De Gruyter

"What do you do when your husband gets the best job in the country in a field that he stole from you? Well, that’s what happened to me, and that’s what this book is about." So begins Marilyn Aronberg Lavin’s spirited memoir of her seventy-year relationship with Irving Lavin, one of America's most eminent art historians. Her narrative traces their parallel careers as they both achieve remarkable success—he as a distinguished professor at the Institute for Advanced Study, Princeton; she as an award-winning authority on Italian Renaissance painting, iconography, and collectionism. Reflecting on their shared passion for the history of art, Marilyn has crafted a portrait of a partnership, while showing readers how the world of art history can be both intellectually rigorous and emotionally rewarding.

• intellectual history
• memoirs
• renaissance art and architecture

Der vorliegende Band zieht Bilanz aus fünf Jahren Provenienzforschung am Kunstmuseum Basel. Elf Essays, hervorgegangen aus intensiven Recherchen in Archiven im In- und Ausland, stellen ausgewählte Gemälde, Skulpturen und Papierarbeiten aus dem Museumsbestand vor. Mit den Wegen der Kunstwerke gelangen auch die Schicksale der jüdischen Familien wieder ans Licht, denen diese einst gehörten. Daneben rückt die Schweiz als Exil- und Transitland für vor dem Nationalsozialismus Geflüchtete in den Blick. Dieses Buch hält das Gleichgewicht zwischen Fallproblematik, Institutionsgeschichte und Würdigung der ehemaligen Eigentümer*innen. Die transparente Darlegung der Untersuchungsprozesse eröffnet den Diskurs darüber, warum diese Forschung betrieben wird und was daraus folgt. 

Trotz aller wissenschaftlichen Bemühungen und neuen Erkenntnisse bleiben offene Fragen bestehen, die dazu einladen, die komplexen Fallbeispiele kritisch zu reflektieren.

• Umfassende Aufarbeitung von Schicksalen jüdischer Voreigentümer*innen anhand wissenschaftlicher Tiefenrecherche
• Ausgewählte Fallbeispiele: Albrecht Altdorfer, Carl Blechen, Carl Gustav Carus, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Käthe Kollwitz, Wilhelm Lehmbruck, Max Liebermann, Aristide Maillol, Hans von Marées, Adolph von Menzel, Otto Meyer-Amden, Henri Rousseau, Camille Pissarro
• Aktueller Forschungsansatz
• Übernahme von historischer Verantwortung für die Sammlungsgeschichte einer musealen Institution

(English / German)

Around 1900, Germany was the main centre for the production of Art Nouveau tiles in Europe. Hallways were regarded as status symbols, and the entranceway became like a calling card. Today, few people are aware that many original tiled walls from that period have been preserved in Berlin. Jugendstil im Quadrat presents 120 fascinating tiles, explains their motifs, and sets them in the context of Art Nouveau ornamentation. The plant theme is particularly widespread: abstract or naturalistic depictions of flowers and trees unfold their full beauty in the square format. This book is the first to document historical Berlin tile paintings, most of which are not listed and therefore at risk.

• First publication about Art Nouveau tiles in Berlin
• Bilingual descriptions of the widespread plant and tree symbolism in art nouveau
• With works by Henry van de Velde, Anna Gasteiger

Deutschland war um 1900 das führende Zentrum für die Herstellung von Jugendstilfliesen in Europa. Hausflure galten als Statussymbole, das Entrée wurde als eine Art Visitenkarte gesehen. Bis heute wenig bekannt ist, dass in Berlin zahlreiche originale Fliesenspiegel aus dieser Zeit erhalten geblieben sind.

Jugendstil im Quadrat stellt 120 dieser faszinierenden Fliesen vor, erläutert ihre Motive und ordnet sie in den Kontext der Jugendstilornamentik ein. Besonders prägend ist das Pflanzenthema: Abstrakte oder naturalistische Darstellungen von Blumen und Bäumen entfalten im quadratischen Format ihre ganze Schönheit. Erstmals dokumentiert dieses Buch die historischen Berliner Fliesenbilder, die meist nicht unter Denkmalschutz stehen, und dadurch vom Verschwinden bedroht sind.

• Erste Publikation zum Thema Jugendstilfliesen in Berlin
• Zweisprachige Beschreibungen der im Jugendstil verbreiteten Pflanzen- und Baumsymbolik
• Mit Werken von Henry van de Velde und Anna Gasteiger

Herzstück der vielfältigen jüdischen Kulturen sind heilige Texte, durch deren regelmäßige Lesung sich Jüdinnen und Juden auf der ganzen Welt ihrer Gemeinschaft versichern und einen Ort kultureller Identität jenseits des Profanen konstruieren. Der heilige Text definiert nicht nur Glaubensinhalte, sondern repräsentiert auch den sinnlichen Ausdruck der göttlichen Offenbarung. Anhand ausgesuchter Manuskripte aus dem Bestand der Staatsbibliothek zu Berlin beleuchtet der Band den Ursprung und die Materialität der Hebräischen Bibel, die Poesie und den musikalischen Vortrag der jüdischen liturgischen Texte, die strengen rabbinischen Regeln zur Herstellung von Torarollen und die Kunst der Megillot und Pessach Haggadot. Ergänzt werden die reich illustrierten Beiträge durch Erläuterungen zur christlichen und muslimischen Schrifttradition.

• Ausstellung, Staatsbibliothek zu Berlin, 16. Oktober 2025 bis 26. Februar 2026
• Umfassende Einführung in die jüdische Schriftkultur
• Interdisziplinäre Forschung zur Materialität von liturgischen Schriften und Gebetsbüchern
• Reich illustriert mit Beispielen aus der Staatsbibliothek zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz

Holy texts are at the heart of the diverse Jewish cultures; by regular reading of them, Jews all over the world reassure themselves of their community and construct a place of cultural identity beyond the profane. The sacred text not only defines beliefs; it also represents the sensory expression of divine revelation. Using selected manuscripts from the holdings of the Staatsbibliothek Berlin, this volume sheds light on the origin and materiality of the Hebrew Bible, the poetry and musical performance of Jewish liturgical texts, strict rabbinical rules for producing Torah scrolls, and the art of Megillot and Passover Haggadot. The richly illustrated contributions are complemented by explanations of Christian and Muslim scriptural traditions.

(English / German)  

Kunsthalle Mannheim had one of the first collections of Expressionism in Germany’s museums – until most of the works previously acquired were confiscated by the National Socialists in 1937. The significance of Expressionism for the museum’s history is now being explored for the first time in this catalogue, which presents the outstanding collection of paintings, prints and sculptures, as well as high-quality loans of previously confiscated works and masterpieces from private collections in Mannheim. It includes works by Erich Heckel, Alexej von Jawlensky, Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Kokoschka, Otto Mueller, Max Pechstein, Emil Nolde, Karl Schmidt-Rottluff, Maria Uhden, Milly Steger and Gabriele Münter, with a particular focus on sculptor Wilhelm Lehmbruck and his close patron Sally Falk. The publication offers a detailed insight into the history of this fascinating stylistic epoch in Mannheim and introduces important works and their place within the Kunsthalle’s collection.

• Examining masterpieces of Expressionism
• Rediscovery of female positions in Expressionism
• Critical evaluation of the art-historical canon

• Exhibition: Kunsthalle Mannheim, September 26, 2025 to January 11, 2026

Die Kunsthalle Mannheim verfügte über eine der ersten Sammlungen des Expressionismus in Deutschlands Museen – bis ein Großteil der erworbenen Werke 1937 durch die Nationalsozialisten beschlagnahmt wurde. Im Katalog wird nun erstmals die Bedeutung des Expressionismus für die Geschichte des Museums eruiert. Der Band präsentiert die herausragende Sammlung von Malerei, Grafik und Skulptur und hochkarätige Leihgaben ehemals beschlagnahmter Arbeiten sowie Meisterwerke aus Mannheimer Privatsammlungen unter anderem von Erich Heckel, Alexej von Jawlensky, Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Kokoschka, Otto Mueller, Max Pechstein, Emil Nolde, Karl Schmidt-Rottluff oder Maria Uhden, Milly Steger und Gabriele Münter. Ein besonderer Fokus gilt dem Bildhauer Wilhelm Lehmbruck sowie seinem engen Mäzen Sally Falk. Der Band bietet einen detaillierten Einblick in die Geschichte dieser faszinierenden Stilepoche in Mannheim und stellt bedeutende Werke und ihre Rolle innerhalb der Sammlung der Kunsthalle vor.

• Meisterwerke des Expressionismus im Blick
• Wiederentdeckung weiblicher Positionen des Expressionismus
• Kritische Bewertung des kunsthistorischen Kanons
• Ausstellung: Kunsthalle Mannheim, 26. September 2025 bis 11. Januar 2026

Adolf Dietrich und Otto Dix fanden als Vertreter der Neuen Sachlichkeit zum Erfolg. So verschieden ihr künstlerisches Werk erscheint, so nahe sind sie sich als Vertreter dieser Strömung. Ihre Berührungspunkte finden sich bei Galeristen und Künstlerfreunden, in Museumssammlungen und Gruppenausstellungen. Nachdem die Nationalsozialisten Dix 1933 von seiner Professur an der Kunstakademie Dresden entfernt hatten, ließ er sich nahe der Schweizer Grenze zuerst auf Schloss Randegg, ab 1936 in Hemmenhofen nieder. Durch den Untersee getrennt, lebten er und Dietrich nun in direkter räumlicher Nähe. In den Landschaften der Bodenseegegend fanden die beiden Künstler ihre Motive. Ob sich Dix und Dietrich je besucht haben, ist nicht bekannt, wahrgenommen haben sie sich. So treffen sie in dieser Publikation erstmals aufeinander.

• Erstmalige Gegenüberstellung zweier wichtiger Vertreter der Neuen Sachlichkeit: des Mannes von Welt Otto Dix und des Außenseiters Adolf Dietrich
• Starke Kontraste und überraschende Wahlverwandtschaften ermöglichen einen neuen Blick auf das Werk der beiden Künstler; darunter noch nicht oder selten publizierte Arbeiten
• Ausstellung: Museum zu Allerheiligen Schaffhausen, April bis August 2025

Decoloniality is a concept of resistance. Decolonization identifies the colonial thought patterns, ideas, and discourses that still exist today, as well as the socio-political, cultural, economic, ecological and psychological power structures and practices based on them. Their mechanisms of hierarchization and subalternization can thus be made conscious. The aim is to understand them and to assert non-hegemonic art and ist epistemologies as equals that have been suppressed, attacked and marked as "other" by Western discourses. The critique of the Eurocentric Western epistemology that enabled and justified coloniality is therefore crucial. This book is a groundbreaking and overdue game shifter that accomplishes this for the discipline of History of Art.

• Groundbreaking and overdue game shifter that accomplishes decolonization for the discipline of History of Art
• Identifies the colonial thought patterns, concepts and discourses in the History of Art
• Suggests a decolonial universal concept of art

Zu den großen Errungenschaften neuzeitlicher Kunst zählt es, sich den Menschen vor Augen zu führen. In der Zeichnung entwickelten die Künstler Italiens neue Abbildstrategien. Arbeitete man im 15.　Jahrhundert vor allem mit Silberstift und Feder, wurden bald neue Zeichenmittel gebräuchlich. Mit ihnen gelang es, den Menschen in seiner äußeren Erscheinung immer besser zu verstehen und in Bereiche der Empfindung und Gefühle vorzudringen. Exemplarisch wird aus dem reichen Münchner Bestand an Akt-, Gewand- und Kopfstudien von der Renaissance bis ins 18.　Jahrhundert eine Auswahl von rund 100　Blättern vorgestellt. Sie zeigt, wie die Künstler verschiedener italienischer Kunstlandschaften und Epochen ihre Zeichenmittel wählten, um ein je individuell geprägtes Menschenbild zu vermitteln.

Ausstellung Staatliche Graphische Sammlung München
23. Januar bis 21. April 2025

German-english edition
The epochal term "New Objectivity" became synonymous with the cultural awakening of the 1920s, and with the rationalism and objective precision to be observed in art as well as architecture, design, photography and literature at that time. In 1925, Gustav F. Hartlaub coined the term with an exhibition of the same name. 100 years later, the exhibition shown then at Kunsthalle Mannheim will be scrutinized critically and reconstructed digitally. In addition to works by key artistic figures such as Max Beckmann, Otto Dix and George Grosz, the new exhibition will also present overlooked positions, especially those of female artists such as Anita Rée and Lotte Laserstein. The scope will also be extended topographically, e.g. to Switzerland and Italy, as well as chronologically, to the 1930s and early 1940s. The publication promises visual immersion in a formative stylistic epoch and will provide insights into the current state of research on key questions of New Objectivity.

• New Objectivity - a panorama of the 1920s and 1930s
• An era rediscovered: female positions and forgotten artists, highlighting people, motifs and themes

Der Epochenbegriff „Neue Sachlichkeit" wurde zu einem Synonym für den kulturellen Aufbruch der 1920er-Jahre und die in der Kunst, aber auch in Architektur, Design, Fotografie oder Literatur zu beobachtenden Rationalität und sachlichen Präzision. Gustav F. Hartlaub prägte diesen Begriff 1925 mit einer Ausstellung, die namensgebend wurde. 100 Jahre danach soll die in der Kunsthalle Mannheim gezeigte Schau kritisch hinterfragt und digital rekonstruiert werden. Neben Werken zentraler Künstlerpersönlichkeiten wie Max Beckmann, Otto Dix und George Grosz werden auch übersehene Positionen, vor allem von Künstlerinnen wie Anita Rée und Lotte Laserstein, vorgestellt. Ausgeweitet wird der Blick auch topografisch, etwa in die Schweiz und nach Italien, sowie zeitlich bis in die 1930er- und frühen 1940er-Jahre. Die Publikation verspricht ein visuelles Eintauchen in eine prägende Stilepoche und gibt Einblick in den aktuellen Forschungsstand über zentrale Fragen der Neuen Sachlichkeit.

