die komplexen Fallbeispiele kritisch zu reflektieren.

• Umfassende Aufarbeitung von Schicksalen jüdischer Voreigentümer*innen anhand wissenschaftlicher Tiefenrecherche
• Ausgewählte Fallbeispiele: Albrecht Altdorfer, Carl Blechen, Carl Gustav Carus, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Käthe Kollwitz, Wilhelm Lehmbruck, Max Liebermann, Aristide Maillol, Hans von Marées, Adolph von Menzel, Otto Meyer-Amden, Henri Rousseau, Camille Pissarro
• Aktueller Forschungsansatz
• Übernahme von historischer Verantwortung für die Sammlungsgeschichte einer musealen Institution

Im Mittelpunkt der Studie steht eine spezifische Gruppe nahezu einfarbiger Wandmalereien mit sakralen Sujets des italienischen 14. und 15. Jahrhunderts, deren Farbreduktion nicht mit der Intention von Materialevokation zu erklären ist. Neben den frühen Beispielen, die eine Ausführung in Ockertönen aufweisen, sind die meisten Wandbilder dieses Genres grün.

Anhand präziser Fallstudien sowie eines umfangreichen Katalogs beleuchtet die Autorin erstmals die inhaltliche Tiefe des Phänomens, indem sie neue Erkenntnisse hinsichtlich der Farb- und Materialsemantik liefert. Darüber hinaus kann die massive Verbreitung dieser Form von Monochrommalerei dank der Zusammenführung bisher kaum beachteter und unbekannter Bildzyklen glaubensgeschichtlich bzw. kirchenpolitisch verortet werden.

"What do you do when your husband gets the best job in the country in a field that he stole from you? Well, that’s what happened to me, and that’s what this book is about." So begins Marilyn Aronberg Lavin’s spirited memoir of her seventy-year relationship with Irving Lavin, one of America's most eminent art historians. Her narrative traces their parallel careers as they both achieve remarkable success—he as a distinguished professor at the Institute for Advanced Study, Princeton; she as an award-winning authority on Italian Renaissance painting, iconography, and collectionism. Reflecting on their shared passion for the history of art, Marilyn has crafted a portrait of a partnership, while showing readers how the world of art history can be both intellectually rigorous and emotionally rewarding.

• intellectual history
• memoirs
• renaissance art and architecture

Das Werk des Architekten Oskar Pixis ist bis heute nicht gewürdigt worden. Dies mag zunächst kaum verwundern, behauptete er doch von sich selbst, als Bürochef von Theodor Fischer – dem führenden süddeutschen Architekten des ersten Jahrhundertdrittels – »nur helfend, nicht schaffend« tätig gewesen zu sein. An seinem Beispiel aber zeigt sich exemplarisch, dass Architektur eine kollektive Leistung ist. Denn es ist davon auszugehen, dass der »Meister« ohne einen Vertrauten wie Pixis und einen Stab von Mitarbeitern weniger, vielleicht auch anders gebaut hätte.

Ab 1924 realisierte Pixis eigene Entwürfe für Wohnhäuser und Siedlungsbauten in und um München. Das Buch positioniert dessen Arbeit im zeitgenössischen Umfeld und dokumentiert seine Münchner Bauten in einem Katalogteil.

Adolf Dietrich und Otto Dix fanden als Vertreter der Neuen Sachlichkeit zum Erfolg. So verschieden ihr künstlerisches Werk erscheint, so nahe sind sie sich als Vertreter dieser Strömung. Ihre Berührungspunkte finden sich bei Galeristen und Künstlerfreunden, in Museumssammlungen und Gruppenausstellungen. Nachdem die Nationalsozialisten Dix 1933 von seiner Professur an der Kunstakademie Dresden entfernt hatten, ließ er sich nahe der Schweizer Grenze zuerst auf Schloss Randegg, ab 1936 in Hemmenhofen nieder. Durch den Untersee getrennt, lebten er und Dietrich nun in direkter räumlicher Nähe. In den Landschaften der Bodenseegegend fanden die beiden Künstler ihre Motive. Ob sich Dix und Dietrich je besucht haben, ist nicht bekannt, wahrgenommen haben sie sich. So treffen sie in dieser Publikation erstmals aufeinander.

• Erstmalige Gegenüberstellung zweier wichtiger Vertreter der Neuen Sachlichkeit: des Mannes von Welt Otto Dix und des Außenseiters Adolf Dietrich
• Starke Kontraste und überraschende Wahlverwandtschaften ermöglichen einen neuen Blick auf das Werk der beiden Künstler; darunter noch nicht oder selten publizierte Arbeiten
• Ausstellung: Museum zu Allerheiligen Schaffhausen, April bis August 2025

Uncompromising and consistent, dedicated only to his own artistic vision, over the course of twenty-five years OUBEY created an unmistakable, multifaceted and incomparable oeuvre. MINDKISS now shows – five years after OUBEY’s early death – a selection of his pictures for the first time. With these five volumes in 3D-Slipease book he has designed, Stefan Sagmeister has created a spectacular, congenial framework for this.