• Die Neue Sachlichkeit – ein Panorama der 1920er- und 1930er-Jahre
• Eine Epoche neu entdeckt: weibliche Positionen und vergessene Künstler*innen mit Schlaglichtern auf Personen, Motive und Themen

(English / German edition)
Many sprayers who do not abandon graffiti as a temporary phase of youthful rebellion, but have made it central – as name-writing – to their now legal work, are reminiscent of the 20^th century Expressionists and their self-referential positions. Using the example of Basel graffiti legend Sigi DARE von Koeding, who died at an early age, the author explores whether everything that Expressionism originally represented and still stands for today can be rediscovered in the brightly-coloured, expressive works of one of the best name-writers.

• The name-writing of graffiti-sprayers as a new stylistic movement in art
• Graffiti Expressionism
• Sigi DARE von Koeding

Viele Sprayer, die Graffiti nicht nur als kurze Phase des jugendlichen Aufbegehrens längst abgehakt, sondern als Name-Writing in den Mittelpunkt ihres nunmehr legalen Schaffens gestellt haben, erinnern an die selbstreferenziellen Positionen der Expressionisten des 20. Jahrhunderts. Am Beispiel der bereits früh verstorbenen Basler Graffiti-Legende Sigi DARE von Koeding wird der Frage nachgegangen, ob in den starkfarbigen, ausdruckskräftigen Arbeiten eines der besten Name-Writer vielleicht aktuell all das wieder zu entdecken ist, wofür der Expressionismus ursprünglich stand und heute noch steht.

• Das Name-Writing der Graffiti-Sprayer als neue Kunst-Stilrichtung
• Graffiti Expressionism
• Sigi DARE von Koeding

(English / French edition)
Glimmering glass beads can be threaded onto thin wire and shaped into flowers – a historical handicraft, rooted in Venice and its famous Murano glass. In this lavishly illustrated book, author and collector Georg Ragnar Levi tells the fascinating story how beaded flowers came to be loved and despised – at one point in history even banned. So-called French beaded flowers were created in homes, convents, prisons and workshops, and were used for ornamental and symbolic purposes at baptisms, weddings, and funerals. Dr. Levi guides us through the history, techniques, materials, and personal stories behind the craft, showing how the demand for wreaths and bouquets in the early 1900s became the bread and butter of many European families, and made the glassworks of Murano and Bohemia prosper

• Bilingual edition in English and FrenchNew bilingual edition in both English and French
• Inspiring and knowledgeable insights into a forgotten handicraft

• "A feast of discovery" according to reviews

The permanent exhibition in the north wing of Dresden’s Royal Palace presents the surviving, magnificent vestments from the possessions of the Saxon electors, dating from around 1550 to 1650. This unique treasure trove of European fashion and textile history from the Renaissance and early Baroque has now been re-opened to the public after more than 80 years in storage and many years of conservation and restoration measures. This exhibition guide is the first work to do justice to a collection rich in silk, gold and silver. It covers all the rulers' robes on display, including complete costume ensembles, suits with doublet and trousers, ladies' dresses, and individual garments. There are also introductions to the many portraits, accessories and sumptuous armoury on display.

• Clothes make the man - clothes make politics: rulers' costumes and haute couture from the period 1550 to 1650

(Bilingual Edition: English / German):

• Imagination, Utopia and Gallantry
• New look at colonial aspirations

Wie sahen die frühen imperialen Visionen im Frankreich der Régence aus? Das Buch bietet eine neue und auch provokative Deutung von Jean-Antoine Watteaus Pilgerfahrt zur Insel Cythera (1717), indem es das Werk in den Kontext der französischen kolonialen Expansion in den Jahren der Régence stellt. Die galante Ästhetik, die während der Herrschaft und im Imperium Ludwigs XIV. entstand, trug dazu bei, die koloniale Begegnung in Französisch-Amerika zu gestalten. Die Fantasien vom Aufbruch zur See, vom Einschiffen oder Ausschiffen, allesamt Merkmale des Gemäldes, drückten auch die Sehnsucht nach kolonialen Reisen und Entdeckungen aus. Die imperiale Imagination, die sich aus den Codes der Galanterie speiste, war in den Kreisen von Watteaus amateurs, die ihrerseits den Modernen nahestanden, die neue ästhetische Formen in Kunst und Literatur förderten, sehr ausgeprägt. Von Watteaus Pilgerfahrt zur Insel Cythera (1717) bis zu ihrer visuellen Nachstellung im Jahr 1763 diente die Galanterie als visuelles und konzeptionelles Modell der französischen Handels- und Kolonialbeziehungen.

Quelles furent les premières visions de l’Empire dans la France de la Régence ? Cet ouvrage propose une interprétation nouvelle du Pèlerinage à l’île de Cythère (1717) de Jean-Antoine Watteau en le replaçant dans le contexte de l’expansion coloniale française des années de la Régence. Née sous le règne et l’imperium de Louis XIV, l’esthétique galante a contribué à donner une forme visuelle à la rencontre coloniale en Amérique française. Les motifs du débarquement, de l’embarquement et du voyage maritime, essentiels dans ce tableau, exprimaient également un désir de voyage et de conquête. L’imaginaire impérial, alimenté par les codes de la galanterie était très développé dans les cercles des commanditaires de Watteau, eux-mêmes proches des cercles des Modernes, qui défendaient de nouvelles formes esthétiques en art et en littérature. Du Pèlerinage à l’île de Cythère (1717) de Watteau à son remploi visuel en 1763 dans une vue d’optique, le livre soutient que la galanterie servit comme ressource formelle au développement de l’imaginaire colonial français.

A richly illustrated book of hours was produced in the surroundings of the Parisian court at the beginning of the sixteenth century, presumably commis-sioned by Philippa von Geldern (1467– 1546), Princess of Lower Saxony and later Duchess of Lorraine. Jean Coene IV, one of the few illuminators of the time who is known by name, furnished the unusual work with a completely illustrated calendar and twenty-four — of formerly twenty-seven — large miniatures. The book of hours, which is privately owned, is now being presented to the public in its entirety for the first time — accompanied by an examination of the role of the client and of the classification of Jean Coene IV as an illuminator Roll within the context of Parisian book art around 1500.

The Neue Nationalgalerie, which was erected in 1965–68, is the only building by the architect Ludwig Mies van der Rohe in Germany from after the Second World War. With its steel roof over the glass-walled exhibition hall and its reduced design vocabulary, it is regarded as an icon of modernism and as the legacy of a visionary master builder. Following the restoration by the firm David Chipperfield Architects, the Neue Nationalgalerie is reopening with new glory in 2021. With numerous specialist texts and large-format photographs, the book focuses on the architecture of the museum in three thematic groups: the historical building, the fundamental restoration, and the renovated building. Detailed and large-format photographs heighten awareness of the unique architecture, which Mies van der Rohe designed down to the smallest detail.

• THE cult book on the architecture of the Neue Nationalgalerie
• Internationally renowned authors shed light on their view of the museum
• The photographer Simon Menges presents the noble result of the restoration by David Chipperfield Architects (Pritzker Architecture Prize 2023)
  

Künstler waren seit der Renaissance auf einen Kanon vorbildhafter Motive und Formen verpflichtet, was immer wieder Gegenreaktionen auslöste. Insbesondere bildparodistische Verfahren eigneten sich für eine kunstimmanente Kritik an Autoritäten und ästhetischen Normen sowie zur Formulierung von Autonomie- und Statusansprüchen. Obwohl derartige Gegenbilder in der frühen Neuzeit überaus präsent waren, sind sie bisher nur selten in den Blick der Forschung geraten.

Diesem Desiderat widmet sich der vorliegende Band. Aus kunsthistorischer, literaturwissenschaftlicher und bildwissenschaftlicher Perspektive leisten die Fallstudien einen Beitrag zum Verständnis vormoderner Bildparodien, indem sie deren Einsatz in Modernisierungsdiskursen und in konkreten Konfliktsituationen beleuchten.

English Edition

Helen Frankenthaler (1928–2011) was a pioneer of post-war American art. Her experimental work with paint and canvas made her one of the most significant artists of Abstract Expressionism. At the age of just 23, she asserted herself in a male-dominated environment and became a pioneer of colour field painting. Soon, she developed the soak-stain technique that was to become her trademark. The catalogue accompanying the exhibition at Kunstmuseum Basel highlights fifty years of innovative painting, focusing especially on Frankenthaler's intense engagement with art history.

• Insights into Helen Frankenthaler’s life and creative work, travels, and artistic inspirations gained by examining key works from five decades
• First German-language publication in which Helen Frankenthaler’s works are compared and contrasted with those of her role models – including Édouard Manet, André Derain and Marie Laurencin
• Exhibition: Kunstmuseum Basel, New Building, April 18 to August 23, 2026

Sorge, Fürsorge und Pflegearbeit sichern die Grundlage menschlichen Zusammenlebens. Der Ausstellungskatalog der Wiener SAMMLUNG VERBUND präsentiert Arbeiten von Künstler*innen, die sich existenziellen Bereichen des Sorge-Tragens widmen. Sie reflektieren eine neue „Zeichensprache der Küche“. Sie machen bezahlte und unbezahlte Sorgearbeit – oft unsichtbar und unter prekären Arbeitsverhältnissen verrichtet – als Klassenpolitik sichtbar. Das Thema „Altenpflege aus männlicher Sicht“ veranschaulicht generationsübergreifenden Zusammenhalt. Künstlerinnen als Mütter thematisieren den Stellenwert von Sorgearbeit im Kunstbetrieb. Dabei werden Werke der Feministischen Avantgarde der 1970er-Jahre mit zeitgenössischen Arbeiten in einen spannenden Dialog gesetzt. Die Publikation will auf diesem Weg auch zur Wertschätzung der mehrheitlich von Frauen verrichteten Sorgearbeit beitragen.

• Eine Auseinandersetzung mit der hochaktuellen Thematik Care/Sorge/Fürsorge
• Ein spannender Dialog zwischen Werken der feministischen Avantgarde der 1970er-Jahre und zeitgenössischen Arbeiten – darunter Skulpturen, Objekte, Fotografien, Zeichnungen, Plakate und Videos
• Beteiligte Künstler*innen: Akihito Yoshida, Aneta Grzeszykowska, Anna Kutera, Anna Schölß, Annegret Soltau, Birgit Jürgenssen, Christine Lederer, Elizabeth Catlett, Frida Orupabo, Hannah Cooke , Karin Mack, Kirsten Justesen, Laura Ribero, Lena Henke, Letícia Parente, Lorna Simpson, Małgorzata Markiewicz, Margaret Raspé, Maria Pinińska-Bereś, Marlene Haring, Martha Rosler , Mary Sibande, Mierle Laderman Ukeles, Natalia Iguiñiz, Nicole Wermers, Renate Bertlmann, Renate Eisenegger, Rosemarie Trockel, See Red Women's Workshop, Sophie Gogl, VALIE EXPORT 
• Ausstellung: Albertina Wien, 13. März bis 14. Juni 2026

Helen Frankenthaler (1928–2011) war wegweisend für die US-amerikanische Nachkriegskunst. Ihre experimentelle Arbeit mit Farbe und Leinwand machte sie zu einer der wichtigsten Künstler*innen des Abstrakten Expressionismus. Im Alter von nur 23 Jahren behauptete sie sich in einem männlich dominierten Umfeld und wurde zur Pionierin der Farbfeldmalerei. In kurzer Zeit entwickelte sie die Soak-Stain-Technik, die zu ihrem Markenzeichen werden sollte. Der Begleitband zur Ausstellung im Kunstmuseum Basel beleuchtet ein halbes Jahrhundert ihrer innovativen Malerei und setzt einen besonderen Fokus auf die intensive Auseinandersetzung Frankenthalers mit der Kunstgeschichte.

• Einblicke in Helen Frankenthalers Schaffen und Leben, ihre Reisen und ihre künstlerischen Inspirationen anhand von zentralen Werken aus fünf Jahrzehnten 
• Erste deutschsprachige Publikation, in der Werke von Helen Frankenthaler Arbeiten ihrer Vorbilder – unter anderem von Édouard Manet, André Derain und Marie Laurencin – gegenübergestellt werden
• Ausstellung: Kunstmuseum Basel, Neubau, 18. April bis 23. August 2026

The series published by Deutscher Kunstverlag brings together scholarly studies, primarily outstanding dissertations. The series’ thematic spectrum ranges from sculpture, architecture and photography to painting and graphic art.

The volumes are distinguished by the outstanding quality of their content and design, making a significant contribution to current art historical research.

Mit der umstrittenen Integration der Kunstgewerbeschule in die Düsseldorfer Kunstakademie wurde deren historisches Selbstverständnis als Lehranstalt der freien Künste in Frage gestellt. Zugleich ermöglichte sie Reformen, die in dem Buch erstmals ausführlich diskutiert werden. Die Kunstgewerbeschule hatte unter Peter Behrens und Wilhelm Kreis die Kunstausbildung aufgewertet und geriet dadurch in Konkurrenz zur Kunstakademie. Die Integration der Kunstgewerbeschule kurz vor Gründung des Bauhauses ermöglichte Reformen, die auf der Kooperation von freier und angewandter Kunst beruhten und den auf die Malerei fixierten Anspruch auf künstlerische Freiheit an der sozialen und ökonomischen Realität relativierten. Mit der Berufung fortschrittlicher Künstlern vor allem unter Walter Kaesbach (Direktor 1924–1933) fand die mit der "Düsseldorfer Malerschule" assoziierte Institution Anschluss an die neueste Kunst. Gleichzeitig lehrten noch immer Professoren, die vor 1910 eingestellt worden waren. Das Buch geht dem widersprüchlichen und produktiven Potential zwischen Tradition und Avantgarde nach. Es zeigt, dass eine Kunstausbildungsreform in der Weimarer Republik auch jenseits des Bauhauses und mit ähnlichen Mitteln und Zielen erfolgte.

In den 1920er- und 1930er-Jahren waren Fotogedichte ein fester Bestandteil illustrierter deutscher Zeitschriften, danach gerieten sie in Vergessenheit. Der Bildband Fotopoesie bringt diese populäre Kunstform nun erstmals wieder ans Licht und offenbart deren beeindruckende intermediale Kreativität. In zwanzig thematischen Kapiteln – von den Jahreszeiten über Arbeit, Film, Sport und Werbung bis hin zu Liebe und Politik – entfaltet sich ein einzigartiges Zusammenspiel von Wort und Bild. Große Lyriker:innen wie Mascha Kaléko, Erich Kästner und Joachim Ringelnatz begegnen bedeutenden Fotokünstler:innen ihrer Zeit, darunter Yva, Umbo und Sasha Stone. Sprach- und Lichtbild-Poesie verschmelzen zu faszinierenden Kunstwerken, deren Dokumentation eine medien- und kulturgeschichtliche Lücke schließt.

• Wiederentdeckung einer intermedialen Kunstform
• Poesie in Wort und Bild
• Interdisziplinäre Forschung zum Fotogedicht als selbstständige Gattung

Als Wohn- und Arbeitsort von Sigmar Polke war der Gaspelshof in Willich bei Düsseldorf in den 1970er-Jahren ein Treffpunkt, an dem sich soziale und künstlerische Aktivitäten, Kunst und Alltag verbanden. Hier entstanden zahlreiche bekannte Werke und Ausstellungen, wie Original + Fälschung. Anhand von neuen Quellen und Berichten von Zeitzeuginnen vollzieht Lucy Degens nach, wie Ideen, Bilder und Kameras am Gaspelshof zirkulierten und Kunst in Zusammenarbeit entstand. Sie zeigt, dass das Netzwerk, das Polke dort zusammenbrachte, nicht den klassischen Kategorien von Künstlergruppe und -individuum entsprach und damit den Kunstbetrieb herausforderte. So entsteht ein facettenreiches Bild von Polkes Schaffen am Gaspelshof im Kreis von Künstlerkolleginnen wie Achim Duchow, Katharina Steffen und Astrid Heibach.

• Neue Erkenntnisse zu Polkes Schaffen der 1970er Jahre
• Erste ausführliche Untersuchung des Konzepts pluraler Autorenschaft im Kontext von Polkes Werk

Sigmar Polke’s home and place of work, the Gaspelshof in Willich near Düsseldorf, was a meeting place for social and artistic activities, merging art and everyday life in the 1970s. Many well-known works and exhibitions were created here, such as Original + Fälschung. Using new sources and reports from contemporary witnesses, Lucy Degens traces the way that ideas, images and cameras circulated at the Gaspelshof, leading to the production of art in collaboration. She shows that the network Polke brought together there did not reflect the classic categories of artist group or individual, and was thus a challenge to the contemporary art world. She creates a complex picture of Polke’s work at the Gaspelshof among a circle of fellow artists including Achim Duchow, Katharina Steffen and Astrid Heibach.

• New insights into Polke’s work during the 1970s
• First detailed approach to the idea of plural authorship in the context of Polke’s work

Die Sammlung Moderne Kunst der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen in München besitzt Weltrang. Seit 2002 werden die künstlerischen Meilensteine des 20. und 21. Jahrhunderts in Räumen der Pinakothek der Moderne gezeigt. Neben dem größten Werkkomplex von Max Beckmann in Europa finden sich hier herausragende Gemälde von Kandinsky, Kirchner und Picasso, bedeutende Arbeiten von Bacon, Baselitz oder Warhol, fotografische Konvolute von August Sander bis Jeff Wall ebenso wie aktuelle Positionen der Malerei und der Medienkunst. Mit einer exzellenten Auswahl an Meisterwerken stellt der Band das künstlerische Spektrum der Sammlung vor. In prägnanten Essays widmen sich die Kuratoren den vertretenen Strömungen, von den französischen Fauvisten und Kubisten, den italienischen Futuristen, deutschen Expressionisten und dem Bauhaus bis hin zur Neuen Sachlichkeit und dem Surrealismus. Weitere Kapitel befassen sich mit Künstlern zur Zeit des Ersten Weltkrieges und des Nationalsozialismus. Die neuere Kunst von Beuys, Judd, de Kooning oder Polke trifft auf zeitgenössische Werke von Pipilotti Rist, Zoe Leonard, Neo Rauch und Thomas Hirschhorn.

• Unverzichtbarer Begleiter zu den Highlights der Sammlung Moderne Kunst in der Pinakothek der Moderne
• Mit einer Einführung zur Geschichte der Sammlung
• Ein Überblick zur Kunst der Moderne in 19 Kapiteln

With its excellent selection of masterpieces, this guide presents the full spectrum of artistic expression reflected in the Bavarian State Painting Collections’ Sammlung Moderne Kunst (Modern Art Collection) which ranks among the very best in the world. Milestones of art have been on show in the collection’s galleries at the Pinakothek der Moderne Munich since 2002. Besides the largest suite of works by Max Beckmann in Europe, the collection boasts remarkable paintings by Kandinsky, Kirchner, and Picasso, major works by Bacon, Baselitz, and Warhol, photography by the likes of August Sander to Jeff Wall, as well as pieces by contemporary artists working in painting and media art. In a series of insightful essays, the book offers an expert gaze to the various movements in the history of 20th and 21st century art.

• An indispensable companion to the highlights of the Modern Art Collection in the Pinakothek der Moderne
• With an introduction to the history of the collection
• An overview of modern art in 19 chapters

Nuremberg developed into an international trading center in the heart of Europe between 1300 and 1600. Economy, politics, art, and culture were closely intertwined. This catalog traces the city’s expanding networks from the late Middle Ages to the Renaissance and critically reflects on Nuremberg’s role in an increasingly globalized world. The city’s success as an international hub of knowledge and an innovative industrial center enabled its cultural flourishing during the time of Albrecht Dürer. However, this prosperity was also built on the exploitation of resources, the booming arms trade, and early colonial activities. This publication sheds light on these lesser-known aspects of Nuremberg’s history and presents fascinating objects from international collections.

• Exhibition, Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg, September 25, 2025 to March 22, 20
• History of early globalization with a focus on Nuremberg
• Fascinating exhibits
• Unexpected and critical perspectives on art

Nürnberg entwickelte sich zwischen 1300 und 1600 zu einem global vernetzten Handelszentrum. Wirtschaft, Politik, Kunst und Kultur waren eng miteinander verwoben. Der Katalog zeichnet die expandierenden Netzwerke der Stadt vom späten Mittelalter bis zur Renaissancezeit nach und reflektiert kritisch die Rolle Nürnbergs in einer zunehmend globalisierten Welt. Der Erfolg als internationales Wissenszentrum und innovativer Industriestandort ermöglichten die kulturelle Blüte Nürnbergs zur Zeit Albrecht Dürers. Zu deren Voraussetzungen gehörten aber auch die Ausbeutung von Ressourcen, der Boom des Waffenhandels und frühe koloniale Aktivitäten. Die Publikation beleuchtet diese wenig erforschten Facetten der Stadtgeschichte und präsentiert faszinierende Exponate aus dem In- und Ausland.

• Ausstellung Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg, 25. September 2025 bis 22. März 2026
• Geschichte der frühen Globalisierung mit Fokus auf Nürnberg
• Faszinierende Exponate
• Unerwartete und kritische Perspektiven auf die Kunst

Der Künstler Max Slevogt und der Berliner Verleger Bruno Cassirer führten über viele Jahre einen intensiven brieflichen Austausch. In der erhaltenen ca. 350 Schriftstücke umfassenden Korrespondenz spiegeln sich nicht nur die langjährige Geschäftsfreundschaft und der Wandel in der künstlerischen Auffassung Slevogts. Die Briefe und Postkarten bieten darüber hinaus zahlreiche Einblicke in den damaligen Kunsthandel, in das Netzwerk der beiden Korrespondenten und in das politische Zeitgeschehen des ausgehenden Kaiserreiches und der Weimarer Republik.

Erstmals werden nun die Briefe und Postkarten, die sich im schriftlichen Nachlass des Künstlers erhalten haben, zusammen mit 53 Briefen Slevogts mit seinen charakteristischen humorvollen Randzeichnungen in einer wissenschaftlich erschlossenen und kommentierten Briefedition publiziert – ein Meilenstein für die Erforschung der klassischen Moderne in Deutschland.

• Erstmalige Publikation der ca. 350 Schriftstücke umfassenden Korrespondenz von Max Slevogt und Bruno Cassirer
• Mit einem umfangreichen Personenregister
• Aktuelle Ergebnisse der Max-Slevogt-Forschungskooperation: Landesmuseum Mainz, GDKE; Saarlandmuseum Saarbrücken, Moderne Galerie; und Landesbibliothek Speyer, Landesbibliothekszentrum Rheinland-Pfalz
• Ausstellungen: Landesmuseum Mainz, 28. November 2025 bis 8. März 2026; Moderne Galerie, Saarlandmuseum Saarbrücken, 27. März 2026 bis 5. Juli 2026; Liebermann-Villa am Wannsee, 3. Oktober 2026 bis 18. Januar 2027

„KUNST ESSEN" ist ein faszinierender Bildband, der Koch- und Kunstbuch vereint. Im Mittelpunkt steht das Essen als kulturprägender Bestandteil der Kunst. In 15 Kapiteln werden bedeutende Werke der Kunstgeschichte vom Mittelalter bis heute neu interpretiert und ihre Meisterinnen und Meister vorgestellt. Inspiriert von den Gemälden entstehen Gerichte mit Rezepten zum Nachkochen. Die Speisen werden als eigenständige, fotografisch inszenierte Gesamtkunstwerke präsentiert, ganz anders als jeder herkömmliche Serviervorschlag! Das Buch verbindet klassische Gemälde, praktische Küchentipps, humorvolle Texte und innovative Food-Fotografie zu einem einzigartigen geistigen und sinnlichen Vergnügen. Es soll Lust machen auf Museumsbesuche, Kochen und Kunst an sich – sei es an der Leinwand, mit der Kamera oder am Herd.

• Visuelles Geschmackserlebnis: ein Kunst- und Kochbuch für alle Sinne

Besaß Johannes Gutenberg, der Erfinder des Buchdrucks, eine Visitenkarte? Vermutlich nicht. Jedoch führten bereits seine Nachfolger sogenannte Druckerzeichen ein: die Vorgänger der Verlagslogos. Diese geistreichen, kreativen „Visitenkarten" zierten seit dem frühen Buchdruck die erste oder letzte Buchseite und wiesen die verantwortlichen Drucker*innen aus. Es galt, sich und das gedruckte Buch in Szene zu setzen und zu verkaufen.

Anlässlich des 625-jährigen Geburtstages von Gutenberg widmet das Gutenberg-Museum Mainz der Bildgattung der Druckerzeichen erstmals eine Ausstellung. Der Begleitband eröffnet mit Texten zu den Prozessen in der Druckwerkstatt, zur Arbeit der Drucker*innen und mit konkreten Fallbeispielen einen Zugang zur Welt der Drucker*innen und Verleger*innen von den Anfängen des Buchdrucks bis heute.

• Die Geschichte von Buchdrucker*innen, Künstler*innen und Verleger*innen – erlebbar anhand ihrer Druckerzeichen aus einem bislang unbekannten Museumsbestand
• Spannende Fallstudien aus Geschichte und Gegenwart, zum Beispiel zur Entwicklung des Logos des Deutschen Kunstverlages
• Ausstellung, Gutenberg-Museum, Mainz, Dezember 2025 bis Februar 2026

• Did Johannes Gutenberg, the inventor of letterpress printing, have a business card? Probably not. However, his successors introduced the so-called printer’s mark: predecessor to the publishing logo. These witty, creative ‘business cards’ have adorned the first or last pages of books since the early days of book printing, identifying the printers responsible. The aim was to showcase and sell both themselves and the printed books.

  To mark the 625^th anniversary of Gutenberg’s birth, the Gutenberg Museum Mainz is dedicating a first exhibition to the pictorial genre of printer's marks. The accompanying volume opens up the world of printers and publishers from the beginnings of book printing to the present day, and includes texts on processes in the printing workshop, the printer’s job, and specific case studies.

  • The history of book printers, artists and publishers – made clear on the basis of their printer’s marks from a previously unknown museum collection
  • Fascinating case studies from history and the present day, e.g. on the development of the Deutscher Kunstverlag logo
  • Exhibition, Gutenberg-Museum, Mainz, December 2025 to February 2026
  
  

Als „König der Illustration" wird Max Slevogt, der berühmte deutsche Impressionist, von Zeitgenossen gefeiert. Dieser Ausstellungskatalog widmet sich erstmals intensiv seiner einzigartigen Zusammenarbeit mit dem einflussreichsten Verleger Berlins der Weimarer Republik, Bruno Cassirer, die diesen Ruf begründete. In Cassirers Verlag erschien der größte Teil von Slevogts umfangreichen innovativen Illustrationswerken. Der Verleger regte den Künstler immer wieder zu Projekten an und ermöglichte ihm Freiräume für neue Themen und moderne Gestaltungslösungen. Auf der Grundlage der umfassenden erhaltenen Korrespondenz zwischen Slevogt und Cassirer werden zudem zahlreiche neue Erkenntnisse über ihren Erfolg und ihr Netzwerk, über den zeitgeschichtlichen Kontext ihres Wirkens und über das persönliche Verhältnis dieser beiden herausragenden Persönlichkeiten präsentiert.