Das Buch zeichnet die bewegte Geschichte einer 70 Jahre zurückliegenden Ausstellung nach, die für viele der beteiligten Künstlerinnen und Künstler den internationalen Durchbruch bedeutete: Peintures et sculptures non-figuratives en Allemagne d’aujourd’hui im Cercle Volney, Paris. Die private Initiative des Pariser Galeristen René Drouin und seines Unterstützers auf deutscher Seite, Wilhelm Wessel, war 1955 ein Experiment der kulturellen Diplomatie zwischen Frankreich und Deutschland. Das Konzept richtete sich bewusst gegen einen kanonisierten Kunstbegriff des Deutschen Kunstrats sowie führender Museumsdirektoren und stellte den arrivierten Altmeistern der Abstraktion die Vertreter der mittleren und der jungen Generationen des Informel gleichwertig gegenüber.

• Mit historischen Ausstellungsansichten und Quellen zur Vorgeschichte
• Mit Werken von Willi Baumeister, Rupprecht Geiger, K. O. Götz, Norbert Kricke, Brigitte Meier-Denninghoff, Marie-Louise von Rogister, Emil Schumacher, Fritz Winter u. v. m

Im Auftrag des preußischen Prinzenpaares Wilhelm und Augusta gestaltete der exzentrische Fürst Hermann von Pückler-Muskau in der Mitte des 19. Jahrhunderts den Park Babelsberg in Potsdam, der zuvor von Peter Joseph Lenné angelegt worden war. Dank der jüngsten Rekonstruktion der Außenanlagen des gleichnamigen Schlosses und der vielfältigen Wasserspiele ist dieser faszinierende Landschaftspark gegenüber der Glienicker Brücke wieder in seiner vollen Schönheit zu erleben. Reich geschmückte Terrassen und ein üppig blühender Pleasureground bieten ebenso wie die sich über 20 Kilometer erstreckenden Spazierwege stets neue Überraschungen und großartige Einblicke in das Welterbe der Berlin-Potsdamer Parklandschaft.

In der Regierungszeit König Friedrichs II. angelegt, ist der Park Sanssouci über zweieinhalb Jahrhunderte zu einem einzigartigen Ensemble herangewachsen. Mit einer Fläche von 290 Hektar und beinahe 70 Kilometer Weglänge ist es Brandenburgs größte Parkanlage. Das Schloss Sanssouci mit seinen Terrassen stellt den geistigen Mittelpunkt dar, dem sich alles Umliegende unterordnet – ganz in barocker Tradition. Sternförmig angelegte Wege und verschlungene Pfade mit Zier- und Nutzgärten, Statuen, Fontänen und Teichen rhythmisieren das Areal, das im Wesentlichen die Handschrift Peter Joseph Lennés trägt.

Die Literatur des Trecento ist reich an Künstleranekdoten, Erzählungen und Ekphrasen, in denen Kunstwerke eine wichtige Rolle spielen. Der Band behandelt das Sprechen über Kunst und Künstler vor und während der Etablierung der Kunsttheorie. Im Zentrum steht die Frage nach dem "Kunstgespräch", den Spuren seiner Überlieferung in literarischer Brechung und den in den Praktiken zeitgenössischer Künstlerwerkstätten vermittelten Auffassungen von Kunst.

Nahezu 200 Jahre schlummerte der in diesem Band erstmals vorgestellte Kunstschatz unerkannt in den Depots der Tiroler Landesmuseen. Bekanntere grafische Sammlungen bewahren ihre Werke meist aufgelegt in Passepartouts, auf denen sich mitunter kurze, bisweilen kryptisch anmutende Notizen finden, in denen Kunstkenner/-innen ihre Zuschreibungsvorschläge hinterlassen haben. Für den noch unerforschten Innsbrucker Bestand wurde ein solcher, oftmals über Jahrzehnte auf den Passepartouts ausgetragener Gelehrtendiskurs gewissermaßen im Zeitraffer angestoßen. Die Publikation versammelt von Experten/-innen aus aller Welt eingegangene Passepartoutnotizen zu den hier erstmals der Öffentlichkeit übergebenen Zeichnungen. Geboten wird ein unverstellter Einblick in die Praxis kennerschaftlicher Urteilsbildung.