• Erste Publikation zur einzigartigen Zusammenarbeit Max Slevogts mit Bruno Cassirer
• Erschließung zahlreicher bisher unpublizierter Quellen
• Slevogt als Illustrator
• Ausstellungen: Landesmuseum Mainz, 28. November 2025 bis 8. März 2026; Moderne Galerie, Saarlandmuseum Saarbrücken, 27. März 2026 bis 5. Juli 2026; Liebermann-Villa am Wannsee, 3. Oktober 2026 bis 18. Januar 2027

Das Buch zeichnet die bewegte Geschichte einer 70 Jahre zurückliegenden Ausstellung nach, die für viele der beteiligten Künstlerinnen und Künstler den internationalen Durchbruch bedeutete: Peintures et sculptures non-figuratives en Allemagne d’aujourd’hui im Cercle Volney, Paris. Die private Initiative des Pariser Galeristen René Drouin und seines Unterstützers auf deutscher Seite, Wilhelm Wessel, war 1955 ein Experiment der kulturellen Diplomatie zwischen Frankreich und Deutschland. Das Konzept richtete sich bewusst gegen einen kanonisierten Kunstbegriff des Deutschen Kunstrats sowie führender Museumsdirektoren und stellte den arrivierten Altmeistern der Abstraktion die Vertreter der mittleren und der jungen Generationen des Informel gleichwertig gegenüber.

• Mit historischen Ausstellungsansichten und Quellen zur Vorgeschichte
• Mit Werken von Willi Baumeister, Rupprecht Geiger, K. O. Götz, Norbert Kricke, Brigitte Meier-Denninghoff, Marie-Louise von Rogister, Emil Schumacher, Fritz Winter u. v. m

Die israelische Künstlerin Inbar Chotzen hat erst spät erfahren, dass ein Teil ihrer Vorfahren der NS-Verfolgung zum Opfer gefallen ist. Die Geschichte ihrer Berliner Verwandten lernte sie durch deren Nachlass kennen, der in der Gedenkstätte Haus der Wannsee-Konferenz bewahrt wird. Neben acht Fotoalben, die das Leben der Eltern und der vier Söhne der Chotzens zwischen 1920 und 1942 festhalten, liegen dort 369 Postkarten der verschleppten Familienmitglieder aus dem Lager Theresienstadt an die Mutter in Berlin. Ingbar Chotzen nähert sich diesen verlorenen Leben an, indem sie Szenen aus deren Alltag auf die digitalisierten Karten malt – ein stiller Dialog mit der Vergangenheit. Das Buch zeigt die Kunstwerke sowie die Zeugnisse der Verfolgung, die ihnen zugrunde liegen, zusammen mit einer ausführlichen historischen Einordnung.

• Eine der umfangreichsten Postkartensammlungen aus Theresienstadt – ein einzigartiges Zeugnis der Familie Chotzen
• Die Geschichte des Holocaust durch das bewegende Schicksal einer jüdischen Familie, die bis zuletzt füreinander einstand
• Ausstellung: Liebermann-Villa am Wannsee, Berlin, 20. September 2025 bis 19. Januar 2026

Inwiefern ist Kunst antisemitisch? Welche Rolle spielt Antisemitismus im Feld der Kunst? Diese Fragen sind aktueller denn je – besonders seit der documenta fifteen und dem zuletzt zunehmenden Antisemitismus im Zusammenhang mit dem Krieg in Israel und Palästina. Die Beiträge des Bandes erörtern, welche Bedeutung Antisemitismus für Künstler*innen, Kunsttheoretiker*innen und weitere Akteur*innen des Kunstbereichs bereits vor Beginn der NS-Herrschaft hatte und wie Bildprogramme, Netzwerke und politische Organisationen ihn kultivierten und propagierten. Untersucht werden rechte und völkische Strömungen, zentrale Figuren der klassischen Moderne und die Rolle des Antisemitismus für linke Künstler*innen der Weimarer Republik.

• Bedeutung und Wirksamkeit von Antisemitismus in der Kunst vor 1933

• Neue Forschungsbeiträge zu Ernst Ludwig Kirchner, Johannes Itten, Gerhard Marcks, Emil Nolde, Paul Schultze-Naumburg, Hans Thoma

Über vier Jahrzehnte prägte Barbara Klemm als Fotografin der Frankfurter Allgemeinen Zeitung mit ihren eindrucksvollen Schwarz-Weiß-Aufnahmen das kollektive Bild des politischen und kulturellen Deutschlands der Nachkriegszeit. Ihre Aufnahmen – von den ikonischen Momenten des Mauerfalls 1989 bis hin zu eindringlichen Porträts politischer Größen wie Willy Brandt – sind weit mehr als bloße Dokumente der Zeitgeschichte. Mit ihrem einzigartigen Blick verlieh sie historischen Ereignissen und Personen eine Aura, die bis heute nachwirkt. Das Buch versammelt ihre bedeutendsten Fotografien und zeigt, warum Barbara Klemm als eine der wichtigsten zeitgenössischen Fotografinnen Deutschlands gilt. Ein herausragendes visuelles Zeugnis unserer Geschichte, festgehalten in Bildern, die bleiben.

• Künstlerbuch der renommierten FAZ-Fotografin
• Bildikonen der deutschen Zeitgeschichte

Mitte der 1920er Jahre begann die junge Kunsthandwerkerin Else Stadler-Jacobs aus Pasing bei München mit textilen Materialien zu experimentieren. Besonders Bast faszinierte sie – ein damals im Kunsthandwerk kaum genutztes Material. Mit viel Geschick und einem außergewöhnlichen Gespür für Formen und Farben entwarf sie dekorative Tierfiguren, die bald internationalen Anklang fanden. Bereits 1930 belieferten ihre Modelle renommierte Kaufhäuser in Chicago, San Francisco, London und Budapest.

Um die wachsende Nachfrage zu bedienen, beschäftigte Stadler-Jacobs zahlreiche Frauen, die ihre kunstvollen Tiere in Heimarbeit fertigten. In den Wirtschaftswunderjahren erlebte ihre Manufaktur einen regelrechten Boom und bot bis zu 50 Frauen Arbeit. Über Jahrzehnte hinweg schuf sie mehr als 100 Tierarten – von heimischen Waldbewohnern bis hin zu exotischen Kreaturen.

Fast wäre ihr beeindruckendes Lebenswerk in Vergessenheit geraten. Doch 50 Jahre nach dem Ende ihrer Produktion wurde es auf einem Dachboden in München wiederentdeckt. Daniel Karrasch und Christoph Sauter haben sich auf Spurensuche begeben: Sie erzählen die bewegende künstlerische und wirtschaftliche Erfolgsgeschichte dieser außergewöhnlichen Frau, beleuchten ihre künstlerischen Wurzeln im München der Zeit nach 1900 und rekonstruieren den aufwendigen Herstellungsprozess ihrer Basttiere. Ein reich bebilderter Katalogteil, ergänzt durch historische Aufnahmen, bringt die fantasievolle Welt der „Bastowerkstatt" zurück ans Licht.

• Ausstellung Hutmuseum, Lindenberg, 2. März bis 14. September 2025

German-English edition

Jörg Immendorff’s Café Deutschland, Georg Baselitz’s Remix paintings, or Joseph Beuys’ protest signs—the Viehof Collection is one of the most important private collections in Germany, focusing on German art from the post-war period to the present day. It brings together works by Gerhard Richter and Sigmar Polke, who stand for the audacious, socially critical art of the 1960s, through to the 1980s, marked by artists such as Albert Oehlen and Katharina Sieverding, and extending to 21st-century abstract art, represented by Corinne Wasmuht and Katharina Grosse.

Based on works in the Viehof Collection, the exhibition's accompanying publication presents 24 pioneering positions in German art. Striking contrasts emerge—such as Jörg Immendorff’s expansive formats compared to Joseph Beuys’ conceptual works, or the distinct artistic approaches of Anne Imhof, Katharina Fritsch, and Nairy Baghramian. This overview provides compelling evidence that individual artistic style has long since surpassed any notion of a national school of art.

• Unique insights into a private collection
• A brilliant overview of German post-war art
• Exhibition Albertina modern, Vienna, April 11., until September 7, 2025

Jörg Immendorffs Café Deutschland, Georg Baselitz' Remix-Bilder oder Joseph Beuys' Protestschilder: Die Sammlung Viehof ist eine der bedeutendsten Privatsammlungen Deutschlands mit dem Schwerpunkt auf deutscher Kunst von der Nachkriegszeit bis heute. Sie vereint Werke von Gerhard Richter und Sigmar Polke, die für die „freche", sozialkritische Kunst der 1960er-Jahre stehen, über die 1980er, die von Albert Oehlen oder Katharina Sieverding geprägt werden, bis zum Feld abstrakter Kunst des 21. Jahrhunderts, das mit Werken von Corinne Wasmuht und Katharina Grosse vertreten ist.

Anhand von Werken der Sammlung Viehof präsentiert der Begleitband zur Ausstellung 24 wegweisende Positionen deutscher Kunst. Dabei zeigen sich Gegensätze wie etwa Jörg Immendorffs ausladende Großformate gegenüber den konzeptuellen Arbeiten von Joseph Beuys oder die Arbeiten Anne Imhofs, Katharina Fritschs oder Nairy Baghramians, die einen wiederum völlig anderen künstlerischen Ansatz vertreten. Im Überblick zeigt sich eindrucksvoll, dass der Individualstil längst das Prinzip der Schule einer nationalen Kunst verdrängt hat.

• Einzigartiger Einblick in eine Privatsammlung
• Deutsche Kunst der Nachkriegszeit in einem fulminanten Überblick
• Ausstellung Albertina modern, Wien, 11. April bis 7. September 2025

Die Gewehrgalerie im Langen Gang des Dresdner Residenzschlosses präsentiert rund 500 einzigartige Handfeuerwaffen aus dem Besitz der sächsischen Kurfürsten und Könige. Die prunkvollen Gewehre und Pistolen aus dem 16. bis 19. Jahrhundert dienten der Jagd, dem Scheibenschießen sowie der höfischen Repräsentation. Der neue Museumsführer stellt die Sammlungsgeschichte sowie Architektur und Ausstattung des Langen Ganges vor. Der rund 100 Meter lange Renaissancebau verkörperte mit seiner Ahnengalerie die dynastische Memoria des Herrscherhauses und beherbergte seit 1733 das kurfürstliche „Leibgewehr". Eine reichbebilderte Objektauswahl bietet eine Reise durch drei Jahrhunderte europäischer Büchsenmacher- und Dekorationskunst, wobei die Exponate in ihren vielschichtigen kulturhistorischen Zusammenhängen erläutert werden.

• Meisterwerke der Büchsenmacherkunst aus einer der führenden fürstlichen Waffensammlungen Europas
• Dauerausstellung der Rüstkammer, im Residenzschloss Dresden, Staatliche Kunstsammlungen Dresden

What humankind consider to be truths does not enter our world naked. Rather, it was and is expressed in symbols, images, archetypes and role models. As an ingredient of emotions of religious, cultic or collective orders, art and artists in particular played an important role in the transformation of our world. To be tainted by the stigma of cult and idolatry, or to enable life and works of art through the incarnation of ideas and visions – such contradictions continue to this day in the dispute over the power of images. Their triumph as a mark of sovereignty goes hand in hand with the trauma they trigger in both individuals and communities. They evoke the horror and the sacred and banish both at the same time. They are attributed a cultic aura and likewise suspected of being a false fetish in a world of globally traded commodities. From antiquity to modernity, these facets and tensions are critically explored in Judaism, Christianity and Islam as well as in philosophical discourses and secular ways of life. Our cultural history refers the viewer to the democratic or authoritarian present. Images of hope and resurrection, the fall into hell of war and the abys of the Holocaust are significant for human memory in art and media today and they require our reflection.

• Images of the authentic and betrayal through images - art, image controversy and cult prohibition in cultures since antiquity

• Weighing souls, the Last Judgement and the Resurrection - Jewish, Christian, profane and critical arguments

• Hopes and the plunge into hell in modernity: Crises, catastrophes and the Holocaust in the commemorative cultures of modernity

Für die Künstler*innen des Blauen Reiters, 1911 von Wassily Kandinsky und Franz Marc gegründet, spielten die Zeichnung und die Druckgrafik neben der Malerei eine wichtige Rolle. Den grafischen Gattungen widmete der Blaue Reiter 1912 seine zweite Ausstellung, die mit Arbeiten von Ernst Ludwig Kirchner über Robert Delaunay bis Natalja Gontscharowa eine künstlerische Vielfalt von europäischer Spannweite anschaulich machte.

In „Kosmos Blauer Reiter" präsentiert das Berliner Kupferstichkabinett erstmals seine facettenreiche Sammlung an Grafik des Blauen Reiters, bereichert durch ausgewählte Arbeiten aus weiteren Häusern der Staatlichen Museen zu Berlin. In sieben thematischen Kapiteln und ergänzenden Essays wird die Auseinandersetzung des Blauen Reiters mit der damals aktuellen Kunst in Europa lebendig.

• Erste Publikation zur Grafik des Blauen Reiters im Berliner Kupferstichkabinett
• Mit einem besonderem Fokus auf Künstlerinnen im Blauen Reiter
• Ausstellung: Kupferstichkabinett, Staatliche Museen zu Berlin – Stiftung Preußischer Kulturbesitz (Kulturforum), 01.03. bis 15.06.2025

Daniel Neuberger wird mit diesem Ausstellungskatalog erstmals umfassend gewürdigt. Der vielseitige Künstler war als Bildhauer, Grafiker, Maler, Steinschneider und Literat tätig und erreichte seine größte Meisterschaft im Wachsbossieren, der Kunst des plastischen Formens in Wachs. Besonders seine feinen, oft nur wenige Zentimeter großen Werke waren an europäischen Fürstenhöfen begehrt.

Der Katalog beleuchtet Neubergers Tätigkeit am Wiener Kaiserhof zwischen 1650 und 1663, wo er für Kaiser Ferdinand III. und dessen Söhne als Wachsbossierer, Porträtist und Edelsteinschneider tätig war. Zwei seiner bedeutendsten Werke, ein 60-teiliger Zyklus der Metamorphosen nach Ovid sowie eine allegorische Darstellung auf den Tod Kaiser Ferdinands III., stehen hier im Mittelpunkt. Ergänzt durch eine umfassende kunsthistorische und konservierungswissenschaftliche Analyse, ermöglicht die Publikation einen vertieften Einblick in Neubergers Werk und Technik.

• Würdigung eines fast vergessenen Künstlers: Erstmals umfassende Darstellung des vielseitigen Schaffens Daniel Neubergers.
• Fokus auf Wachskunst: Einzigartiger Einblick in Neubergers meisterhafte Wachsbossierkunst und seine bedeutendsten Werke.
• Interdisziplinäre Analyse: Verknüpfung kunsthistorischer, konservierungswissenschaftlicher und technologischer Aspekte seines Werkes.

Paulus Potter can be regarded as one of the most famous Dutch animal painters. For the first time in his work, animals were the protagonists; as a rule, human beings played only a subordinate role. Potter's works were sought-after during his lifetime and fetched high prices, especially in the 18^th century. According to the first catalogue in 1783, Kassel Picture Gallery owned no fewer than ten paintings by the artist, who died young. No other collection had more of his works. However, many of them were lost during the Napoleonic occupation. The successful re-acquisition of Paulus Potter's "Watermill" offers an opportunity to examine the Kassel gallery’s eventful history and shed light on Potter's significance as an animal painter.

• Paulus Potter as an animal painter
• Re-acquisition of an important painting by Potter
• History of the Kassel collection

(English / German)
The special volume ZERO in the Notizen zu Uecker series collates lecture manuscripts from the workshop "Der Zustand des Erlebens", which took place in Düsseldorf in cooperation with the ZERO foundation in 2023. Invited participants addressed pressing questions regarding artistic action in recent debate. The contributions include approaches focussing on German post-war art, art historical discourses and political theory in the 1960s, elaborated in contemporary debate about artistic production, the field of action, and experiencing the work and the subject, as well as action art, performance, and performativity. The authors’ varied expertise offers fresh perspectives on a contemporary field of discourse.

• Bilingual German-English
• Artistic action, action art, performance, and performativity
• Günther Uecker and German postwar art

Der Sonderband ZERO der Schriftenreihe Notizen zu Uecker versammelt Vortragsmanuskripte des Workshops „Der Zustand des Erlebens", der in Kooperation mit der ZERO foundation 2023 in Düsseldorf stattfand. Eingeladene Akteur*innen beschäftigten sich dabei mit drängenden Fragen zur künstlerischen Handlung in jüngsten Debatten. Die Beiträge umfassen Ansätze mit Fokus auf die deutsche Nachkriegskunst, kunstwissenschaftliche Diskurse und politische Theorie der 1960er-Jahre, erweitert um zeitgenössische Debatten zum künstlerischen Herstellen, dem Aktionsfeld und der Erfahrbarkeit von Werk und Subjekt sowie der Aktionskunst, Performance und Performativität. Durch die unterschiedlich gelagerten Expertisen der Autor*innen ergeben sich neue Perspektiven auf ein zeitaktuelles Diskursfeld.

• Künstlerische Handlung, Aktionskunst, Performance und Performativität
• Günther Uecker und die deutsche Nachkriegskunst

Eine Auswahl von 120 Zeichnungen aus Beständen der Grafischen Sammlung der Kunstsammlungen und Museen Augsburg gibt einen umfassenden Überblick über die Zeichenkunst im deutschsprachigen Raum von 1600 bis ca. 1780. Ein Schwerpunkt der Sammlung liegt auf der Zeichenkunst in Augsburg, einer Stadt, die im 17. und 18. Jahrhundert zu den innovativen Kunstzentren in Deutschland zählte. Gezeigt werden Entwürfe für Deckenfresken und Altargemälde, Vorlagen für Kupferstiche, Skulpturen, und Stammbuchblätter sowie Bildnisse und Landschaften. Künstler wie u.a. Johann Rottenhammer, Johann Heinrich Schönfeld und Joseph Werner stehen für die hohe Qualität der Zeichenkunst im 17. Jahrhundert in Augsburg, Johann Wolfgang Baumgartner, Johann Georg Bergmüller und Johann Evangelist Holzer vertreten sie im 18. Jahrhundert.

Glamour und Geld, Intrigen und Skandale bestimmten das Leben der ungarischen Porträtmalerin Vilma Parlaghy (1863-1924), die ihren Ruhm der Zurückweisung ihrer Werke auf den Berliner Kunstausstellungen und einer durch Kaiser Wilhelm II. verliehenen großen Goldmedaille verdankte. Kaiser, Könige, Minister und Industriemagnaten saßen ihr Modell und durch ihre Ehe mit einem russischen Aristokraten erlangte den Ruf einer Malerfürstin. Nach der Scheidung setzte sie ihre Karriere in Amerika fort, wo sie den Stahltycoon Andrew Carnegie, Präsident Theodore Roosevelt oder den geniale Erfinder Nikola Tesla porträtierte. Sie wurde Millionärin und verlor zuletzt doch alles. Sie starb mit 60 Jahren in New York und ist heute völlig vergessen, nicht zuletzt, weil sie ihr größtes Kunstwerk mit ins Grab genommen hat: sich selbst.

• Malerfürstin
• Porträts der internationalen High Society
• Kunst und Gesellschaft um 1900

Die Entwicklungsgeschichte der Architektur in einer furiosen Gesamtschau, neu erzählt als Geschichte einer großen Transformation: von der Baukunst der Antike bis zur ersten Phase des Neubeginns in der Renaissance, von der Entfaltung der modernen Architektur bis zur Gegenwart und ihrer zukünftigen Entwicklung. Nur so war es möglich, Klarheit auch über den Stand der aktuellen Architektur und deren verwirrendes Erscheinungsbild zu erlangen, den Gesamtzusammenhang von Alter Baukunst und Neuer Architektur zu erfassen und dadurch auch die Moderne in einem neuen Licht zu sehen. Es wurde deutlich, dass beide Erscheinungsformen trotz aller Brüche ein einziges, zusammenhängendes Territorium bilden. Ein neuer Versuch also, zu erklären, wie die Architektur zu dem geworden ist, was sie heute ist.

• 2500 Jahre Baugeschichte in einem Band
• reich illustrierter Text mit über 400 ikonischen Abbildungen
• Die erstaunlichen Metamorphosen der Architektur werden nicht nur beschrieben, sondern erklärt

Hans-Hendrik Grimmling (*1947 in Zwenkau bei Leipzig) ist einer der wichtigsten Maler seiner Generation in Deutschland und war Mitinitiator des legendären 1. Leipziger Herbstsalons 1984, einer Ausstellung, die als Meilenstein der unangepassten DDR-Kunst gilt. Seit mehr als 40 Jahren bewegt sich seine Malerei an den Rändern der Abstraktion. Ihn beschäftigt die Erfahrung des Loslassens, des Lösens von der Figur, vom Narrativ, von der ostdeutschen Identität, das Ausbrechen aus den vorbestimmten Formen des Körperlichen. Grimmling visualisiert sein Thema: das menschliche Drama der Existenz, den Kampf, die Tragödie. Große Flächen, weite Schwünge und ineinander verkettete Bänder ziehen sich als schwarze Bahnen über die Leinwand. Das Schwarz setzt sich durch, wird zum Rausch und über zwei Jahrzehnte hinweg zum einzigen Bildinhalt. Die vorliegende Publikation ist die erste Monografie, die das Gesamtwerk des Malers vorstellt.

• Retrospektive eines unangepassten DDR-Künstlers: ein Überblick mit Werken aus fünf Jahrzehnten
• Ausstellung: Kunstmuseum Magdeburg. Kloster Unser Lieben Frauen, 14.09.2014 bis 08.02.2025, Buchvorstellung im Januar 2025

(English / German)
Art meets architecture: Bettina Cohnen brings together East and West as well as combining a photo essay and photographic art in ‘’Duett der Moderne‘’. In her photo series, she shows people in the famous post-war Berlin neighbourhoods of Karl-Marx-Allee and the Hansaviertel in their surroundings, with all their complexity and intimacy. At the same time, she traces the idea behind the respective architecture. After all, the essential concern of modernist architects was good and affordable housing for everyone. This applied as from 1950 to the planning of the ‘Sozialistische Straße’ and later Karl-Marx-Allee in East Berlin as well as to the new Hansaviertel in West Berlin in 1957. Today, the rivalry between the systems has turned into a duet: a duo uniting East and West. The catalogue for the exhibition ‘’Duett der Moderne‘’ combines photo essay and photographic art, the mediation of architectural culture, and the living history of monuments.

• Stories behind the facades: Photo artist Bettina Cohnen shows people in Berlin’s East and West neighbourhoods, and sets architecture and history into a new artistic context
• Exhibition: Mitte Museum, Berlin, 6th of March to September 2025
  

Kunst trifft Architektur: Bettina Cohnen bringt in „Duett der Moderne" Ost und West sowie Fotoessay und Fotokunst zusammen. In den Bildserien zeigt sie Menschen in den berühmten Berliner Nachkriegsquartieren der Karl-Marx-Allee und des Hansaviertels in ihren Räumen, ihrer Komplexität und Intimität. Zugleich spürt sie der Idee der jeweiligen Architektur nach. Denn das zentrale Anliegen der Baumeister der Moderne waren gute und bezahlbare Wohnungen für alle. Dies galt ab 1950 für die Planung der „Sozialistischen Straße" und späteren Karl-Marx-Allee in Ost-Berlin ebenso wie für das neue Hansaviertel 1957 in West-Berlin. Aus der Rivalität der Systeme ist heute ein Duett geworden. Ein Duo, in dem Ost und West vereint sind. Der Katalog zur Ausstellung „Duett der Moderne" verbindet Fotoessay und Fotokunst, Baukulturvermittlung und gelebte Denkmalgeschichte.

• Geschichten hinter den Fassaden: Die Fotokünstlerin Bettina Cohnen zeigt Menschen in Berliner Quartieren von Ost und West und setzt Architektur und Historie in einen neuen künstlerischen Kontext
• Ausstellung: Mitte Museum, Berlin, 6. März bis September 2025

Die Neuauflage des Dehio Thüringen enthält neben notwendigen Korrekturen einzelner Fehler vor allem umfängliche Aktualisierungen. Es wurden Ergänzungen aufgrund von neuen Forschungen und abgeschlossenen Sanierungen vorgenommen und die neue Schwerpunkte sowohl bei den Objekttexten als auch, in einem gewissen Umfang, bei der Objektauswahl gesetzt. Insbesondere sind die baulichen Zeugnisse des 20. Jahrhunderts in angemessener Weise und damit deutlich stärker gewichtet.

Die Bearbeitung erfolgte in der bewährten Partnerschaft zwischen der Dehio-Vereinigung und dem zuständigen Landesamt für Denkmalpflege in Thüringen, erweitert um die Mitarbeit der Professur Denkmalpflege und Baugeschichte der Bauhaus-Universität Weimar.

Band 2: Kreis Altenburger Land, Stadt Erfurt, Stadt Gera, Kreis Greiz, Stadt Jena, Saale-Holzland-Kreis, Saale-Orla-Kreis, Kreis Saalfeld-Rudolstadt, Kreis Sömmerda, Stadt Weimar, Kreis Weimarer Land

• Denkmälerhandbuch und praktisches Nachschlagewerk für die Reise und den Schreibtisch
• Übersichtlich gegliedert und mit umfangreichem Karten- und Planmaterial ausgestattet.

Alle Dehio-Bände im Überblick

Die Neuauflage des Dehio Thüringen enthält neben notwendigen Korrekturen einzelner Fehler vor allem umfängliche Aktualisierungen. Es wurden Ergänzungen aufgrund von neuen Forschungen und abgeschlossenen Sanierungen vorgenommen und die neue Schwerpunkte sowohl bei den Objekttexten als auch, in einem gewissen Umfang, bei der Objektauswahl gesetzt. Insbesondere sind die baulichen Zeugnisse des 20. Jahrhunderts in angemessener Weise und damit deutlich stärker gewichtet.

Die Bearbeitung erfolgte in der bewährten Partnerschaft zwischen der Dehio-Vereinigung und dem zuständigen Landesamt für Denkmalpflege in Thüringen, erweitert um die Mitarbeit der Professur Denkmalpflege und Baugeschichte der Bauhaus-Universität Weimar.

Band 1: Kreis Eichsfeld, Kreis Gotha, Kreis Hildburghausen, Ilm-Kreis, Kyffhäuserkreis, Kreis Nordhausen, Kreis Schmalkalden-Meiningen, Kreis Sonneberg, Stadt Suhl, Unstrut-Hainich-Kreis, Wartburgkreis

Band 2: Kreis Altenburger Land, Stadt Erfurt, Stadt Gera, Kreis Greiz, Stadt Jena, Saale-Holzland-Kreis, Saale-Orla-Kreis, Kreis Saalfeld-Rudolstadt, Kreis Sömmerda, Stadt Weimar, Kreis Weimarer Land

• Denkmälerhandbuch und praktisches Nachschlagewerk für die Reise und den Schreibtisch
• Übersichtlich gegliedert und mit umfangreichem Karten- und Planmaterial ausgestattet.
• Auch einzeln erhältlich.

Alle Dehio-Bände im Überblick

Im Herzen Bielefelds liegt die größte Kirche der Stadt: Die evangelisch-lutherische Neustädter Marienkirche. Ihre Entstehung ist eng mit den Grafen von Ravensberg verbunden, die ab 1293 eine Kirche im Stil der Gotik errichten ließen. Am Fuße des Sparrenberg gelegen prägen die Westtürme der Marienkirche das Stadtbild Bielefelds bis heute.