Neid und Wut, Liebe und Hass, Begehren und Eifersucht – die Darstellung herzzerreißender, hochdramatischer, zutiefst beglückender und bis ins Mark erschütternder Figuren und Szenen zieht sich als roter Faden durch die gesamte Kunstgeschichte Europas. Große Gefühle verändern die Welt, beeinflussen unser Denken und Glauben, führen zu Krieg und Widerstand. In Politik und Gesellschaft sind Emotionen aktueller denn je. In einer großen Sonderausstellung im LWL-Museum für Kunst und Kultur in Münster und im begleitenden Katalog geben etwa 160 Kunstwerke einen historischen Überblick von den Anfängen in der Antike bis in die heutige Zeit. Versammelt werden Gemälde, Skulpturen, Fotos und Videoinstallationen von Matthias Grünewald, Leonardo da Vinci, Peter Paul Rubens, Camille Claudel, Edvard Munch, Käthe Kollwitz, Bill Viola, Maria Lassnig und vielen mehr.

Pastels from the eighteenth century are fascinating - due to either their closeness to nature and immediacy or the virtuosity of their execution, but always because of their opulent and fragile quality. The richly illustrated collection guidebook provides information in a compact form about all the works of this genre created between 1700 and 1800 in the Bayerische Staatsgemäldesammlungen. They include more than one dozen masterpieces by Joseph Vivien, Maurice Quentin de La Tour, Rosalba Carriera, and Jean-Étienne Liotard, as well as anonymous works. Introductory essays shed light on aspects connected with art history, the history of the collection, and art technology.

Paulus Potter can be regarded as one of the most famous Dutch animal painters. For the first time in his work, animals were the protagonists; as a rule, human beings played only a subordinate role. Potter's works were sought-after during his lifetime and fetched high prices, especially in the 18^th century. According to the first catalogue in 1783, Kassel Picture Gallery owned no fewer than ten paintings by the artist, who died young. No other collection had more of his works. However, many of them were lost during the Napoleonic occupation. The successful re-acquisition of Paulus Potter's "Watermill" offers an opportunity to examine the Kassel gallery’s eventful history and shed light on Potter's significance as an animal painter.

• Paulus Potter as an animal painter
• Re-acquisition of an important painting by Potter
• History of the Kassel collection

In Kunstmuseen sind Live-Performances heute selbstverständlich. Handelt es sich dabei jedoch um eine neue Entwicklung? Wann, wie und warum wurde die Kunst im Museum lebendig? Diesen Fragen geht die Autorin nach. Sie beleuchtet die wenig bekannten Anfänge des Phänomens Performance im Museum und schreibt somit Performance- und Museumsgeschichte neu.

Ausgehend vom US-amerikanischen Kunstsystem der 1970er-Jahre, ein Nukleus früher Performance, werden Aufführungen und Ausstellungen von Performer*innen wie Merce Cunningham, Laurie Anderson oder Chris Burden rekonstruiert. Sogar Arnold Schwarzenegger hat einen Gastauftritt. Abseits des gängigen Narrativs widerständiger Performancekunst eröffnen Analysen der institutionellen, ökonomischen und politischen Kontexte ein spannendes kulturhistorisches Panoptikum.

Wolf Biermann lernte von ihm das »Schweigen zwischen den Worten« und widmete ihm mit »Ermutigung« sein berühmtestes Lied. Joseph Brodsky erkannte an seinem Gesicht, dass er einen wirklichen Dichter vor sich hatte. Und Marcel Reich-Ranicki zählte ihn zu den ganz großen Lyrikern des 20. Jahrhunderts: Peter Huchels (1903–1981) Erscheinung hinterließ Eindruck bei denen, die ihm begegneten, die Wirkung seiner Verse auf Leser und Autoren ist ungebrochen.

Dass sie nichts von ihrer Kraft verloren haben, verdankt sich Huchels Treue zu seinen Anfängen, zu Mensch, Natur und Landschaft seiner märkischen Heimat. Dort wächst er auf dem Gutshof der Großeltern auf, dorthin kehrt er nach Jahren in Paris, Wien und Berlin, nach Krieg und Gefangenschaft zurück und begründet als Chefredakteur den legendären Ruf der Zeitschrift »Sinn und Form«, des »geheimen Journals der Nation«. Und dort wird er nach seiner Absetzung und Isolierung zum widerständigen Einzelgänger, zum Mythos. Matthias Weichelt gelingt in einem luziden Essay die Verschränkung von Einzigartigkeit und Zauber des dichterischen Werkes mit Huchels Leben, das im Jahre »neunzehnhunderttraurig« beginnt und von den Ambivalenzen und Katastrophen des Jahrhunderts gezeichnet ist.