• Forgotten artistic positions of the 50s and 60s
• Neue Galerie Kassel, 11.10.2024 – 26.1.2025
• Kunsthalle Schweinfurt, 20.2.2025 – 22.6.2025
• Emil Schumacher Museum, Hagen

Die informelle Kunst entwickelte sich vom Beginn der 1950er- bis zu den frühen 1960er-Jahren zu der vorherrschenden Kunstrichtung in Europa. Der kunsthistorische Blick auf diese von klassischen Form- und Gestaltungsprinzipien losgelöste Kunstrichtung fokussierte sich bislang meist auf ihre männlichen Vertreter. Der Band wirft nun einen neuen Blick auf die Kunst des Informel und würdigt hochkarätige Positionen von 16 Künstlerinnen. Neben bekannten Namen wie Maria Lassnig, Brigitte Meier-Denninghoff, Judit Reigl und Maria Helena Vieira da Silva werden lang vergessene Künstlerinnen wiederentdeckt. Anhand von kunstsoziologischen Fragen zu Netzwerken, Ausstellungsbeteiligungen und zur Rezeption wird zudem den Mechanismen des Kunstbetriebs nachgespürt.

• Vergessene künstlerische Positionen der 50er und 60er Jahre
• Neue Galerie Kassel, 11.10.2024 – 26.1.2025
• Kunsthalle Schweinfurt, 20.2.2025 – 22.6.2025
• weitere Station: Emil Schumacher Museum, Hagen

Von 1950 bis 1971 wurden 26 neue Synagogen in Deutschland gebaut. Die Weihe der Synagogen in Saarbrücken 1951 markiert eine gesamtdeutsche Phase neu errichteter Synagogen und jüdischer Gemeindehäuser. Mit der Weihe der Synagoge in Karlsruhe im Jahr 1971 kam jene mengenmäßig geringe Bauphase vorläufig zum Erliegen. Diese erste Baugruppe wurde größtenteils von unbekannten jüdischen und nicht jüdischen Architekten entworfen. Zentrale Aspekte sind hierbei, welche architektonischen Vorbilder auf den Nachkriegssynagogenbau eingewirkt haben und lässt sich die Fortsetzung einer bis 1931 entwickelten synagogalen Architektursprache feststellen? Betrachtet wird ebenso, welchen Stellenwert diese neue Synagogenarchitektur in Deutschland nach 1945 hatte und ob die Bedeutung dieser Neubauten erkannt wurde.

• Synagogen und jüdische Gemeindehäuser im Nachkriegsdeutschland
• Architektur in Ost- und Westdeutschland
• Unbekannte Architekten

Der japanische Grafiker Tanaka Ryōhei (1933–2019) schuf im Laufe seines Lebens über 770 Radierungen. Seine Themen fand er im ländlichen Japan. Detaillierte, fast hyperrealistische Radierungen Tanakas zeigen die allmählich verschwindenden Bauernhäuser mit Strohdach, Scheunen und Häuser. Aber auch Bäume und Reisfelder sowie Tempeldächer und -gärten waren seine bevorzugten Motive. Japans Tradition in der Herstellung von Druckgrafik reicht weit zurück. Während Holzschnitte aus dem 18. bis frühen 20. Jahrhundert im Mittelpunkt zahlreicher Ausstellungen und Veröffentlichungen standen, wurde der Druckgrafik und Radierung der Nachkriegszeit deutlich weniger Aufmerksamkeit geschenkt. Diese Publikation ist die erste deutschsprachige Monografie, die sich dem Leben und Werk Tanaka Ryōheis widmet und den Fokus auf diese bis heute weniger bekannten Aspekte der japanischen Druckgeschichte legt. Das Buch enthält eine ausführliche Einführung in die Technik des Radierens und präsentiert über 150 Werke des Künstlers, die uns einladen, in die Stille und Harmonie der Landschaft Japans einzutauchen.

• Japanische Radierungen der Nachkriegszeit – Tanaka Ryōhei zeigt die Welt der verschwindenden ländlichen Landschaften Japans
• Erstveröffentlichung in deutscher Sprache zur ersten großen Retrospektivausstellung in Deutschland
• Ausstellung: 29.11.2024– 14.04.2025, Museum für Ostasiatische Kunst, Köln

Friedrich Vordemberge-Gildewart (1898–1962), als Künstler mit den Größen seiner Zeit verbunden, und Ilse Leda (1906–1981), Tänzerin, Tanzpädagogin und Choreografin, lernten sich kennen, als die internationale Avantgarde der konstruktiven, ungegenständlichen Abstraktion und mit ihr neue Formen der Fotografie, des Films und des Tanzes in Hannover Station machten. Beide waren tief beeindruckt von der großen Utopie einer durch klare Gestaltung und Schönheit verbesserten Welt. Sie nahmen diese Prinzipien für sich an – auch als Ausdruck ihres Denkens und Arbeitens – durch die Zeiten des Aufbruchs, der Emigration nach Amsterdam und des Ankommens bei einer sehr persönlichen Kunst aus formaler Reduktion und brillanter Farbigkeit, aus Leichtigkeit und tiefer Menschlichkeit. In einfühlsamen Texten und eindrucksvollen zeitgenössischen Fotografien eröffnet sich ein respektvolles Miteinander eines Paares auf Augenhöhe, das sich gegenseitig unterstützte und inspirierte: tanzende Bilder und bildender Tanz – gemeinsam mit einer klaren Ästhetik für Kunst und Leben.

• Publikation anlässlich des 125-jährigen Geburtstags Friedrich Vordemberge-Gildewarts
• Neubewertung und Würdigung der Tänzerin, Tanzpädagogin und Choreografin Ilse Leda
• Zwei Künstlerleben in Fotografien der 1920er-/1930er-Jahre von Hugo Erfurth, Lore Feininger, Albert Renger-Patzsch. Kurt Schwitters, Käte Steinitz, Paul Citroen, Lázló Moholy-Nagy, Theo van Doesburg u. a.

• Ausstellung: Museum Wiesbaden, September 2025 bis Februar 2026

Der Reflexion von Architektur widmen sich Künstler*innen heute mit gesteigertem, ökologischem und sozialem Interesse. Ihre Werke spiegeln und hinterfragen oft spielerisch und humorvoll Lebensräume und Lebensentwürfe. Rund 100 Werke aus fünf Jahrhunderten führt die Ausstellungspublikation zusammen: Gemälde, Zeichnungen, Fotografien und Skulpturen der Sammlung begegnen Videoarbeiten und Installationen zeitgenössischer Künstler*innen. In ihnen geht es um Architektur als anthropologische Selbstbeschreibung, als Bühne oder Archiv sozialer, ökonomischer und politischer Verhältnisse, kollektiver und individueller Geschichte und Utopien.

• Die Architektur in der Kunst vom 17. bis 21. Jahrhundert
• Ausstellung: Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, geplant ab Ende 2024

• Künstler*innen: Franz Ackermann, Robert Delaunay, Otto Dix, Lyonel Feininger, Günther Förg, Vincent van Gogh, Alexander Kanoldt, Karl Hubbuch, Brabara Klemm, Dionisio González, Niclas Goldbach, Axel Lieber, Julia Oschatz, Judith Hopf, Isa Melsheimer, Nicolas Daubanes, Alain Delorme, Rebecca Ann Tess, Stephen Craig, Samuel Beckett und Henrique Oliveira, Giovanni Battista Piranesi, Sean Scully und viele mehr

Digitale Technologien haben auch dem Kultursektor neue Möglichkeiten eröffnet. Viele Museen sind im Internet mit unterschiedlichem Material vertreten. Augmented Reality und Virtual Reality bieten auch in bestehenden Museen Immersionserlebnisse. Aber für viele Themen gibt es keine Museen und Ausstellungen. Die Autorengruppe „Forum Virtuelle Museen“ legt nun einen Diskussionsbeitrag vor, der Museen im Metaversum thematisiert und konzeptionelle, vielleicht auch schon umsetzbare Entwürfe zu virtuellen Museen fördern soll. Dabei entstehen zwei Basisfragen: „Was ist ein virtuelles Museum?“ und „Für welche Themen oder Konstellationen kann ein virtuelles Museum besonders geeignet sein?“. Die vorliegende Schrift gibt zur erstgenannten Frage eine pragmatische Antwort. Zur zweiten Frage und zur Umsetzung werden umfassende Thesen aufgestellt.

Autor*innen des „Forum Virtuelle Museen“:
Isabelle Becker, Messe Basel
Otmar Böhmer, Kunststiftung Volkswagen und Kunstmuseum Wolfsburg
Reinhard Gröne, Angel Engine e. V., Düsseldorf
Bernd Günter, Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf
Rebecca Heinzelmann, Studio Heinzelmann
Anja Kircher-Kannemann, Jugendstilforum Bad Nauheim
Yasmin Mahmoudi, Kanzlei Dr. Mahmoudi & Partner Rechtsanwälte mbB, Köln
Julia Römhild, Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf
Holger Simon, Pausanio, Köln
Theresa Stärk, Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf
Laura Zebisch, Goethe-Institut

Ein Buch, geschrieben auf der Basis persönlicher Begegnungen mit Emigranten der Kunstgeschichte, die fast ausschließlich jüdischer Herkunft waren. Neben der Emigrationsgeschichte steht der Umgang mit Kunst im Zentrum. Es kommt zu Treffen mit Universitätslehrern und Museumskuratoren, mit Sammlern und Händlern. Mit Erfolgreichen, aber auch mit jenen, die an den Verhältnissen scheiterten und dennoch versuchten, eine Form der Existenz zu finden. Voraussetzung für dieses Buch war das eigene Geburtsdatum und der Geburtsort: Prag 1944. Was ließ sich über die Zeit der deutschen Besetzung sagen und welche Konsequenzen hatten die Umstände für die eigene Familienexistenz. Der zweite Anlass war die Erarbeitung der Dissertation am Warburg Institute in London, dem deutschen kunsthistorischen Emigranteninstitut, 1970/71.

• Emigrationserfahrungen
• Geschichte der europäischen Kunstgeschichte
• Lebenserinnerungen

Digital technologies have opened up new possibilities for the cultural sector. Many museums are represented on the internet with various materials. Augmented reality and virtual reality offer immersion experiences even for existing museums. However, for many topics there are no museums and exhibitions. The author group “Virtual Museums Forum” is now presenting a contribution to the discussion that focuses on museums in the metaverse. It aims to promote conceptual considerations for implementing virtual museums. This raises two fundamental questions: “What is a virtual museum?” and “For which topics or constellations can a virtual museum be particularly suitable?” This book provides a pragmatic answer to the first question. Comprehensive theses are then put forward for the second question and implementation of virtual museums.

“Virtual Museums Forum” author group:
Isabelle Becker, Messe Basel
Otmar Böhmer, Kunststiftung Volkswagen und Kunstmuseum Wolfsburg
Reinhard Gröne, Angel Engine e. V., Düsseldorf
Bernd Günter, Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf
Rebecca Heinzelmann, Studio Heinzelmann
Anja Kircher-Kannemann, Jugendstilforum Bad Nauheim
Yasmin Mahmoudi, Kanzlei Dr. Mahmoudi & Partner Rechtsanwälte mbB, Köln
Julia Römhild, Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf
Holger Simon, Pausanio, Köln
Theresa Stärk, Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf
Laura Zebisch, Goethe-Institut

(English / German)

Erwin Panofsky’s assertions in Renaissance and Renascences in Western Art (1960) that a new historical consciousness and a quest for an ‘all’antica’ idiom was manifest in the art and architecture of the period are routinely reiterated in art historical narratives.By formally analyzing fifteenth-century visual culture, however, questions can be raised about what the artists and architects of the period actually used as their models and how they understood and studied the past. Maria Fabricius Hansen juxtaposes in this essay the conventional definitions of the Renaissance, through its endeavors to revive or renew Roman Antiquity, with observations of paintings and buildings of the fifteenth century in order to reconsider the characteristics of Italian visual culture of the time.

• Debate on the ideas of all’antica and classicism in the Italian Renaissance
• Critical review of art historical mappings of causes of inspiration from Roman antiquity
• Discussion of Panofsky, Renaissance and Renascences in Western Art (1960)

Erwin Panofskys Behauptungen in Renaissance and Renascences in Western Art (1960), dass sich in der Kunst und Architektur der Epoche ein neues Geschichtsbewusstsein und eine Suche nach einem "all'antica"-Idiom zeigt, werden auch heute noch regelmäßig aufgegriffen. Durch eine formale Analyse der visuellen Kultur des 15. Jahrhunderts können jedoch Fragen darüber aufgeworfen werden, was die Künstler und Architekten dieser Zeit tatsächlich als ihre Vorbilder verwendeten und wie sie die Vergangenheit verstanden und studierten. Indem Maria Fabricius Hansen die Renaissance und ihr Verhältnis zur Vergangenheit erörtert, konfrontiert sie den, vorher als paradigmatisch geltenden, kunsthistorischen Eifer, Wiederbelebungen der Antike zu belegen und antike römische Inspirationsquellen zu kartieren.

• Erörterung der Konzepte all'antica und Klassizismus der italienischen Renaissance
• Diskurs über kunsthistorische Darstellungen von römisch-antiken Inspirationsquellen
• Diskussion von Erwin Panofsky, Renaissance und Renascences in Western Art (1960)

(English / German)
The terms "figure" and "ground" became fundamental to art-historical analysis and writing over the course of the twentieth century. But is this dichotomy suited to describe premodern art and artifacts? In Between Figure and Ground: Seeing in Premodernity, essays by Claudia Blümle, Gottfried Boehm, Péter Bokody, Beate Fricke, Bruno Haas, David Young Kim, Aden Kumler, Christopher Lakey, Karin Leonhard, Jürgen Müller, Veronica Peselmann, Christoph Poetsch, Raphael Rosenberg, Tom Steinert, Nicola Suthor, Noa Turel, and Saskia C. Quené call into question long-standing habits of seeing and understanding figure-ground relations, expand art-historical vocabularies, and productively challenge anachronistic attachments to modernist paradigms. Offering new approaches and methodological reflections from art history and theory, Bildwissenschaft, and art historiography, this volume provides stimulating answers to the question:　What can be seen and described between premodern figures and grounds?

• Figure and ground in the context of art-historical analysis
• Transcends binary structures
• seeing and understanding figure-ground relations

„Figur" und „Grund" sind zentrale Begriffe der Kunstwissenschaft. Sie entstammen jedoch einer Kunstgeschichte der Moderne. Inwiefern diese dichotomen Leitbegriffe des Sehens auch geeignete Leitbegriffe einer Kunstgeschichte der Vormoderne sein können, ist jedoch weitgehend unhinterfragt geblieben. Dieser Band stellt mit Beiträgen von Claudia Blümle, Gottfried Boehm, Péter Bokody, Beate Fricke, Bruno Haas, David Young Kim, Aden Kumler, Christopher Lakey, Karin Leonhard, Jürgen Müller, Veronica Peselmann, Christoph Poetsch, Raphael Rosenberg, Tom Steinert, Nicola Suthor, Noa Turel und Saskia C. Quené etablierte Sehgewohnheiten in Frage und fordert anachronistische Bindungen an modernistische Paradigmen heraus. Bildtheoretische, kunsthistorische, historiographische und methodologische Ansätze stehen dabei gleichermaßen zur Debatte. Was lässt sich zwischen Figur und Grund sehen und beschreiben?

• Figur und Grund im Kontext der kunsthistorischen Analyse
• zentrale Aspekte der Diskussion
• neue Forschungsfragen

The murals of the Battle of the Milvian Bridge and the Vision of the Cross in the Sala di Costantino in the Vatican, named after the fresco-cycle conceived by Raphael and executed by Giulio Romano, are regarded by scholars as originating from an intense study of antiquity in Raphael’s circle, followed by a desire to achieve an historically accurate approach to ancient art. However, Raphael was recognised already by Giorgio Vasari, Ludovico Dolce and Annibale Carracci, not only for his expertise on antiquity, but also for his poetic qualities as an outstanding history painter. Based on the motto anticamente moderno e modernamente antico, with which Pietro Aretino describes Giulio Romano’s ideal synthesis of ancient and contemporary art, Michail Chatzidakis analyses the difference between historical and poetic methods of representation in order to determine more precisely the relationship between archaeological precision and poetic creativity in the work of Raphael and his circle in the Sala di Costantino.

Kunstmuseum Basel’s Kupferstichkabinett is home to a unique collection of drawings by late 15^th and early 16^th century German masters. Conceived as a scholarly catalogue, this publication is devoted to a particularly important part of the collection: drawings by Albrecht Dürer and his circle. That circle included those artists who worked in Dürer’s workshop or had an affinity with him artistically: Hans Baldung Grien, Hans Schäufelin, Hans von Kulmbach, Hans Springinklee and Hans Leu the Younger. Most of the works come from the collection of Basel-based lawyer Basilius Amerbach (1533-1591), which was acquired from Amerbach’s heirs by the city of Basel in 1661.

• Seminal work on the art of drawing during the German Renaissance
• First scholarly and systematic publication of key works from Basel’s Kupferstichkabinett

The beginnings of Renaissance architecture in Florence, around 1420, were accompanied by a renewal of sculptural architectural ornamentation, and soon cast their spell over the rest of Europe. The 'antique style' was considered modern everywhere; Gothic architecture, the previous notion of modern, fell into gradual disrepute. This was an epoch-making paradigm shift, underpinned as architectural theory also took up the subject of architectural ornamentation.

For the first time, Joachim Poeschke presents a detailed study of architectural ornamentation's development in Italy from approx. 1420 to 1490. His focus is on the period's productive engagement with antiquity, which defined the artistic work of the early Renaissance to a huge extent, and which is best noted in the details of architectural ornamentation.

This publication undertakes an experiment: travelling back in time into a peculiar late-19th century art world. For the opulent plays staged by the Düsseldorf artists’ association Malkasten, painter Otto Erdmann slips into costume himself and turns his neo-rococo style paintings into miniature stages. Reproduced thousands of times as art prints and trading cards, they reflect a social self-image ranging between play and reality, between unbridled enthusiasm for the future and romanticised dreams of the past. Entertaining and thoroughly researched, this book seeks to understand one of the most controversial epochs in recent art history, and asks what recourse to history signifies for the art of today.

• A first comprehensive monograph on Düsseldorf painter Otto Erdmann (1834-1905), including a catalogue raisonné as appendix.
• Art-historical and image-theoretical reflections on the practices of the late 19th-century art and media scene
  

For four decades, Vivienne Silver-Brody has collected photographs of Palestine/Eretz Israel taken from the nineteenth century until the turn of the 21st, creating a multi-faceted photographic narrative of the land. This book presents some three hundred of the most striking photographs in her collection and includes a comprehensive narration of the history of local photography and the unique story of her collection. This is both a tale of many people with shared historical backgrounds relating to the land and a showcase of the potential within photography to encompass the very fabric of life. The diversified perspectives, landscapes, portraits, lifestyles, dress, traditions, and customs manifest in this album, bring to life the history of photography of this land, which is one shared by the peoples that call it home. For the last section of the book, Silver-Brody invited sixty individuals—photographers, scholars, artists, curators, and collectors from different religious, cultural, and national backgrounds—to choose a single photograph from her collection and to write a short essay relating to it. These texts together offer a fascinating and wide-ranging narrative, thus adding significant historical relevance.

• A unique voice that reaches beyond politics and religion
• Presents a photographic history of the Land of Israel as a shared place rather than as disputed territory
• Photographs by Yaacov Ben Dov, Alfons Himmelreich, Hanna Safieh, Drora Spitz, Moi Ver among others

(English / German)

The series Notizen zu Uecker publicizes the research of GUI fellowship holders. In Nick Böhnke's study Berührung im Entzug. Struktur, Temporalität und Haptik des malerischen Handelns an den frühen Strukturreliefs Günther Ueckers for volume 3 of the series, the concept of 'action' is expanded to incorporate the artist's painterly approaches up until the 1960s. The author examines aspects of the relief in Uecker's work, in the intermediate field of image and performativity and paying particular attention to the social upheaval during those years. The focus is on the significance of touching and grasping, on the sensual and tactile moments in the creation of Uecker's now iconic works.

• A fresh perspective on Günther Uecker and his work
• A significant contribution to contemporary art theory

Die Schriftenreihe Notizen zu Uecker macht die Forschungsergebnisse der Stipendiat*innen des GUI der Öffentlichkeit zugänglich. Mit Nick Böhnkes Untersuchung Berührung im Entzug. Struktur, Temporalität und Haptik des malerischen Handelns an den frühen Strukturreliefs Günther Ueckers für Band 3 der Reihe wird der Begriff des ‚Handelns‘ um malerische Ansätze des Künstlers bis in die 1960er-Jahre erweitert. Im Zwischenbereich von Bild und Performativität und unter besonderer Berücksichtigung der gesellschaftlichen Umbrüche dieser Jahre, untersucht der Autor Aspekte des Reliefs in Ueckers Werk. Der Fokus liegt dabei auf der Präsenz des Berührens sowie dem (Be)Greifen, den sinnlichen und taktilen Momenten der Entstehung von heute ikonischen Werken Ueckers.

• Günther Uecker und sein Werk in neuer Perspektive
• Wichtiger Beitrag zur zeitgenössischen Kunsttheorie

Dieser opulente Katalog stellt die erste umfassende Publikation zum Erfurter Haupt-Nachlass des Landschaftsmalers Friedrich Nerly (1807–1878) dar. Bereits kurz nach seinem Tod traf das umfangreiche Konvolut in Erfurt ein und führte zur Gründung des Angermuseums. Der reiche Bestand an Gemälden und Ölstudien ermöglichte es in Verbindung mit dem Korpus an Zeichnungen, den Maler in all seinen Facetten zu erforschen. Seine Lebensreise führte ihn zunächst nach Hamburg zu dem Kunstpädagogen Carl Friedrich von Rumohr, der bald mit seinem Schüler nach Italien aufbrach. Hier fand Nerly seine neue Wahlheimat und schuf bereits in Rom spektakuläre Ölstudien. Seine Hauptschaffenszeit verbrachte er als "celebre pittore" in Venedig, malte als erfolgreichster ausländischer Maler für die ganze Welt und erfand als Trendsetter das venezianische Mondscheinbild.

• Nerly als früher Trendsetter – die Erfindung des venezianischen Mondscheinbildes
• Eine erfolgreiche Künstlerkarriere im Zeichen von Mobilität und beginnender Globalisierung
• Ölstudien aus Olevano, Terracina und Tivoli – Höhepunkte einer neu entstehenden Gattung

Ausstellung im Angermuseum Erfurt
17. November 2024 bis 23. Februar 2025

Munich was one of the earliest and most important centres of Art Nouveau in Germany. After the founding of the first Secession here (1892), the magazines Simplicissimus and Jugend were also published in Munich as from 1896. The latter also gave the new art its German name. Many artists were searching for contemporary forms of expression and followed holistic approaches. In addition to the classic genres of high art, the spectrum of work also extended into other fields; objects were designed for different social classes and as many spheres of life as possible. In contrast to French Art Nouveau with its lavish floral ornamentation, Munich Art Nouveau is more two-dimensional and has greater clarity. Leading to abstraction and objectivity, the roots of modernist art and design are found here.

• The full artistic spectrum of Munich's Art Nouveau! Including works by Peter Behrens, Sophie Burger-Hartmann, Otto Eckmann, August Endell, Elisabeth Erber, Hermann Obrist, Bruno Paul, Richard Riemerschmid, Gertraud von Schnellenbühel, and many more.
• Many highlights from the internationally renowned Art Nouveau collection of Munich's Municipal Museum hosted by Kunsthalle München

Die Dichterzimmer im Westflügel des Weimarer Residenzschlosses sind das erste Denkmal für die Weimarer Klassik. An Goethe, Schiller, Wieland und Herder wird hier in vier künstlerisch hochwertig ausgestalteten Räumen erinnert. Besonders beeindruckend sind die großflächigen, farbintensiven Wandmalereien in spät-nazarenischem Stil. Auftraggeberin für das Ensemble war Maria Pawlowna, russische Zarentochter und Ehefrau von Großherzog Carl Friedrich von Sachsen-Weimar-Eisenach. Sie finanzierte das anspruchsvolle Projekt, dessen grundlegende erste Entwürfe von dem Berliner Architekten Karl Friedrich Schinkel stammen. Unmittelbar nach Fertigstellung im Jahr 1848 wurden die Räume für Besucherinnen und Besucher geöffnet. Nach einer umfangreichen Restaurierung sind die Raumkunstwerke seit 2020 wieder in ihrer ursprünglichen Pracht erlebbar und werden im vorliegenden Band umfassend vorgestellt.

• Erstes Denkmal für die Weimarer Klassik mit einzigartigen nazarenischen Wandmalereien
• Beginn der Weimarer Memorialkultur

German-English-French edition

The work of Swiss artist Alberto Giacometti (1901-1966) represents a unique contribution to modernist sculpture. Known for his elongated, expressive figures from the period after 1945, he was also a notable member of the Surrealist group around André Breton between 1930 and 1935. To mark the anniversary "100 Years of Surrealism", the exhibition and catalogue shed light on Giacometti’s surrealist oeuvre, exploring how the surrealist element continues in his post-war works. His friendship and artistic ties with Max Ernst are also examined for the first time. The richly-illustrated, trilingual catalogue presents Giacometti's surrealist-influenced sculptures together with paintings, drawings and prints.

• In-depth examination of Alberto Giacometti’s surrealist work, also beyond his direct affiliation with the Surrealist group

Deutsch-englisch-französische Ausgabe

Das Werk des Schweizer Künstlers Alberto Giacometti (1901–1966) gehört zu den eigenständigsten Beiträgen zur Skulptur der Moderne. Bekannt für seine lang gestreckten, ausdrucksstarken Figuren der Zeit nach 1945 war er zwischen 1930 und 1935 namhaftes Mitglied der surrealistischen Gruppe um André Breton. Anlässlich des Jubiläums „100 Jahre Surrealismus" beleuchten Ausstellung und Katalog das surreale Schaffen Giacomettis und gehen der Frage nach, wie sich das surrealistische Moment auch in seinen Arbeiten der Nachkriegszeit fortsetzt. Erstmals wird dabei auch seine freundschaftliche und künstlerische Verbindung zu Max Ernst in den Blick genommen. Der reich illustrierte dreisprachige Katalog präsentiert Giacomettis surrealistisch geprägte Skulpturen zusammen mit Gemälden, Zeichnungen und Grafiken.

• Eingehende Betrachtung des surrealen Schaffens von Alberto Giacometti auch jenseits seiner Zugehörigkeit zur surrealistischen Gruppe
• Ausstellung Max Ernst Museum Brühl des LVR, Brühl, 1.9.2024 – 15.1.2025

Um 1780 eroberte das spektakuläre Medium des Transparentbilds von England aus Europa. Die Kasseler Museen verwahren einen großformatigen, doppelseitig bemalten „Mondschein" von Caspar David Friedrich. Wird er von hinten durchleuchtet, so lichtet sich der Nebel auf der Vorderseite. Wie von Zauberhand erscheint eine Hügellandschaft mit einer fernen Stadt. Sogar einen filmisch anmutenden Ablauf mit ineinander übergehenden Tageszeiten vom frühen Morgen bis zur tiefen Dämmerung konnte Friedrich mit historischen Beleuchtungsmitteln erzeugen. Wie lässt sich der Kasseler Mondschein in die Geschichte der Transparentmalerei einordnen? Wo lernte Friedrich das besondere Medium kennen und wie eignete er sich in zuvor unerreichter Perfektion die Technik an? Die Erforschung des Themas war sehr ertragreich.

• Neue Erkenntnisse zum faszinierenden Medium der Transparentmalerei um 1800
• Caspar David Friedrichs einziges Mondscheintransparent
• In Zusammenarbeit mit Physikhistorikern zur historischen Beleuchtungssituation

Das wechselvolle Verhältnis zwischen dem Plakat als künstlerisch-gestalterisches Medium und der Rolle, die Frauen einnehmen, ist das Thema der begleitenden Publikation zu einer Ausstellung im Museum Wiesbaden. Die Plakatauswahl aus den Jahren 1913–1921 zeigt die vielfältigen Rollen von Frauen, wie sie in der Öffentlichkeit dargestellt wurden. Gestalterisch gekonnt in Szene gesetzt, vermitteln sie so an die Gesellschaft, welches Verhalten sozial erwünscht ist, welche Freiräume denkbar, aber auch, welche Grenzen nicht verhandelbar waren. Für den männlichen Plakatentwerfer ist die Frau das Modell, das vielfältig eingesetzt wird. Aber auch Grafikerinnen gestalteten professionell Plakate. Ihre Entwürfe zeigen das wachsende Selbstbewusstsein von Frauen, sich von kunsthandwerklichen Unikaten ebenso wie von kleinen Formaten zu verabschieden und stattdessen mit großformatigen und in hoher Auflage reproduzierbaren Werbemitteln in die Öffentlichkeit zu treten.

• Plakate aus der ersten Hochphase deutscher Plakatgestaltung (1913–1921)　
• Der männliche und weibliche Blick auf die Rolle der Frau in der Gesellschaft
• Grafische Entwerferinnen: Emanzipation durch Plakatgestaltung

• Ausstellung: Museum Wiesbaden, 11.10.2024 bis 16.2.2025

Erstmalig wird in diesem Buch Renoirs Auseinandersetzung mit Mode und Textilien untersucht, um einen neuen Zugang zum zunächst gefeierten und im 20. Jahrhundert unter Kitschverdacht geratenen Künstler zu eröffnen. In der bildwissenschaftlichen Analyse hinterfragt Agnes Sawer das Klischee des „Malers des Glücks" und zeigt, wie Renoir mittels textiler Strukturen und Texturen eine innovative und für die nächste Künstlergeneration wegweisende Bildgestaltung entwickelte. Dafür wurden Werke betrachtet, die in der Renoir-Forschung bisher kaum berücksichtigt wurden. Die Autorin beleuchtet die Stoffpracht der Interieurbilder und die Darstellung von Mode, Accessoires sowie Handarbeiten in den Frauenbildnissen und zeigt am Gemälde Bal du Moulin de la Galette auf, dass Textilien selbst Renoirs Bildkompositionen durchdringen.

• Erste umfassende Studie zu Mode und Textilien in Renoirs Malerei
• Neuer Ansatz in der Renoir-Forschung mit einem Fokus auf Bildsujets, die bisher kaum berücksichtigt wurden

Currently, the significance of the colonial past for the present is fuelling public debate more than almost any other topic. Regions far away from the metropolises are coming under increasing scrutiny, since the colonial lines of communication extended as far as the village colonial goods shop. This anthology examines traces of the colonial past at a local level and follows Thuringia’s involvement in colonial structures on the global level. The contributions range from the early modern period to the period of transformation from 1990 onwards. The book takes stock of current research initiatives at Thuringian universities and presents the socio-political perspectives of decolonial initiatives and artists. The volume was produced in collaboration with artist Patricia Vester, whose graphic novel and illustrations, designed especially for this publication, provide inspiration for addressing the colonial past in and outside the classroom.

• A highly appealing volume, both graphically and linguistically, with a special topical relevance: scientific research meets sociopolitical perspectives
• With German and English texts

• Ein grafisch und sprachlich ansprechender Band mit besonderem Aktualitätsbezug: wissenschaftliche Forschung trifft auf gesellschaftspolitische Perspektiven
• Mit deutschen und englischen Texten

Mit dem Ausbau seines Staatstresors der „Geheimen Verwahrung" im Westflügel des Dresdner Residenzschlosses schuf sich August der Starke, Kurfürst von Sachsen und König von Polen, in den Jahren 1723 bis 1729 ein Schatzkunstmuseum, das damals wie heute seinesgleichen sucht. Die acht Schauräume sollten die Besucher durch ihre erlesene Ausstattung und die höchst eindrucksvolle Inszenierung der Sammlung in Staunen versetzen. Die verschwenderische Fülle der Kostbarkeiten aus Gold, Silber, Email und Edelsteinen, die Elfenbeinkunstwerke, Bronzen und Juwelen kündeten von Wohlstand und Kunstsinn des sächsischen Fürstenhauses. Nach der kriegsbedingten Schließung des Museums 1942 präsentieren sich die Schätze nun wieder in dem eigens für sie geschaffenen Ambiente. Auch heute dürfte die perfekte Symbiose aufwendiger Innenarchitektur mit einer ebenso vielfältigen wie qualitätvollen Kollektion kaum ihre Wirkung verfehlen. Der Band stellt die Meisterwerke dieser faszinierenden Sammlung vor und gibt Einblicke in das geniale Konzept des Museumsgründers, an dem sich die heutige Präsentation orientiert.

• Ein barockes Gesamtkunstwerk
• Eine visuelle Zeitreise in den Barock

The publication addresses a highly topical subject: the interaction between art, science, and social processes - the basic working principle of the two outstanding artists Helen Harrison (1927–2022) and Newton Harrison (1932–2022), who are seen as the founders of Eco Art. It examines the development of their ideas, processes and techniques in the field of ecological art and their influence on nature and society using the example of their Californian works from the last 50 years, which were a laboratory for a wealth of innovative artistic strategies. The Harrisons later used these strategies in other parts of the world to solve current environmental problems in local and global contexts.

The volume contains critical essays as well as a selection of interviews with Newton Harrison, in which he reflects on the development of their Californian oeuvre, and numerous illustrations documenting many of the artworks for the first time.

 Documentation of 50 years work by Helen and Newton Harrison, the founders of Eco Art

• Concepts and strategies to solve current environmental problems – and an urgent call for action
• Exhibition: La Jolla Historical Society as part of the „Pacific Standard Time 24“ in several Californian museums, fall/winter 2024/2025 www.pst.art

(English / German)
Figurative painting in the 20th century
Georg Eisler (1928–1998) showed unwavering commitment to figurative painting and depicted his environment with a critical eye. Throughout his life, he devoted himself to a variety of themes that reveal his unique view of the world. His primary interest was people in their social and societal contexts.

In addition to mundane subjects such as coffee house scenes, still lifes, and portraits both of well-known contemporaries and his own acquaintances, he critically examined social and political issues and dealt with these through his art. He also drew on personal experiences, such as his period of exile in Britain, in his paintings.

This publication is the first comprehensive catalog raisonné of Eisler’s diverse oeuvre, spanning more than 1,700 paintings.

• Volume 12 of the series Belvedere catalog raisonné
• Figurative painting in the 20th century
• Catalog raisonné of a figurative painter and chronicler of the 20th century

Figurative Malerei im 20. Jahrhundert

Georg Eisler (1928–1998), konsequent verhaftet in der figurativen Malerei, stellte seine Umwelt mit kritischem Blick dar. Dabei widmete er sich zeitlebens einer Vielzahl an Themenkomplexen, die seine differenzierte Sicht auf die Welt verdeutlichen. Sein Interesse gilt primär dem Menschen – in seinem sozialen und gesellschaftlichen Kontext.

Neben profanen Themen wie Kaffeehauszenen, Stillleben und Porträts bekannter Persönlichkeiten sowie eigener Bekanntschaften zeigte er kritisch gesellschaftliche und politische Fragestellungen auf und bearbeitete diese künstlerisch. Auch persönliche Erlebnisse, wie seine Zeit im britischen Exil, arbeitete er malerisch auf.

Mit dieser Publikation liegt Eislers vielfältiges malerisches Œuvre mit mehr als 1.700 erfassten Gemälden erstmals in einem umfassenden Werkverzeichnis vor.

• Werkverzeichnis eines figurativen Malers und Chronisten des 20. Jahrhunderts
• Präsentation von mehr als 1.700 Werken; mit Beiträgen von Dieter Kleinpeter, Susanne Neuburger, Ana Petrović / Marjana Uhde und Stella Rollig
• Band 12 der Reihe Belvedere Werkverzeichnisse, herausgegeben von Stella Rollig und Luisa Ziaja

The hype surrounding alternative medicine, the widespread goal of healthy eating and sport, the tendency to flee the city for the countryside, not least the current climate movement and its aim to bring about a social rethink through an individually sustainable lifestyle, are more relevant today than ever before. Nevertheless, where does this longing for a more wholesome life come from? The volume examines various forms of the search for salvation in art and society since the end of the 19th century. Experts in life reform movements, psychology, art therapy and art history look at the different facets of the quest for healing and provide an outlook on the relevance of the subject today.

(English / German)
Portrait and genre painting in the 19th century

Friedrich von Amerling (1803–1887) was one of Vienna’s most important portraitists. His oeuvre reads like a who’s who of the 19th century. He received commissions from the Habsburg court, the Austrian nobility, and the haute bourgeoisie, because no other portraitist could blend realism and idealism so aptly. In addition, throughout his life Amerling studied his own appearance in a series of self-portraits and portrayed many of his fellow artists. He became particularly popular for his depictions of young women, and stories circulated about little clues inserted into their costumes.

Amerling’s approximately 1,200 paintings are collected here for the first time in an illustrated catalog raisonné. Several essays discuss the painter’s outstanding artistic talent, his life, his models, his collection, and his residence.

• Volume 13 of the series Belvedere catalog raisonné
• Portrait and genre painting in the 19th century
• Catalog raisonné of one of the most important Austrian portrait and genre painters of the 19th century

Porträt- und Genremalerei im 19. Jahrhundert

Friedrich von Amerling (1803–1887) zählt zu den bedeutendsten Porträtisten in Wien. Sein Œuvre liest sich wie ein „Who’s who“ des 19. Jahrhunderts. Der Hof, der Adel und das gehobene Bürgertum erteilten ihm Aufträge, denn keiner vermochte es wie er, Sein und Schein so treffend ineinander zu verweben. Daneben beobachtete sich Amerling sein Leben lang selbst in einer Reihe von Selbstporträts und hielt viele seiner Künstlerkollegen in Porträts fest. Besondere Beliebtheit erlangte er durch seine Darstellung junger Frauen; deren Verkleidung erzählt kleine Geschichten.

Amerlings etwa 1.200 Gemälde sind hier zum ersten Mal in einem bebilderten Werkverzeichnis vereint. Mehrere Essays berichten vom herausragenden künstlerischen Talent des Malers, von seinem Leben, seinen Modellen, seiner Sammlung und seinem Wohnsitz.

• Werkverzeichnis eines der bedeutendsten Porträt- und Genremalers des 19. Jahrhunderts in Österreich
• Präsentation von rund 1.200 Werken; mit Beiträgen von Martin Böhm, Udo Felbinger, Sabine Grabner, Katharina Lovecky und Stella Rollig
• Band 13 der Reihe Belvedere Werkverzeichnisse, herausgegeben von Stella Rollig und Luisa Ziaja

In der Regierungszeit König Friedrichs II. angelegt, ist der Park Sanssouci über zweieinhalb Jahrhunderte zu einem einzigartigen Ensemble herangewachsen. Mit einer Fläche von 290 Hektar und beinahe 70 Kilometer Weglänge ist es Brandenburgs größte Parkanlage. Das Schloss Sanssouci mit seinen Terrassen stellt den geistigen Mittelpunkt dar, dem sich alles Umliegende unterordnet – ganz in barocker Tradition. Sternförmig angelegte Wege und verschlungene Pfade mit Zier- und Nutzgärten, Statuen, Fontänen und Teichen rhythmisieren das Areal, das im Wesentlichen die Handschrift Peter Joseph Lennés trägt.

This book brings together a number of important older texts and three new, unpublished essays on the work and reception of the Baroque architect Johann Bernhard Fischer von Erlach. The focus is on the Zagreb drawings for his book Entwurff einer Historischen Architectur (1721) as well as churches in Salzburg and the State Hall of the Court Library in Vienna. Additional subjects examined are his "English connections" and the work of his first monographer, Albert Ilg.

• Baroque architecture, Karlskirche in Vienna, Kollegienkirche in Salzburg, State Hall of the Court Library, Fischer von Erlach's drawings in Zagreb
• Albert Ilg
• English Baroque, reception of his work

Der Wiener Architekt Hermann Czech hat vom Beginn seiner Karriere in den späten 1960er Jahren bis heute ein heterogenes und von Ambivalenz geprägtes architektonisches Werk vorgelegt, das auf einer Engführung von Theorie und Praxis basiert – seinem „Denken zum Entwurf". Anhand von dialektischen Begriffspaaren wird gezeigt, wie er sich dabei mit den inneren Gegensätzen der Architektur auseinandersetzt und diese nach dialektischem Muster aufzulösen versucht.
Diskutiert wird Czechs Position im Hinblick auf die Gegensatzpaare Übermut/Unterschätzung, Konsumtion/Produktion, Kunstwerk/Gebrauchsgegenstand, Manierismus/Partizipation, Subjektivität/Objektivität sowie Alt/Neu, wodurch Aspekte seines Schaffens in den Fokus gerückt werden sollen, welche in der Literatur bislang wenig Beachtung fanden.

• Dialektik der Architektur
• Architekturtheorie
• Wien